LA SIRÈNE DU MISSISSIPI (Francois Truffaut, 1969)

Ein Film über eine krankhafte Liebe, der stark von Hitchcock beeinflusst ist und auch Anleihen beim Film noir nimmt. Die von Catherine Deneuve verkörperte Marion Vergano ist eine klassische Femme fatale, die den ihr verfallenen Louis immer tiefer ins Unglück stürzt. 

Deneuve spielt das mit der ihr eigenen kühlen und distanzierten Art. Stets umgibt sie etwas Geheimnisvolles und dieser Eindruck bleibt auch bestehen, nachdem man erfahren hat, dass sie nicht diejenige ist, für die sie sich ausgibt. Bis zum Ende bleibt ihre Figur ein Stück weit undurchdringlich und unnahbar.

Gut gelungen ist die Art und Weise, wie der soziale und finanzielle Abstieg von Louis auch visuell nachvollziehbar gemacht wird. Die Schauplätze und Unterkünfte der beiden ändern sich im Verlauf der Handlung mehrfach und werden mit zunehmender Dauer immer trostloser. Beginnend mit der luxuriösen Villa in der exotisch anmutenden Tropenlandschaft von La Réunion, über Nizza und eine karge Mietwohnung in Lyon schließlich in eine kleine Hütte in den verschneiten Schweizer Alpen. Die Umgebung spiegelt dabei sehr schön die Beziehung zwischen Louis und Marion wider. 

Stilistisch bedient sich der Film einiger typischer Mittel der Nouvelle Vague. Dazu gehören Jump Cuts ebenso wie Passagen, in denen Bild und Ton voneinander entkoppelt werden und Dialoge asynchron zum Gezeigten verlaufen. Hinzu kommen mehrere dynamisch inszenierte Autofahrten insbesondere in der ersten Hälfte des Films, die zum Teil wie eine Verbeugung vor Hitchcock wirken.

Am Ende hat Louis alles verloren: sein Geld, seine Macht, seinen gesellschaftlichen Status und seine Gesundheit. Selbst als er merkt, dass Marion ihm Rattengift in seine Getränke mischt, tut das seiner Liebe für sie keinen Abbruch. Bar jeder Vernunft scheint er ihr hoffnungslos verfallen. Umso bemerkenswerter ist das Ende, an dem beide trotz allem beschließen, einen weiteren gemeinsamen Neuanfang zu wagen, nachdem Marion Louis erneut ihre Liebe versichert hat.

Ein faszinierender Film über die zerstörerische Kraft der Liebe. 

THE GODFATHER PART III (Francis Ford Coppola, 1990)

Power wears out those who don't have it.

Der dritte Teil Von Coppolas großem Mafia-Epos konzentriert sich auf die Versuche Michael Corleones, dem Verbrechen zu entsagen und ein unbescholtener und angesehener Bürger zu werden. Auch wenn er dabei zunächst erfolgreich zu sein scheint, muss er doch zunehmend erkennen, dass er seine Vergangenheit nicht hinter sich lassen kann.

Bei meiner letzten Sichtung hatte ich die Kinofassung gesehen. Obwohl ich mich nicht mehr sonderlich gut daran erinnern kann, weiß ich noch, dass ich die Geschichte um den Immobiliare-Deal damals als etwas verwirrend empfunden hatte. Mit der 2020 erstellten neuen Schnittfassung gelang es Coppola, dies deutlich besser in die Handlung zu integrieren und dadurch viel besser verständlich zu machen. Auch darüber hinaus hat mir die neue Fassung außerordentlich gut gefallen, bereinigt sie doch einige der Schwächen, die die Kinofassung aufzuweisen hatte. 

Michael Corleone verfügt über immensen Reichtum und nahezu unbegrenzte Macht, doch ein glücklicher Mensch ist er längst nicht mehr. Mehr als je zuvor wird dies deutlich in der Szene, in der er Kardinal Lamberto zunächst widerwillig seine Sünden beichtet. Insbesondere die von ihm befohlene Ermordung seines Bruders hat er nie verarbeitet. Die Geister der Vergangenheit versucht er damit zu bekämpfen, dass er den verbliebenen Mitgliedern seiner Familie seine ganze Liebe und Zuneigung angedeihen lässt, wobei er insbesondere an seiner Tochter Mary hängt. Auch seinen Sohn Anthony, der sich von ihm distanziert hatte, weil er um Fredos Ermordung wusste, kann er ein Stück weit wieder für sich gewinnen, indem er dessen Wunsch, Opernsänger zu werden, letztlich akzeptiert, was ihn wiederum auch seiner Exfrau Kay näherbringt. 

Auch wenn The Godfather Part III nicht an die Klasse seiner beiden Vorgänger heranreicht, bildet er doch insbesondere in der neuen Schnittfassung einen äußerst gelungenen Abschluss der Corleone-Familiensaga. Die Erzählweise wirkt deutlich zurückhaltender und konventioneller als die des im selben Jahr entstandenen Goodfellas, der wiederum damals den Mafiafilm in eine neue, moderne Richtung lenkte. Mir gefiel diese zurückgenommene Art der Inszenierung ausgesprochen gut, zumal sie auch perfekt zu jener der beiden Vorgänger passt. Auch die Story wirkt in der neuen Fassung deutlich stimmiger und runder und bindet geschickt die Verschwörungstheorien um den plötzlichen Tod von Papst Johannes Paul I. ein. 

Das große Finale im Opernhaus von Palermo zählt für mich zu den Höhepunkten der gesamten Trilogie und ist an Spannung kaum zu überbieten. Sehr gelungen ist auch das neue Ende, das im Gegensatz zur ursprünglichen Fassung Michaels Tod nicht mehr zeigt, obwohl der Film ironischerweise nunmehr den Zusatztitel The Death of Michael Corleone trägt. Dadurch wirkt der Schluss noch tragischer. Die letzte Einstellung zeigt Michael als reichen und mächtigen, aber auch einsamen und desillusionierten Mann.

