KINETTA (Yorgos Lanthimos, 2005)

In jüngster Zeit habe ich die Arbeiten des griechischen Regisseurs Yorgos Lanthimos zu schätzen gelernt und so sah ich auch der Sichtung seines zweiten Spielfilms Kinetta mit Vorfreude entgegen. Leider ist der in hohem Maße experimentelle Film eine ziemliche Enttäuschung. Die Schwächen liegen dabei nicht nur im formalen Bereich. Die oft unerträglich wackelnde Handkamera macht insbesondere die ersten Minuten zu einer regelrechten Tortur und die zahlreichen Nahaufnahmen, bei denen die Kamera wiederholt sekundenlang den Fokus sucht, stellen eine ähnlich große Herausforderung dar. Dies wirkt schlichtweg dilettantisch. Gesprochen wird fast nichts. 

Auf der inhaltlichen Ebene werden die Leben dreier Menschen beleuchtet, die außerhalb der Saison im namensgebenden Ferienort leben: ein Polizist - ob es sich tatsächlich um einen solchen handelt, wird nicht ganz klar - mit einer Vorliebe für üppige russische Frauen und BMWs, ein Fotograf, der in einem Fotogeschäft arbeitet, und ein Zimmermädchen. Die drei treffen sich mehr oder weniger regelmäßig, um Mordfälle nachzustellen. Warum sie das tun, in welcher Beziehung sie zueinander stehen und welche Motivation sie jeweils antreibt, überlässt Lanthimos der Fantasie des Zuschauers. Am offensichtlichsten ist das Motiv noch beim Polizisten. Der Fotograf hat anscheinend ein Faible für bizarre Motive und Situationen, gut zu erkennen auch daran, dass er nach dem Selbstmordversuch des Zimmermädchens zuerst dessen leblos da liegenden Körper fotografiert, bevor er ihm hilft. Die bizarre Eröffnungssequenz lässt sich eventuell so deuten, dass der Auslöser für diese Faszination möglicherweise der Unfalltod eines nahen Angehörigen war. Beim Zimmermädchen wiederum macht sich nicht nur ein allgemeiner Lebensüberdruss bemerkbar, sondern auch eine Vorliebe dafür, gedehmütigt zu werden und körperlicher Gewalt ausgesetzt zu sein. Mehrfach "übt" sie in ihrem Zimmer für sich alleine Szenen, in denen sie gewürgt oder geschlagen wird. Auch trägt sie bei jeder nachgestellten Szene eine Verletzung davon, was sie aber nicht davon abhält, sich erneut mit den beiden Männern für eine weitere Szene zu treffen.

Von der Idee her ist das alles nicht uninteressant, doch neben den zahlreichen handwerklichen Schwächen schafft Lanthimos es auch nicht, ein tieferes Interesse des Zuschauers für seine Figuren zu wecken. Darüber hinaus gibt es immer wieder völlig belanglose Szenen, die keinerlei Bedeutung haben, und das ohnehin schon träge Tempo weiter entschleunigen. Die Darsteller machen ihre Sache hingegen nicht schlecht. Unter dem Strich dann doch ein ziemlich belangloser Film, der in jeder Hinsicht meilenweit von den aktuellen Werken des Regisseurs entfernt ist.

THE FAVOURITE (Yorgos Lanthimos, 2018)

I like it when she puts her tongue inside me.

The Favourite markiert die erste Zusammenarbeit des griechischen Regisseurs mit seiner Muse Emma Stone, und seither ist die Frau aus Arizona fester Bestandteil des Lanthimos-Ensembles. Die Geschichte ist den realen Erlebnissen der englischen Königin Anne Stuart nachempfunden, die zu Beginn des 18. Jahrhunderts für einige Jahre an der Spitze des britischen Empire stand. Auch wenn es sich der Geschichtsschreibung nach zu urteilen wohl tatsächlich um eine physisch und psychisch sehr labile Persönlichkeit handelte, zeichnet Lanthimos ein stark überspitztes Porträt der Monarchin.

Das Setting sagte mir nicht sonderlich zu. Dennoch ist der Film in seiner schrägen Art durchaus witzig und amüsant. Die höfischen Intrigen wirken wie ein bewusst überdrehtes Kammerspiel, das sich weniger für historische Genauigkeit interessiert als für die Dynamik zwischen den drei Frauen, die alle auf ihre Weise um Nähe, Macht und Aufmerksamkeit ringen. Getragen wird das Ganze von den hervorragenden Darstellerinnen. Neben Emma Stone kann vor allem Olivia Colman überzeugen, die für die Rolle der Queen Anne zu Recht einen Oscar erhalten hat. Rachel Weisz komplettiert das Trio und sorgt dafür, dass die Machtspiele nie ins rein Groteske abrutschen, sondern immer eine menschliche Note behalten.

Trotz meiner Distanz zum barocken Ambiente bleibt The Favourite ein Film, der durch seine Mischung aus Boshaftigkeit, Melancholie und trockenem Humor nachhallt. Nicht zuletzt deshalb, weil Lanthimos die historische Vorlage nicht ehrfürchtig behandelt, sondern sie mit sichtbarem Vergnügen in seinem Sinne verbiegt.

THE BALLAD OF BUSTER SCRUGGS (Ethan & Joel Coen, 2018)

First time?

The Ballad of Buster Scruggs markiert die vorläufig (?) letzte Zusammenarbeit der beiden Coen-Brüder, die seither mit Solo-Projekten unterwegs sind. Erzählt werden sechs von einander unabhängige Geschichten, die im weitesten Sinne dem Western-Genre zuzuordnen sind, wobei Stil, Erzählrhythmus und Tonalität der einzelnen Episoden sehr unterschiedlich ausfallen. Die Übergänge zwischen den Geschichten werden in Form eines Buchbandes umgesetzt, bei dem zu Beginn der nächsten Episode jeweils eine neue Seite aufgeschlagen wird.

Ursprünglich war The Ballad of Buster Scruggs als Serie mit sechs Episoden konzipiert, bevor die Brüder sich dazu entschlossen haben, daraus einen Spielfilm zu machen. Die erzählten Geschichten sind von unterschiedlicher Qualität, dabei durch die Bank kurzweilig und  unterhaltsam und zum Teil auch recht witzig. Insbesondere die richtig fiese dritte Episode Meal Ticket und die nachfolgende All Gold Canyon mit einem tollen Tom Waits in der Hauptrolle konnten mich begeistern. 

Bleibt zu hoffen, dass es bald wieder ein gemeinsames Projekt der Coens geben wird, denn auch The Ballad of Buster Scruggs unterstreicht die Klasse der Beiden - zumindest dann, wenn sie zusammenarbeiten.

BROKKLYN'S FINEST (Antoine Fuqua, 2009)

I don't want God's forgiveness. I want his fuckin help!

Antoine Fuquas siebter Spielfilm gehört ohne Frage zu den stärkeren Arbeiten des Regisseurs. Er erzählt in drei lose miteinander verwobenen Episoden von drei New Yorker Polizisten, die alle auf ihre Weise an den Rändern ihrer Belastbarkeit angekommen sind. Fuqua interessiert sich weniger für die Mechanik des Thrillers als für die innere Erosion seiner Figuren, und so ist Brooklyn’s Finest mehr Drama als Actionfilm.

Die Struktur erinnert an den klassischen Ensemble-Film. Fuqua entfaltet ein Panorama aus Müdigkeit, moralischen Kompromissen und kleinen, unscheinbaren Entscheidungen, die sich langsam zu etwas Unausweichlichem verdichten und auf die Eskalation zulaufen. In manchen Momenten wirkt der Film wie ein Magnolia für Hartgesottene: ein Mosaik aus Schicksalen, das weniger auf große Überraschungen aus ist als auf das stille, stetige Abgleiten seiner Protagonisten.