ABISMOS DE PASIÓN (Luis Buñuel, 1954)

Buñuels Umsetzung des berühmten Romans Wuthering Heights von Emily Brontë konnte mich nicht recht überzeugen. Das liegt vermutlich nicht zuletzt daran, dass mir die zugrunde liegende Geschichte noch nie sonderlich zugesagt hat. Der Spanier verdichtet den umfangreichen Roman auf knapp anderthalb Stunden und konzentriert sich dabei vor allem auf die Beziehungen zwischen den fünf Hauptpersonen, deren Namen für die mexikanische Version angepasst wurden.  

Zwar ist eines der zentralen Motive des Films, der Konflikt zwischen gesellschaftlichen Klassen, ein typisches Buñuel-Thema, doch insgesamt ist mir das alles zu melodramatisch geraten. Oft schreien sich die Figuren gegenseitig an, bedrohen einander oder leiden unter ihrer unerfüllten Liebe. Die extreme Emotionalität der Handlung ließ mich weitgehend kalt, zumal die Charaktere kaum eine Gelegenheit auslassen, ihre Leidenschaften und Obsessionen demonstrativ zur Schau zu stellen.

Die vorwiegend mexikanischen Darsteller tragen für meinen Geschmack etwas dick auf und zeigen einen Hang zum Theatralischen. Darüber hinaus gibt es handwerklich jedoch wenig auszusetzen. Die Bilder sind atmosphärisch dicht und die Geschichte wird routiniert erzählt. Gleichzeitig fehlt dem Film jedoch jene Eigenwilligkeit, die viele von Buñuels anderen Arbeiten so interessant macht. Zwar lassen sich einzelne Themen erkennen, die ihn auch später noch beschäftigen sollten, insgesamt wirkt Abismos de pasión jedoch sehr konventionell.

Kein schlechter Film, aber für mich eine der schwächeren Arbeiten des spanischen Regisseurs.

THE GODFATHER PART II (Francis Ford Coppola, 1974)

I don't feel I have to wipe everybody out, Tom. Just my enemies, that's all.

Im Gegensatz zu vielen anderen Fortsetzungen kann The Godfather Part II das Niveau seines Vorgängers fast halten, auch wenn er dessen absolute Perfektion nicht ganz erreicht. Allerdings hätte ich es bevorzugt, wenn Coppola sich auf eine der beiden Geschichten beschränkt hätte, denn durch die parallele Erzählstruktur kommen unter dem Strich beide etwas zu kurz - und das trotz der beachtlichen Spieldauer von fast dreieinhalb Stunden. Ich hätte vor allem gerne mehr über den Aufstieg Vito Corleones vom mittellosen Einwanderer zum mächtigsten Mafiaboss New Yorks erfahren. Andererseits spricht es natürlich für die Klasse des Films, wenn man ihn trotz der üppigen Laufzeit letztlich als zu kurz wahrnimmt. So etwas wie Langeweile kommt jedenfalls zu keiner Zeit auf, so viel ist sicher.

The Godfather Part II ist ein herausragender Film, der neben dem Aufstieg des jungen Vito Corleone vor allen Dingen eines zeigt: Je mächtiger Michael Corleone wird, je stärker die Organisation der "Familie" wächst, desto mehr zerfällt seine eigene Familie. Freunde und Verwandte wenden sich zunehmend von ihm ab. Selbst das Verhältnis zu dem stets loyalen Tom Hagen wird spürbar distanzierter. Zumindest entsteht der Eindruck, dass Michael ihm längst nicht mehr uneingeschränkt vertraut. Nach der Trennung von seiner Frau und dem Tod seiner Mutter hält ihn schließlich nichts mehr davon ab, auch seinen eigenen Bruder ermorden zu lassen, nachdem dieser ihn zuvor an seine Feinde verraten hatte.

Die Wahl Robert De Niros als junger Don Corleone wirkt retrospektiv betrachtet nicht ganz glücklich. Nicht nur, dass er keinerlei Ähnlichkeit mit Marlon Brando hat, entwickelte er sich in den folgenden Jahren selbst zu einem der charismatischsten und besten Schauspieler überhaupt und damit Brando nahezu ebenbürtig. Umso schwerer fällt es mir bei jeder Sichtung, De Niro als den jungen Marlon Brando zu akzeptieren. Aber das ist womöglich nur meine individuelle Wahrnehmung. An De Niros Leistung gibt es natürlich nichts auszusetzen, zumal er die heisere Sprechweise Brandos aus dem Vorgänger gut imitiert.

Die letzte Einstellung zeigt Michael Corleone als reichen und mächtigen, aber auch sehr einsamen Mann. Ein bitterer Preis, den Michael für seine beinahe grenzenlos erscheinende Macht zahlen muss.

LE FANTÔME DE LA LIBERTÉ (Luis Buñuel, 1974)

Ein vollkommen verrückter Film des spanischen Meisterregisseurs, der quasi die Quintessenz seines kompletten Schaffens bildet und ursprünglich auch als Schlusspunkt seines Werks vorgesehen war, bevor er sich dann einige Jahre später glücklicherweise überreden ließ, noch den wunderbaren Cet obscur objet du désir folgen zulassen.

Le Fantôme de la liberté hat weder ausgearbeitete Charaktere, noch eine zusammenhängende Handlung oder eine klare Struktur. Buñuel reiht eine Vielzahl surrealer Szenen aneinander, die in keinem Zusammenhang miteinander stehen. Dabei fängt er nach dem völlig abstrusen Beginn im Jahr 1808 vergleichsweise harmlos an, um sich dann im Laufe des Films in immer absurdere Episoden hineinzusteigern. Verbunden werden die einzelnen Sequenzen auf ebenso einfache wie geniale Weise, indem die handelnde Figur einer Szene auf eine weitere Person trifft, die dann wiederum zur Hauptperson in der nächsten Episode wird. 

Dieses Spiel wiederholt sich mehr als zwanzig Mal, was zur Folge hat, dass man im Laufe des Films auf eine Vielzahl von Personen trifft. Die überwiegend ganz normalen Alltagssituationen werden dabei durch surreale Elemente verfremdet, beispielsweise wenn ein Mann in einem Hotel eine Gruppe dort ebenfalls residierender Mönche auf sein Zimmer einlädt. Während die Mönche dort Wein trinken, ziehen sich der Mann und seine Angestellte, die ebenfalls in dem Zimmer wohnt, im Bad um. Anschließend lässt der Mann sein nacktes Hinterteil von der Frau, die inzwischen Domina-Kleidung trägt, vor den Augen der Mönche auspeitschen.