Punkten kann Brooklyn’s Finest vor allem mit seinen Figuren und den Darstellern, die ihre Sache allesamt hervorragend machen. Richard Gere spielt einen kurz vor der Rente stehenden Cop, der längst innerlich gekündigt hat, dem Alkohol verfallen ist und sein inneres Glück bei einer Nutte sucht. Ethan Hawke zeigt einen Polizisten, der unter der Last seiner Verantwortung und dem Willen, seiner Familie ein besseres Leben zu bieten zerbricht; und Don Cheadle balanciert als Undercover-Cop überzeugend zwischen Loyalität und Selbstschutz. Auch toll: Wesley Snipes, der inmitten all seiner B-Movies hier nochmal Akzente setzen kann.

Fuqua inszeniert das alles mit einer gewissen Schwere, aber ohne nerviges Pathos. Die Straßen, die Wohnungen, die Gesichter - alles trägt die Spuren der Abnutzung und des langsamen Verfalls. Brooklyn’s Finest lebt weniger von seiner Handlung als von diesem Gefühl des langsamen Ausfransens. Am Ende bleibt der Eindruck von drei Männern, die längst wissen, dass es für sie keine einfachen Wege mehr gibt, und die trotzdem weitergehen, weil ihnen nichts anderes übrig bleibt. 

THE KEEP (Michael Mann, 1983)

Your new home: how do you like it?

Michael Mann ist ganz ohne Zweifel einer der herausragenden Regisseure der Gegenwart und darüber hinaus einer meiner absoluten Lieblinge. Was ihn seinerzeit geritten, diesen konfusen Mix aus Horror, Kriegsfilm und Mystery zu drehen, wird mir auf ewig ein Rätsel bleiben. Umso erstaunlicher, dass es ihm gelungen ist, eine beeindruckende Riege namhafter Schauspieler für das Projekt zu gewinnen: Scott Glenn, Ian McKellen, Gabriel Byrne, Jürgen Prochnow, etc..

Dem Vernehmen nach soll die ursprüngliche Fassung auf Druck der Produzenten auf die Hälfte gekürzt worden sein, doch mir fehlt die Phantasie mir vorzustellen, dass The Keep mit mehr Spielzeit auch nur ein halbwegs guter Film geworden wäre. Das Teil ist von vorne bis hinten Murks und langweilt trotz der sehr kompakten Spieldauer von gerade einmal 96 Minuten. Die Darsteller mühen sich redlich, haben aber gegen das von Mann höchstpersönlich verfasste Drehbuch keine Chance. Die Special Effects sind selbst angesichts der Entstehungszeit an der Grenze zur Lächerlichkeit und zu allem Überfluss wird das Ganze von einem äußerst nervigen Score der deutschen Band Tangerine Dream untermalt, in dem die für die 80er so typischen Keyboards dominieren. 

Ein fürchterlicher Film und so ziemlich das Schlechteste, was ich in den letzten Jahren gesehen habe. Dass dies von einem Meister wie Michael Mann zu verantworten ist, mag man kaum glauben. Aber wie sagte Les Claypool einst so treffend: "We all crap in our pants once in a while".

SALTBURN (Emerald Fennell, 2023)

I'm sorry, my performance wasn't good enough.

Saltburn ist eine schrille Parabel auf die Macht der Manipulation, weitaus schriller noch als Fennells Debut. Anfangs mäandert die Handlung eher ziellos umher, was zumindest meine Geduld auf eine harte Probe stellte, bevor die Story dann Fahrt aufnimmt und sich Stück für Stück in eine zunächst nicht vermutete Richtung entwickelt. Die bizarren, völlig überzeichneten Charaktere, von denen keiner Gefahr läuft, als Abbild einer real existierenden Person durchzugehen, verschieben Saltburn in den Bereich der Grosteske. Ernstnehmen kann man das Treiben beim besten Willen nicht, aber unterhaltsam ist es trotzdem.

Zu loben ist unbedingt die Leistung des Hauptdarstellers Barry Keoghan, der den unterwürfigen, scheinbar tumben, in Wahrheit aber stets extrem kalkulierten und berechnenden Oliver Quick als faszinierenden Charakter porträtiert, der am Ende alle kaltstellt und am Ziel seiner Träume angekommen ist.

Saltburn ist ein Film, auf den man sich einlassen muss, auch wenn das über weite Strecken schwerfällt und darüber hinaus auch ein Film, der in den Tagen danach an einem nagt und sich immer wieder ins Gedächtnis drängt. Fand ich Saltburn während und unmittelbar nach der Sichtung nicht sonderlich gelungen, setzte sich in den folgenden Tagen immer mehr die Erkenntnis durch, dem Film mit dieser Einordnung Unrecht getan zu haben. Ich glaube, dass er seine wahre Klasse erst bei einer zweiten Sichtung entfalten kann. In jedem Fall eine weitere interessante Arbeit einer (dienst-)jungen Regisseurin, die im Auge zu behalten sich lohnen dürfte.

PROMISING YOUNG WOMAN (Emerald Fennell, 2020)

Don't underestimate a girl with a plan!

Emerald Fennells Promising Young Woman ist ein Film, der zweifelfrei als Kind der #MeToo‑Debatte Ende der 2010er Jahre zu erkennen ist. In ihrem Spielfilmdebut setzt die ehemalige Schauspielerin auf eine schrille Mischung aus Thriller, Satire und Popästhetik. Die Grundidee ist originell und witzig zugleich, die Umsetzung kann aber nicht immer völlig überzeugen. Insbesondere die Szenen, in denen Cassie vorgibt betrunken zu sein und sich von "hilfsbereiten" Männern abschleppen lässt, die natürlich nur Sex mit ihr und ihre scheinbar hilflose Situation ausnutzen wollen, wirken zu konstruiert, um glaubwürdig zu sein. In der Realität wäre die Reaktion der Männer wohl eine andere und Cassie würde mit ihrer Nummer vermutlich nicht immer ungeschoren davon kommen. Und das plötzlich auftauchende Handyvideo der Vergewaltigungsszene von vor sieben Jahren kommt so unverhofft daher wie das Kaninchen aus dem Hut. Letztlich dient es nur dazu, den bis dahin sympathisch wirkenden Ryan, der drauf und dran ist, Cassies Herz zu erobern und sie aus ihrer Lethargie zu reißen, als Beteiligten zu entlarven. Darüber hinaus hat es keine Funktion.

Trotz dieser Taschenspierlertricks ist das Ganze sehr spannend und darüber hinaus auch ausgesprochen stylisch inszeniert. Carey Mulligan in der Hauptrolle macht ihre Sache gut und in der letzten halben Stunde spitzen sich die Ereignisse nochmal deutlich zu. Das Ende kommt dann recht unerwartet und setzt einen gelungenen Schlusspunkt. Doch, hat mir gut gefallen.

BOOGIE NIGHTS (Paul Thomas Anderson, 1997)

Everyone's blessed with one special thing.

Boogie Nights ist ein höchst unterhaltsames Porträt der goldenen Ära der amerikanischen Pornoszene der späten Siebziger, personifiziert durch den Aufstieg des jungen Eddie mit dem Künstlernamen Dirk Diggler, der über herausragende Steher-Qualitäten verfügt und von Mark Wahlberg perfekt verkörpert wird. Die Rolle scheint ihm wie auf den Leib geschneidert. Der Film wirkt dabei weniger wie ein Milieustück als wie ein Blick in eine Gemeinschaft, die sich selbst als eine bizarr anmutende Familie versteht und in vielen Szenen fühlt man sich tatsächlich wie bei einem schrillen, aber warmherzigen Familientreffen. Anderson enthält sich jeder Wertung bezüglich des Tuns seiner Protagonisten und zeigt sie als eine Gruppe liebenswerter und sympathischer Charaktere, die letztlich alle nur nach Erfolg und persönlichem Glück streben. Die Ausnahme bildet der pädophile Geldgeber "Colonel James", der aus der "Familie" verstoßen wird und im Gefängnis landet, nachdem seine Vorliebe bekannt geworden ist.