Eine der gelungensten Sequenzen ist die Suche nach dem angeblich verschwundenen kleinen Mädchen. Während die Eltern und die Klassenlehrerin sich über das Verschwinden unterhalten, ist das Mädchen die ganze Zeit anwesend. Anschließend suchen die Eltern sogar mit dem Mädchen gemeinsam das Polizeirevier auf, um eine Vermisstenanzeige zu stellen. Der aufnehmende Komissar erstellt eine detailiierte Beschreibung des vermissten Mädchens, indem er es aufmerksam betrachtet, während das Mädchen direkt vor ihm steht.

Buñuel und sein langjähriger Drehbuchschreiber Jean-Claude Carrière bieten eine solche Fülle verrückter Einfälle auf, dass man aus dem Staunen gar nicht mehr herauskommt. Und je länger der Film dauert, umso komischer und absurder werden die Situationen. Leider ist der Spaß nach 103 Minuten schon vorbei. Das Bild eines Straußenkopfes, begleitet von Schüssen aus dem Off, setzt den Schlusspunkt unter ein Werk, bei dem man sich wünscht, das Ganze wäre in dieser Art noch zwei Stunden länger gegangen.

Ein ganz wunderbarer Film des Spaniers, der einen der Höhepunkte seiner Arbeiten markiert und sein gesamtes Schaffen ebenso pointiert wie unterhaltsam zusammenfasst. 

EL GRAN CALAVERA (Luis Buñuel, 1949)

Sehr unterhaltsame und kurzweilige Komödie um den reichen Ramón de la Mata, der nach dem Tod seiner Frau in fortwährende Alkohol-Exzesse verfällt und dabei unüberlegte Entscheidungen trifft, die sein Geschäft zu ruinieren drohen. Seine Familie lebt auf seine Kosten, ohne selbst zu arbeiten. Nach einer schweren Herzattacke überzeugt sein Bruder, der zugleich sein Arzt ist, die übrigen Familienmitglieder davon, in ein Armenviertel umzuziehen und Ramón vorzugaukeln, er sei bankrott, um ihn zur Besinnung zu bringen. Der Plan geht auf, doch nachdem er die Wahrheit erfahren hat, dreht Ramón den Spieß herum und lässt nunmehr seine Familie glauben, er sei tatsächlich bankrott, um sie zum Arbeiten zu bewegen. 

Buñuel arbeitete hier erstmals mit Fernando Soler zusammen, einem der größten Stars der damaligen mexikanischen Filmindustrie. Soler spielte nicht nur die Hauptrolle, sondern produzierte den Film mit. Der große Erfolg, den El gran calavera an den Kinokassen feierte, führte zu zwei weiteren Filmen, die der spanische Regisseur mit Soler drehen sollte. Und Soler ist es vor allem, der den Film mit seiner wunderbaren Darstellung über die gesamten 90 Minuten hinweg trägt.

Buñuel greift hier erstmals ein Thema auf, das ihn bis zum Ende seiner Karriere immer wieder beschäftigen sollte und zum Kern zahlreicher seiner späteren Werke wurde: die Arroganz und Überheblichkeit des gehobenen Bürgertums gegenüber den unteren Gesellschaftsschichten. Während er in seinen späteren Werken diese Kritik meist deutlich subtiler verpackte, griff er hier zum Holzhammer. Dennoch ist die Aussage, die der Film transportiert ebenso treffend wie zeitlos.

El gran calavera ist eine leichtfüßig inszenierte Komödie, die zwar konventionell erzählt und dadurch sehr vorhersehbar ist, ungeachtet dessen aber gut unterhält.

APOCALYPSE NOW (Francis Ford Coppola, 1979)

Charlie don't surf!

Seit der letzten Sichtung sind auch schon wieder fast 20 Jahre vergangen. Zeit also für einen neuen Text zu einem von insgesamt vier Meisterwerken, die Coppola in den 70er Jahren inszenierte. Die Sichtung heute - ich bevorzuge nach wie vor die Kinofassung - hat mich schlichtweg weggeblasen, aber auch körperlich und psychisch erschöpft. Apocalypse Now ist ein Film, der einem an die Nieren geht und niemanden kalt lässt. Schon die grandiose Eröffnungsszene zu den Klängen von The End von The Doors mutet an wie ein Fiebertraum und das Gefühl, sich auf einem psychedelischen Drogentrip zu befinden wird immer stärker, je länger der Film dauert. 

Nicht nur Willard, sondern auch der Zuschauer fragt sich zunehmend, worin sich der Wahnsinn, der Kurtz befallen haben soll, von dem alltäglichen Irrsinn des Vietnamkriegs unterscheidet. Da wird mal eben ein Küstenabschnitt bombardiert, damit die Soldaten surfen können, während um sie herum noch die Granaten fliegen, ein paar Playboy-Bunnies zur Aufheiterung der Truppe eingeflogen oder die einheimische Bevölkerung mit Mann und Maus massakriert, sobald es nur den geringsten Anlass dafür zu geben scheint. Der Wahnsinn ist nicht die Ausnahme, sondern Normalität. 

Im gesamten Film gibt es keine einzige Figur, die den Eindruck vermittelt, psychisch gesund und Herr ihrer Sinne zu sein. Dazu tragen auch die erstklassigen Darsteller ihren Teil bei, die den widrigen Produktionsbedingungen trotzten und sich fast ausnahmslos von ihrer besten Seite zeigten. Lediglich Dennis Hopper übertreibt etwas.

Ein interessanter Aspekt ist, wie stark der Film Einzug in die Popkultur gehalten hat. Es gibt wahrscheinlich niemanden, der bei den Kängen von The End nicht sofort an Apocalypse Now denkt und Zitate wie "I love the smell of napalm in the morning" oder eben "Charlie don't surf" kennt fast jeder, unabhängig davon, ob er den Film überhaupt gesehen hat.

Apocalypse Now ist ein surreal anmutender Trip in die dunkelsten Winkel der menschlichen Seele. Ein zeitloses Meisterwerk, das sich unauslöschlich in das Gedächtnis einbrennt. Nicht einmal einen Abspann hat der Film in der Originalfassung. Am Ende bleibt nur schwarze Leere.