Gleich zu Beginn gibt Anderson den Rhythmus vor: die lange Kamerafahrt von der Straße hinein in die Disco führt uns an den wichtigsten Figuren vorbei und bringt sie dem Zuschauer näher. Nicht über Dialoge, sondern über Blicke, Bewegungen, kleine Gesten, Wortfetzen. Eine ähnliche Szene gibt es später nochmal bei der Poolparty. Bemerkenswert ist Andersons großes Interesse für diese Figuren, von denen keine auf ein oberflächlich gezeichnetes Abziehbild reduziert wird. Vielmehr werden sie als liebenswerte Menschen mit all ihren Stärken und Schwächen, ihren Problemen und Ängsten gezeichnet.

Ein wiederkehrendes Motiv in Andersons Filmen ist das Vater-Sohn-Verhältnis. Nachdem Eddie sich mit seiner Mutter überworfen hat - sein Vater nimmt das Zerwürfnis passiv hin und greift nicht ein - findet er in dem Pornoproduzenten Jack Horner (grandios: Burt Reynolds) eine Art Ersatzvater, der ihn unter seine Fittiche nimmt und ihn zu seinem Hauptdarsteller macht. Reynolds verleiht Jack eine Mischung aus Autorität, Fürsorge und leiser Melancholie, die den Film entscheidend mitprägt. Ohne Zweifel eine der besten Leistungen seiner Karriere. Auch das übrige Ensemble kann mit guten Leistungen überzeugen. Dass mit Nina Hartley und Ron Jeremy zwei reale Größen der damaligen Szene in Nebenrollen auftauchen, verstärkt den Eindruck, in eine Zeit einzutauchen, die Anderson mit viel Gespür rekonstruiert hat. Das Flair der späten Siebziger ist überall spürbar: in der Ausstattung, im Licht, im Rhythmus und nicht zuletzt im großartigen Score, der erheblich zur wunderbar melancholischen Atmosphäre beiträgt.

Boogie Nights ist weniger ein Film über die Pornobranche als solche als vielmehr ein klassischer Ensemble-Film, der - wie auch der nachfolgende Magnolia - über eine ganze Armada an interessanten Figuren verfügt. Ein präzise beobachtetes, warmherziges und leichtfüßiges Zeitporträt, das wunderbar unterhält und die Zeit wie im Flug vergehen lässt.

 

MAXXXINE (Ti West, 2024)

I always wanted to be famous.

Nach dem tollen Pearl und dem ordentlichen X war ich gespannt, ob Ti West auch mit dem abschließenden Teil der Reihe würde überzeugen können, doch leider ist MaXXXine eine ziemliche Enttäuschung. 

Die Story ist ebenso banal wie einfallslos. Während Pearl eine schöne Reflexion über Befreiung und die Sehnsucht nach einem besseren Leben war und X zumindest noch als gelungene Texas Chainsaw-Massacre-Hommage durchgeht, bietet MaXXXine nichts, was irgendwie erinnerungswürdig wäre, abgesehen von den zahlreichen Anspielungen und Zitaten diverser Hollywood-Filme respektive -Figuren. Mia Goth müht sich redlich, doch gegen das schwache Drehbuch kommt sie nicht an. Zwar wird - zumindest in der ersten Filmhälfte - ein gewisser Spannungsbogen gehalten, doch insbesondere im letzten Drittel verliert sich der Streifen in einem immer schwächer werdenden Plot, in dessen Mittelpunkt ein Exorzismus steht, um dann in einem ebenso platten wie vorhersehbaren 08/15-Finale zu enden. 

Man muss West allerdings zugute halten, dass das alles recht stylisch inszeniert ist. Der grelle Look in der Ästhetik der 80er-Jahre weiß durchaus zu gefallen, kann aber nicht kaschieren, dass der Film im Kern erstaunlich konventionell bleibt. So bleibt MaXXXine letztlich Stückwerk und eine halbgare Mischung zwischen ironischer Genre-Spielerei und wenig originellem Thriller mit einem unglaubwürdigen Plot. Die beiden Vorgängerfilme hätten einen besseren Abschluss der Reihe verdient gehabt.

LICORICE PIZZA (Paul Thomas Anderson, 2021)

What does your penis look like?

Licorice Pizza ist ein Film ohne stringente Handlung, in dem aber trotzdem ständig etwas passiert. Paul Thomas Anderson wirft den Zuschauer mitten ins San Fernando Valley der frühen 70er. Statt einer fokussierten Handlung gibt es eher ein zielloses Herumstreifen — aber eines, das erstaunlich viel Spaß macht.

Die beiden Hauptdarsteller, Alana Haim und Cooper Hoffman, beide zum ersten Mal auf der großen Leinwand, sind absolut liebenswert. Die Chemie zwischen den beiden stimmt und die von ihnen verkörperten Figuren wirken glaubwürdig. Man kauft ihnen jede Unsicherheit, jede Überheblichkeit und jeden spontanen Einfall ab. Die Ähnlichkeit Hoffmanns zu seinem großen Vater ist frappierend und auch von dessen Talent scheint er eine Menge mitbekommen zu haben. In vielen Szenen hat man das Gefühl, einem sehr jungen Philip Seymour Hoffman zuzusehen.

Die Handlung mäandert fröhlich vor sich hin: mal eine clevere Geschäftsidee, mal ein schräger Nebencharakter, mal ein komplett überflüssiger, aber herrlich unterhaltsamer Subplot. Das wirkt oft beliebig aber nie langweilig. Im Gegenteil: Der Film lebt von diesen kleinen Abzweigungen, die sich anfühlen wie zufällige Erinnerungen, die einem plötzlich wieder einfallen. Der Vergleich zu Tarantinos Once Upon a Time in Hollywood drängt sich sofort auf. Weniger auf der inhaltlichen Ebene, sondern weil beide Filme dieses gemütliche Flanieren durch eine vergangene Ära zelebrieren. Bei Anderson ist das weniger cool und weniger stilisiert, dafür wärmer, verspielter und auch witziger.

Das Setting der frühen 70er ist ganz wunderbar. Alles wirkt leicht verwaschen, sonnengebleicht, ein bisschen improvisiert. Dazu der tolle Score von Jonny Greenwood. Die Atmosphäre nimmt einen sofort gefangen und katapultiert den Zuschauer 50 Jahre zurück in eine Welt, die sich so ganz anders anfühlt als die Gegenwart. Ich glaube, dass es Anderson in erster Linie darum ging, dieses Gefühl einfangen - und das gelingt ihm hervorragend. Licorice Pizza ist witzig, charmant, ziemlich chaotisch und herrlich unaufgeräumt. Ein Film wie ein warmer Sommertag.

UNSANE (Steven Soderbergh, 2018)

I'm not fucking crazy!

Steven Soderbergh hat mit Unsane wieder einmal bewiesen, dass er keine Angst vor formalen Experimenten hat. Gedreht mit einem iPhone, roh, körnig, nah an den Figuren – eigentlich genau das Setting, das einem psychologischen Thriller guttun sollte. Und doch bleibt der Film hinter seinem eigenen Anspruch zurück.

Das Thema ist grundsätzlich interessant und geht in eine ähnliche Richtung wie der einige Jahre zuvor entstandene Side Effects. Unsane behandelt die perfide Praxis, Patienten gegen ihren Willen einzuweisen, um über Krankenkassenabrechnungen Profit zu generieren. Die Szenen, in denen Claire sich gegen ein System wehrt, das sie nicht ernst nimmt und gleichzeitig finanziell ausschlachtet, gehören zu den eindringlichsten des Films. In diesen Momenten wirkt der Film fast dokumentarisch – und genau dann ist er am stärksten.