THE GODFATHER (Francis Ford Coppola, 1972)

I'm gonna make him an offer he can't refuse.

Es gibt Filme, und davon nur sehr wenige, die nicht den geringsten Makel aufweisen. Filme, die von der ersten bis zur letzten Einstellung perfekt sind. Filme, an denen sich nichts verbessern lässt, ganz gleich, wie sehr man seine Phantasie auch bemüht.

The Godfather ist einer dieser Filme. Ein Werk, das Filmgeschichte geschrieben, das Genre des Gangsterfilms revolutioniert und unzählige Filmemacher nachhaltig beeinflusst hat. Ob Goodfellas, Scarface oder Once Upon a Time in America - die Einflüsse des übermächtigen Vorbilds sind allgegenwärtig und unverkennbar.

The Godfather bietet alles, was man von einem großen Film erwarten kann: eine mitreißende Story und detailliert ausgearbeitete Charaktere, die es dem Zuschauer ermöglichen, ausgeprägte Sympathien für sie zu empfinden, obwohl es sich um skrupellose Mörder handelt. Der wunderbare Score des Fellini-Stammkomponisten Nino Rota, dessen Titelmelodie wahren Ohrwurm-Charakter hat, trägt ebenso wie die authentisch wirkenden Sets und Kostüme zur außerordentlich dichten Atmosphäre bei, die den Zuschauer zurück in die 40er Jahre des vergangenen Jahrhunderts versetzt.

Und nicht zuletzt sind es die grandiosen Darsteller, die den Film so besonders machen. Und obwohl sich nahezu die gesamte Besetzung auf außergewöhnlich hohem Niveau bewegt, ragt Marlon Brando noch einmal heraus. Seine Verkörperung des Don Vito Corleone zählt zu den beeindruckendsten schauspielerischen Leistungen seiner Karriere.

The Godfather ist nicht nur der beste Mafia-Film überhaupt. Auch darüber hinaus gibt es nur ganz wenige Filme, die ihm das Wasser reichen können. Ein Film für die Ewigkeit.  

LAS HURDES - TIERRA SIN PAN (Luis Buñuel, 1933)

Las Hurdes könnte man als die erste Mockumentary der Filmgeschichte bezeichnen. Auf den ersten Blick handelt es sich um eine Dokumentation über das Leben der Bevölkerung in jener spanischen Region, die zur Entstehungszeit als eine der ärmsten Gegenden des Landes galt. Gezeigt wird der tägliche Kampf der Menschen ums Überleben, unterlegt von Musik und der Stimme eines Erzählers, der das Gesehene für den Zuschauer aufbereitet. 

Buñuel ist aber weniger an einer realistischen Darstellung interessiert, sondern konstruiert seine eigene Version der Wirklichkeit. Sei es die Ziege, die erschossen wird, um dann den Sprecher behaupten zu lassen, manchmal würden Ziegen von Felsen stürzen oder das angeblich im Sterben liegende Mädchen, dessen Zustand deutlich dramatischer dargestellt wird, als er tatsächlich war.

Normalerweise sagt mir der Humor des Spaniers sehr zu, doch mit Las Hurdes konnte ich ungeachtet seiner filmhistorischen Bedeutung wenig anfangen. Ich glaube, dass es ihm in erster Linie um ein politisches Statement ging. Die damalige republikanische Regierung in Spanien verstand Buñuels Absichten allerdings nicht. Statt den Film für sich zu nutzen, verbot sie ihn kurzerhand.

SCARFACE (Brian de Palma, 1983)

I wouldn't be caught dead in that thing!

Brian de Palmas Remake des Howard-Hawks-Films aus dem Jahr 1932, den ich bisher nicht kenne, zählt zu den ganz großen Gangsterfilmen des vorherigen Jahrhunderts. Auch wenn er vielleicht nicht ganz die Klasse der großen drei erreicht (The Godfather, Once upon a Time in America, Goodfellas), ist er doch ein herausragend guter Film, der längst festen Einzug in die Popkultur gehalten hat. 

Al Pacino hat im Laufe seiner Karriere viele gute Filme gemacht. Hier lieferte er meiner bescheidenen Meinung nach seine mit Abstand beste Performance ab. Sein Tony Montana ist ein asozialer, großkotziger Emporkömmling, der es innerhalb weniger Jahre schafft, vom kubanischen Bootsflüchtling zu einem der größten Gangster Floridas aufzusteigen. Pacino spielt das mit beängstigender Intensität und legte sich sogar einen eigenen Akzent zu, um die Rolle glaubwürdig verkörpern zu können.

Doch statt seinen ungeheuren Reichtum und die damit verbundene Machtstellung zu genießen, will Tony immer mehr. Dabei verfällt er zunehmend dem Koks und verstößt gegen einen der eisernen Grundsätze seines Geschäfts: "Don't get high on your own supply!" Seine Überheblichkeit und seine Unbeherrschtheit führen dazu, dass er nach und nach alle Menschen vergrault, die ihm wohlgesonnen sind. Am Ende legt er sich sogar mit dem bolivianischen Drogenbaron Sosa an und besiegelt damit seinen Untergang. Der finale Shootout in Tonys Villa ist einer der Höhepunkt des Films und stellt einen der berühmtesten Showdowns der Filmgeschichte dar.

De Palma kleidet das in ausgesprochen schöne Bilder, die auf der sehr gut gelungenen UHD in 4K-Auflösung perfekt zur Geltung kommen. Kongenial unterstützt wird dies durch Giorgio Moroders Score, der die perfekte Untermalung für die mondänen Bilder bietet. Ein meisterhafter Film, der für meine Begriffe Brian de Palmas beste Arbeit ist und den Höhepunkt seines Schaffens markiert.