Weniger überzeugend ist dagegen der Subplot um den Stalker, der sich als Pfleger in die Anstalt einschmuggelt. Das wirkt wie ein Fremdkörper, als hätte jemand in einen halbwegs realistischen Albtraum plötzlich einen pulpigen Thriller-Bösewicht hineingeschrieben. Die Idee ist nicht nur konstruiert, sie untergräbt auch das eigentlich spannende Thema des institutionellen Missbrauchs. 

Trotzdem – das muss man Soderbergh lassen – bleibt Unsane die meiste Zeit über spannend. Die klaustrophobische Kameraarbeit, das hektische Tempo und die ständige Unsicherheit darüber, was real ist und was nicht, sorgen dafür, dass man trotz aller Ungereimtheiten dranbleibt.

Am Ende bleibt ein Film, der viel will, manches erreicht und anderes verschenkt. Unsane ist kein Totalausfall, aber auch weit entfernt von Soderberghs stärksten Arbeiten. Ein interessantes Experiment mit einem wichtigen Thema – nur leider verpackt in eine Geschichte, die sich selbst zu oft im Weg steht.

X (Ti West, 2022)

One day we're gonna be too old to fuck.

Bekanntlich erzählt X die Fortsetzung von Pearl und entstand quasi direkt im Anschluss an das Sequel. Zentrales Thema ist der Verlust der Jugend und die damit einhergehende Vergänglichkeit der körperlichen FItness und Schönheit. Dies verarbeitet Ti West in einem wunderbaren Slasher-Film im Texas-Chainsaw-Massacre-Stil, angesiedelt in den Südstaaten der USA in den 70er Jahren. 

 

Im Mittelpunkt steht eine Gruppe junger Leute, die ein abgelegenes Farmhaus mieten, um dort einen Porno zu drehen. Auch wenn von Anfang an ziemlich klar ist, in welche Richtung sich die Handlung entwickeln wird, ist X sehr unterhaltsam, zumal West einige witzige Ideen und auch die ein oder andere Überraschung eingebaut hat. Mia Goth ist hier in einer Doppelrolle zu sehen und spielt sowohl die junge Maxine als auch die vom Alterungsprozess gezeichnete Pearl sehr überzeugend. Und auch wenn X nicht an die Klasse von Pearl herankommt, ist Ti West unter dem Strich doch ein äußerst kurzweiliger Slasher gelungen, der ausgezeichnet unterhält und die Zeit wie im Flug vergehen lässt. 

PEARL (Ti West, 2022)

I made such a mess of things.

Ein in höchstem Maße fesselnder Mix aus Charakterstudie und Horrorthriller mit einer starken Mia Goth in der Hauptrolle. Hatte ich bei Frankenstein noch ihre mangelnde Ausstrahlung bemängelt, scheint ihr die Rolle der träumerischen Pearl wie auf den Leib geschneidert. Im Laufe der 100 Minuten läuft sich zu großer Form auf und gibt eine wahrlich beängstigende Vorstellung. Zu loben ist unbedingt die tolle Kamera-Arbeit von Eliot Rockett, der Pearls Umgebung als eine märchenhafte Welt erscheinen lässt, in der sie quasi die böse Hexe ist. Dabei ist ihre Sehnsucht nach einem besseren Leben, nach sexueller Befreiung, nach Ruhm und Anerkennung, die sie in ihrer angestrebten Karriere als Tänzerin zu finden glaubt, absolut nachvollziehbar. Sie fühlt sich wie eine Gefangene auf der heimischen Farm, wartend auf ihren Ehemann, der in Europa für sein Land im Krieg ist, unterdrückt und gegängelt von ihrer strengen, vom Leben verhärmten Mutter, ihren schwerkranken Vater aufopferungsvoll pflegend. Da ist es nur eine Frage der Zeit bis das Fass zum Überlaufen kommt und Pearl auf ihre sehr eigene Art und Weise aus ihrem Gefängnis ausbricht.