L'HISTOIRE D'ADÈLE H. (François Truffaut, 1975)

Wie die Einblendung zu Beginn verrät, basiert die Handlung auf wahren Begebenheiten und erzählt von der obsessiven Liebe der Adèle Hugo, Tochter des berühmten französischen Schriftstellers Victor Hugo, zu dem Oberleutnant Albert Pinson. Obwohl Albert ihr klarmacht, dass er ihre Liebe nicht erwidert und kein Interesse mehr an ihr hat, folgt sie ihm schließlich sogar nach Halifax, als er dorthin versetzt wird. Auch die Tatsache, dass er sich mit ständig wechselnden jungen Damen umgibt, tut ihrer Hoffnung auf eine gemeinsame Zukunft keinen Abbruch. Pinson erweist sich dabei keineswegs als unschuldiges Opfer. Er nutzt Adèles Gefühle immer wieder aus und nimmt bereitwillig Geld von ihr an, um unter anderem seine Spielschulden zu begleichen.

Gequält von einem traumatischen Erlebnis in ihrer Vergangenheit - der tragische Tod ihrer Schwester durch Ertrinken - flüchtet sich Adèle immer stärker in eine Phantasiewelt. In ihren zahlreichen Briefen stellt sie ihre Wunschträume als Realität dar und berichtet beispielsweise ihren Eltern von ihrer Hochzeit mit Albert, die in Wahrheit nie stattgefunden hat. Die Grenzen zwischen Realität und Wahnsinn verschwimmen immer mehr und Adèle verliert zunehmend den Bezug zur Wirklichkeit.

Truffaut inszeniert die Geschichte zurückhaltend und vermeidet unnötige dramaturgische Zuspitzungen. Unterstützt wird dies durch die authentisch wirkenden Kostüme und Sets, die das 19. Jahrhundert überzeugend zum Leben erwecken. Die meist düsteren Bilder und der Verzicht auf künstlich ausgeleuchtete Sets verleihen dem Film eine melancholische Grundstimmung, die die zunehmende Verzweiflung der Protagonistin greifbar macht. Auch darstellerisch kann der Film überzeugen. Vor allem die zur Drehzeit erst 20-jährige Isabelle Adjani liefert eine beeindruckende Leistung ab und erhielt dafür auch eine Oscar-Nominierung. 

L'Histoire d'Adèle H. ist alles andere als eine klassische Liebesgeschichte, sondern vielmehr ein detailliertes Psychogramm einer Frau, die sich immer tiefer in ihren Obsessionen und Wunschvorstellungen verliert. Ein atmosphärisch sehr dichter und hervorragend gespielter Film.  

UNA MUJER SIN AMOR (Luis Buñuel, 1952)

Ein weiteres Melodram, das aber glücklicherweise auf humorige Elemente völlig verzichtet und dadurch deutlich ernster und seriöser wirkt. Auch zeigt Buñuel hier jene kritische Haltung gegenüber dem gehobenen Bürgertum, für die er  allgemein bekannt ist. 

 

Er selbst bezeichnet Una mujer sin amor in seiner Biographie als seinen schlechtesten Film, wobei ich nicht sicher bin, ob diese Aussage auf die Qualität des Films bezogen ist oder seinen äußerst mäßigen finanziellen Erfolg. Wie auch immer: besser als La hija del engaño ist Una mujer sin amor meiner Meinung nach allemal.

 

Die Geschichte um eine Frau, die sich zwischen familiärer Pflicht und ihren eigenen Gefühlen entscheiden muss, ist recht spannend erzählt und schnörkellos inszeniert. Vor allem darstellerisch weiß der Film zu überzeugen. Die Figuren wirken glaubwürdig, ihre Konflikte sind nachvollziehbar.

 

Zwar fehlt noch vieles von jener Eigenwilligkeit, die Buñuels spätere Meisterwerke auszeichnet, dennoch lassen sich bereits einzelne Motive erkennen, die ihn später immer wieder beschäftigen sollten. Insbesondere die kritische Betrachtung bürgerlicher Moralvorstellungen und familiärer Strukturen tritt bereits deutlich hervor.  

 

Una mujer sin amor gehört sicherlich nicht zu den großen Filmen Buñuels, ist aber deutlich besser, als sein Ruf vermuten lässt. Ein solides Melodram mit guten Darstellern und einer interessanten Geschichte, das gut unterhält. 

LA HIJA DEL ENGAÑO (Luis Buñuel, 1951)

Klassisches Melodram um den griesgrämigen und verbitterten Don Quintín, der seine Tochter im Säuglingsalter weggegeben hat, weil er überzeugt war, nicht ihr leiblicher Vater zu sein. Kurz vor ihrem Tod gesteht ihm seine verstoßene Frau jedoch, dass sie ihn belogen hat und das Mädchen tatsächlich seine Tochter ist. Quintín setzt nun alles daran, sie wiederzufinden.

 

Die Geschichte ist eigentlich ganz interessant und auch nicht schlecht umgesetzt. Die immer wieder eingestreuten Tanz- und Gesangseinlagen stellten jedoch meine Geduld auf eine harte Probe. Gleiches gilt für die humoristischen Einlagen um Angelito, den Angestellten Don Quintíns, die mehr als einmal die Grenze zum Slapstick überschreiten.

 

Fernando Soler überzeugt hingegen als verbitterter, von Hass erfüllter Mann, der bereits beim geringsten Anlass die Beherrschung verliert und nicht selten wütend mit seinem Revolver um sich schießt. Seine Darstellung gehört zweifellos zu den größten Stärken des Films. Sehr gelungen fand ich außerdem den Übergang zwischen den 1930er Jahren und der Gegenwart, den Buñuel durch das Öffnen und Schließen einer Schranktür, gefilmt aus der Innenperspektive, realisiert.

La hija del engaño ist sicherlich kein schlechter Film, rangiert innerhalb meiner bisherigen Buñuel-Reihe jedoch auf dem letzten Platz. Zu konventionell, zu vorhersehbar und stellenweise auch einfach zu albern.

THE YOUNG ONE (Luis Buñuel, 1960)

The young One ist ein sehr ungewöhnlicher Film und wirkt beinahe wie ein Fremdkörper im Werk des spanischen Regisseurs. Es handelt sich um seinen zweiten (und letzten) Film in englischer Sprache. Gedreht wurde er zwar in Mexiko, die Handlung ist jedoch in South Carolina angesiedelt. Zentrale Themen sind Rassismus und sexueller Kindesmissbrauch, zwei Aspekte des menschlichen Daseins, für die sich Buñuel in den 22 Filmen, die ich bisher von ihm gesehen habe, ansonsten überhaupt nicht interessiert hat. Wobei der Fokus hier klar auf dem Rassismus liegt. Der Missbrauch der 13-jährigen Evvie wird eher beiläufig abgehandelt.