 

Zeitlich angesiedelt in den letzten Monaten des ersten Weltkrieges erzählt Ti West eine mitreißende Schauermär um eine einsame junge Frau, die ihrem tristen Alltag mit allen Mitteln entkommen will. Ganz witzig sind die Verweise auf das zur Drehzeit noch allgegenwärtige Corona-Virus, hier thematisiert in Form der Spanischen Grippe, die seinerzeit mehr als 20 Millionen Menschen dahinraffte. Ob die Menschen in den USA damals tatsächlich im Alltag mit Gesichtsmasken herumgelaufen sind, entzieht sich meiner Kenntnis und ist wohl eher als Seitenhieb zu verstehen. Hervorragend gelungen ist auch das Ende, das den Film auf perfekte Weise abrundet. Ganz toll!

SINNERS (Ryan Coogler, 2025)

They're vampires.

Müder Abklatsch von From Dusk till Dawn, an dessen Struktur sich Coogler erkennbar orientiert. Wie auch beim großen Bruder werden in der ersten Hälfte die Charaktere vorgestellt, die allesamt uninteressant sind und nicht mehr als oberflächlich angelegte Abziehbilder bleiben. In der zweiten Hälfte kommt es dann in einer alten Mühle zum Showdown mit den Vampiren, der von hektischen Schnittfolgen und einer unübersichtlichen Choreographie geprägt ist.

Das Setting im Süden der USA zur Zeit der Prohibition in den 30er Jahren ist ganz nett und sorgt für einige schöne Aufnahmen. Die Darsteller machen ihre Sache ganz ordentlich. Zwischendurch muss man zahlreiche Gesangs- und Tanzeinlagen ertragen, was Sinners zu einer Mischung aus Horrorfilm und Musical macht. Blues-Fans kommen hier sicherlich auf ihre Kosten. Ich empfand das eher als anstrengend. Der Score von Ludwig Göransson vermittelt zwar eine gewisse Dynamik, ist aber in vielen Szenen völlig unpassend. So quält man sich durch überlange 138 Minuten in der Hoffnung, Zugang zu dem belanglosen Treiben zu finden. Ich habe bereits nach einer Stunde den Abspann herbeigesehnt. Das war leider nichts.  

 

THE KILLER (David Fincher, 2023)

Leave no loose ends, nothing to dangle.

Ein schnökelloser, aufs Wesentliche reduzierter Thriller mit einer klassischen Rachestory, die weder sonderlich originell noch übermässig spannend ist. Und doch ist es faszinierend, dem Protagonisten dabei zuzusehen, wie er alles genau plant, jeden gegnerischen Zug zu antizipieren versucht und es dennoch nicht schafft, sich an seine selbst auferlegten Regeln, die er mantra-artig wiederholt, zu halten. Michael Fassbender ist stark wie immer und erwartungsgemäß ist The Killer eine einzige One-Man-Show. Zumindest bis zu dem Moment, in dem Tilda Swinton auf den Plan tritt, aber da ist der Film schon fast zu Ende. 

Fincher kleidet das in die gewohnt schönen Bilder und er schafft es einmal mehr, vergleichsweise belanglose Alltagssituationen durch ausnehmend elegante Kamerafahrten und eine raffinierte Schnitt-Technik zu etwas Besonderem zu machen. Für die passende akkustische Untermalung sorgte Trent Reznor, mit dem Fincher schon mehrfach zusammengearbeitet hat. Zugespitzt könnte man sagen, dass bei The Killer Style over Substance regiert, denn es ist weniger eine fesselnde Story, die begeistert, sondern die formale Eleganz und formvollendete Schönheit des Dargebotenen. Das ist zweifellos einer der größten Stärken des Mannes aus Colorado. Kaum einer beherrscht das so wie er. Und doch würde man dem Film damit Unrecht tun, denn zwei Stunden spannende und kurzweilige Unterhaltung bietet er allemal. Eine herausragende Stellung unter Finchers Filmen wird ihm indes nicht zuteil. Eine routinierte Standardarbeit und doch besser als Vieles, was Jahr für Jahr das Licht der Leinwand erblickt. Und nebenbei bemerkt habe ich schon lange keinen Film mehr mit derart penetrantem Product-Placement gesehen. Zumindest in dieser Hinsicht sticht The Killer heraus.