Die Inszenierung erinnert an ein Kammerspiel. Im Film spielen nur fünf Personen mit und die gesamte Handlung (abgesehen von Travers Flucht zu Beginn) spielt auf der kleinen Insel vor der Küste South Carolinas. Die Darsteller machen ihre Sache ordentlich und die Geschichte ist schnörkellos und dynamisch inszeniert. Jedoch fehlt es an den typischen Elementen, die normalerweise die Filme des Spaniers auszeichnen. Selbst der Reverend ist ein durch und durch ehrbarer Mann, der weder scheinheilig noch korrupt dargestellt wird. Meines Wissens auch ein Novum bei Buñuel.

Der eigentliche Aufreger bleibt der Missbrauch der jungen Evvie durch den mindestens dreimal so alten Miller. Nach dem Tod ihres Großvaters ist das Mädchen dem Wildhüter hilflos ausgeliefert. Buñuel behandelt diesen Aspekt allerdings auf eine Weise, die zumindest aus heutiger Sicht irritierend wirkt, indem er ausgedehnte Einstellungen von ihren nackten Füßen zeigt und sie dadurch als begehrenswert darstellt. Auch wenn ich die bekannte Vorliebe des Spaniers für entsprechende Motive grundsätzlich nachvollziehen kann, empfand ich sie in diesem Kontext eher als befremdlich.

Dabei ist Evvie gerade keine klassische Lolita-Figur. Sie wirkt über den gesamten Film hinweg passiv, verletzlich und kaum in der Lage, sich gegen Miller zur Wehr zu setzen bzw. sich ihn vom Leibe zu halten. Den einzigen echten Buñuel-Moment gibt es am Ende, wenn er Evvie zeigt, wie sie mit etwas wackligem Schritt in ihren High Heels stolziert, um dann in ein kindliches Hüpfspiel zu verfallen, das klarmacht, dass es sich bei ihr noch um ein Kind handelt.

Trotz aller kritischen Anmerkungen ist The young One ein durchaus unterhaltsamer und gelungener Film. Konventionell erzählt und spannend inszeniert, aber selbst für Kenner seines Schaffens wohl nur schwer als Film des Spaniers zu erkennen.

SUBIDA AL CIELO (Luis Buñuel, 1951)

Subida al Cielo könnte man durchaus als eine Art Roadmovie bezeichnen, spielt doch ein Großteil der Handlung während einer Busfahrt. Buñuel-typisch wird diese immer wieder durch teils realistische, teils bizarre Vorfälle unterbrochen und verzögert.  

Diese Episoden sind überwiegend witzig umgesetzt. So macht der Busfahrer auf dem Weg zum Ziel kurzerhand einen Abstecher zu seiner Mutter, um ihr zum Geburtstag zu gratulieren, was schließlich in einer ausgelassenen Feier inklusive Besäufnis mit nahezu allen Fahrgästen mündet. Und dann ist da noch die kesse Raquel, die alles daran setzt, den frisch verheirateten Oliverio zu verführen, was ihr letztlich auch gelingt.

Den Filmtitel, der wörtlich übersetzt „Aufstieg zum Himmel“ bedeutet, kann man auf zweierlei Weise interpretieren. Offensichtlich bezieht er sich auf den steilen Anstieg, den der Bus im Verlauf der Reise bewältigen muss. Darauf weist auch ein entsprechendes Straßenschild hin. Im übertragenen Sinne kann man den Titel jedoch auch auf Oliverios Mutter beziehen, die im Sterben liegt, während ihr Sohn versucht, den Notar aus der weit entfernten Stadt herbeizuholen, damit sie noch ihr Testament aufsetzen kann. Die verschiedenen Stationen der Reise behandeln dabei wichtige Aspekte des menschlichen Lebens und kreisen um Geburt, Sexualität, Gemeinschaft und Tod.

Bei den Dreharbeiten kam es zu diversen Schwierigkeiten, die unter anderem dazu führten, dass die ursprünglich geplante Szene mit der Beerdigung des kleinen Mädchens stark gekürzt werden musste. Dies erklärt auch die vergleichsweise kurze Laufzeit von gerade einmal 74 Minuten.

Subida al Cielo ist ein unterhaltsamer und stellenweise sehr amüsanter Film, der jedoch nicht unbedingt zu den stärksten Arbeiten des spanischen Regisseurs zählt. Sehenswert ist er dennoch, zumal er viele der Themen und Motive enthält, die Buñuel auch in seinen späteren Filmen immer wieder beschäftigen sollten.

THE ENFORCER (James Fargo, 1976)

Marvelous.

James Fargo hat in seiner Karriere als Filmregisseur keinen einzigen sehenswerten Film zustande gebracht und der dritte Dirty-Harry-Film ist da keine Ausnahme.  Statt einen packenden Action-Thriller zu inszenieren, verliert er sich in langweiligen Diskursen über die Rolle der Frau im Polizeidienst, nervt mit dümmlichen Dialogen über Phallus-Symbole und stellt Harry Callahan eine Partnerin zur Verfügung, die weder Sex-Appeal noch Ausstrahlung hat. 

Die Story ist ziemlich unsinnig und braucht elend lange, bis sie in die Gänge kommt. Der Score von Jerry Fielding ist zwar nicht schlecht, mir sagte er aber nicht sonderlich zu. Das Finale ist dann ganz nett gemacht, auch wenn die "Terroristen" sich hier ziemlich ungeschickt anstellen und sich mehr oder weniger selbst ans Messer liefern. Aber auch das kann den Film nicht mehr vor der Belanglosigkeit retten. 

The Enforcer ist bisher eindeutig der schwächste Film der Reihe. Das war leider nix.

ENSAYO DE UN CRIMEN (Luis Buñuel, 1955)

Menschen, die immer wieder daran scheitern, ein Vorhaben in die Tat umzusetzen, sind ein wiederkehrendes Motiv in den Arbeiten des spanischen Regisseurs. Ensayo de un crimen, der in Deutschland unter dem ebenso treffenden wie witzigen Titel "Das verbrecherische Leben des Archibaldo de la Cruz" veröffentlicht wurde, ist dafür ein besonders gelungenes Beispiel. Den Originaltitel könnte man mit "Essay für ein Verbrechen" oder auch mit "Probe für ein Verbrechen" übersetzen.

Der wohlhabende Archibaldo de la Cruz bekommt als Kind eine Spieluhr geschenkt, die ihrem Besitzer angeblich die Macht verleiht, Menschen durch den bloßen Wunsch zu töten. Prompt wünscht er seinem Kindermädchen den Tod, worauf dieses am Fenster stehend von dem Gewehrschuss eines Revolutionärs tödlich am Hals getroffen wird. Die tiefe Befriedigung, die Archibaldo dabei empfindet, weckt in ihm den Wunsch, jede attraktive Frau zu töten, die er in seinem späteren Erwachsenenleben kennenlernt. Doch aufgrund einer Reihe bizarrer Zufälle segnen die Damen jedes Mal das Zeitliche, bevor Archibaldo seinen Plan in die Tat umsetzen kann. 

Ein weiterer ganz wunderbarer Film des Spaniers, der ebenso amüsant wie spannend ist. Ernesto Alonso ist großartig als draufgängerischer Archibaldo, der zahlreichen Frauen den Kopf verdreht in der Absicht, sie bei nächster Gelegenheit zu töten. Die eigentlichen Verbrechen finden jedoch ausschließlich in seiner Fantasie statt, wodurch der Film immer wieder eine herrlich absurde Situationskomik entwickelt.

Interessant ist auch die Geschichte um die tschechisch-mexikanische Schauspielerin Miroslava Stern, die im Film die Rolle der Lavinia spielt. Kurz nach Abschluss der Dreharbeiten beging sie Selbstmord. Ihr Leichnam wurde eingeäschert, was damals in Mexiko noch eine außergewöhnliche Form der Bestattung war. Der beinahe surreal wirkende Aspekt ist dabei, dass Archibaldo im Film eine Schaufensterpuppe, die Lavinia zum Verwechseln ähnlich sieht, in einem Ofen verbrennt. Ironischerweise ist Lavinia zugleich die einzige Frau, die seine Mordabsichten unbeschadet überlebt. 

Nachdem Archibaldo zum wiederholten Male mit seinen Mordplänen gescheitert ist, wirft er am Ende die Spieluhr in einen Weiher, um sich von ihrem vermeintlichen Fluch zu befreien. Ob ihm dies tatsächlich gelingt, lässt Buñuel bewusst offen. Archibaldos gelöster Gesichtsausdruck und seine Bemerkung, das Leben sei nun plötzlich so einfach, sprechen allerdings dafür, dass er seine Obsession endlich überwunden haben könnte.

Ensayo de un crimen ist der ideale Einsteigerfilm für Menschen, die immer mal einen Film von Luis Buñuel sehen wollten, sich das bislang aber nicht getraut haben. Leichtfüßig, kurzweilig, amüsant und ungemein unterhaltsam. Ohne Zweifel eine der besten Arbeiten des Spaniers aus seiner mexikanischen Schaffensperiode.

DA UOMO A UOMO (Giulio Petroni, 1967)

Revenge is a dish best served cold.

Guter Italo-Western mit einem wie immer souveränen Lee van Cleef, der sich die Hauptrolle qzasi mit John Phillip Law teilt. Eine konventionelle Rachestory, die nicht sonderlich originell ist, ihren zweck jedoch vollkommen erfüllt. Dank der charismatischen Hauptdarsteller und der routinierten Inszenierung bleibt das Geschehen über die gesamte Laufzeit hinweg spannend und unterhaltsam.  

Der Score von Ennio Morricone ist durchaus gelungen, zählt für mich allerdings nicht zu seinen herausragenden Arbeiten. Nichtsdestotrotz trägt er erheblich zur dichten Atmosphäre des Films bei und unterstützt die Handlung jederzeit wirkungsvoll.  

Zu den Höhepunkten zählt zweifellos der große Shootout im Finale, der mitreißend inszeniert ist. Überhaupt versteht es Petroni, die Spannung kontinuierlich zu steigern und den Zuschauer bis zum Ende bei der Stange zu halten.  

Da uomo a uomo erreicht zwar nicht die Klasse der großen Genreklassiker, erweist sich aber als ausgesprochen gelungener Vertreter des Italowesterns, der über seine gesamte Laufzeit hinweg bestens unterhält.

LA FIÈVRE MONTE À EL PAO (Luis Buñuel, 1959)

La Fièvre monte à El Pao, der in Deutschland unter dem unsagbar dämlichen Titel "Für ihn verkauf' ich mich" veröffentlicht wurde, spielt wie schon der einige Jahre zuvor entstandene La Mort en ce jardin in einer fiktiven Militärdiktatur, die eine Insel im Atlantik nutzt, um dorthin ihre Häftlinge zu deportieren. Dabei wird unterschieden zwischen Strafgefangenen und politischen Gefangenen.

Wie beim oben genannten Vorgänger handelt es sich im weitesten Sinne um einen Abenteuerfilm, wobei der Schwerpunkt diesmal deutlich stärker auf politischen Intrigen und persönlichen Machtkämpfen liegt. Eine zentrale Rolle spielt dabei Inés Rojas, verkörpert von der äußerst charismatischen María Félix. Als Ehefrau des Gouverneurs der Insel bewegt sie sich geschickt innerhalb der bestehenden Machtstrukturen und unterhält darüber hinaus sexuelle Beziehungen zu zwei weiteren Männern, wodurch sie erheblichen Einfluss auf die Ereignisse nehmen kann. 

Der Film versteht es durchaus, Spannung ausfzubauen und die Konflikte zwischen den Figuren immer weiter zuzuspitzen. Gleichzeitig vermisste ich jedoch den typischen Buñuel-Faktor. Viele seiner späteren Werke besitzen eine ganz eigene Mischung aus surrealen Einfällen, bissiger Gesellschaftskritik und schwarzem Humor. Davon ist hier wenig zu spüren. Humor sucht man vergeblich. Wenn ich es nicht gewusst hätte, wäre ich vermutlich nicht darauf gekommen, dass er hier Regie geführt hat.

Dennoch handelt es sich um einen kurzweiligen und gut gemachten Film, der vor allem von seinen interessanten Figuren und den politischen Machtspielen lebt. Kein typischer Buñuel, aber durchaus sehenswert.

SUSANA (Luis Buñuel, 1951)

Ein immer wiederkehrendes Thema bei Buñuel sind Männer in fortgeschrittenem Alter, die jungen Frauen nachstellen. Susana dürfte diesbezüglich die erste filmische Umsetzung des Spaniers sein. Erzählt wird die Geschichte der 20-jährigen Susana, die aus einer staatlichen Besserungsanstalt flieht und Zuflucht auf der Hacienda des wohlhabenden Don Guadalupe findet. Schon bald versucht der Stallknecht Jesús die dralle Blondine zu verführen. Beinahe zeitgleich verdreht sie dem jungen Sohn des Hauses, Alberto, den Kopf, nur um sich schließlich auch noch an Don Guadalupe selbst heranzumachen. Die daraus entstehenden Rivalitäten und Eifersüchteleien, in die nach und nach auch Guadalupes Ehefrau Carmen und die Kammerzofe Felisa hineingezogen werden, sorgen dafür, dass die bis dahin harmonische Familie zusehends auseinanderbricht. 

Buñuel zeigt mit viel Witz und sichtbarer Freude an der Überzeichnung, wie sich drei triebgesteuerte Männer zum Gespött machen und bereit sind, für die Zuneigung der umschwärmten Susana nahezu alles aufs Spiel zu setzen. Diese wiederum lässt nichts unversucht, um ihre körperlichen Reize wirkungsvoll einzusetzen. Da wird das Dekolleté etwas tiefer gezogen oder dem Hausherrn ein nackter Oberschenkel präsentiert. Die Männer reagieren erwartungsgemäß wie Motten auf das Licht und verlieren dabei zunehmend jede Form von Vernunft.

Interessant ist auch die mögliche Interpretation, dass Susana den Teufel symbolisiert und die Hacienda heimsucht, um die Bewohner in Versuchung zu führen. Mit ihrer Ankunft wenden sich die Dinge zum Schlechten. Das betrifft nicht nur das Verhältnis der Personen untereinander, sondern auch das neu geborene Fohlen, das direkt nach ihrer Ankunft stirbt, die rätselhafte Erkrankung der Stute, die zeitgleich auftritt und wiederum jäh verschwindet, nachdem Susana das Haus verlassen hat und natürlich das kitschige und völlig groteske Ende, wenn die zuvor bis aufs Blut Zerstrittenen sich innerhalb weniger Minuten wieder versöhnen und plötzlich sogar die Sonne scheint. 

Doch auch ohne diese symbolische Ebene funktioniert Susana hervorragend. Buñuel entlarvt mit sichtlichem Vergnügen die Doppelmoral einer patriarchalischen Gesellschaft, deren vermeintlich tugendhafte Männer ihre Prinzipien bei der erstbesten Versuchung über Bord werfen. Nicht Susana richtet das Chaos an, sondern die Schwächen und Begierden der ihren körperlichen Reizen verfallenen Männer.

Ein ausgesprochen unterhaltsamer, überraschend humorvoller und zugleich bemerkenswert cleverer Film, der bereits viele Themen vorwegnimmt, die Buñuel in seinem späteren Werk immer wieder beschäftigen sollten.

MAGNUM FORCE (Ted Post, 1973)

Nothing wrong with shooting as long as the right people get shot.

Deutlich actionreicher als der Vorgänger zeigt Magnum Force einen Harry Callahan, der sich plötzlich als Verteidiger des Systems wiederfindet, dass er zuvor noch kritisiert und mit seinen draufgängerischen Aktionen ausgehebelt hatte. Macht aber nichts, denn Posts Film bietet durchweg spannende und kurzweilige Unterhaltung. Und für Polizeithriller aus den 70er Jahren, die in San Francisco angesiedelt sind, habe ich seit jeher ein Faible. Das Stadtbild und die Atmosphäre dieser Filme üben auf mich einen besonderen Reiz aus.

Der Showdown am Ende in der Lagerhalle fällt nach der tollen Verfolgungsjagd vorher etwas unspektakulär aus und ist für meinen Geschmack zudem zu schwach ausgeleuchtet. Dafür kann Drehbuchautor John Milius mit einem doch überraschenden Plottwist aufwarten, der Lt. Briggs als den Kopf einer Gruppe von Polizisten entlarvt, die das Gesetz selbst in die Hand nehmen.

Magnum Force bleibt erwartungsgemäß hinter Dirty Harry zurück und kann dessen Klasse zu keiner Zeit erreichen, ist aber nichtsdestotrotz ein sehr kurzweiliger und spannender Actionthriller, der über die gesamte Laufzeit gut unterhält.

EL RIO Y LA MUERTE (Luis Buñuel, 1954)

In einem abgelegenen Dorf in Mexiko herrscht seit vielen Generationen eine erbitterte Feindschaft zwischen zwei Familien. Immer wieder kommt es aus nichtigen Anlässen zu Morden, die ihrerseits neue Rachegelüste bei der jeweils anderen Seite hervorrufen. Dabei ist es Tradition, dass ein Mörder, sofern er es schafft, den nahegelegenen Fluss zu überqueren, dort unbehelligt in der Isolation leben darf, solange er nicht in das Dorf zurückkehrt. Nach vielen Jahrzehnten ist von jeder Familie nur noch ein junger Mann übrig. Während Rómulo auf Vergeltung sinnt, arbeitet Anguiano als Arzt außerhalb des Dorfes und denkt gar nicht daran, sich mit seinem Widersacher zu duellieren. Doch schließlich gibt er dem Drängen seiner Mutter nach und kehrt zurück, um sich dem zu stellen, was die Dorfgemeinschaft von ihm erwartet. 

Buñuel baute zahlreiche Anekdoten in das Drehbuch ein, die er Zeitungsberichten entnommen hatte oder die ihm von Freunden und Bekannten erzählt worden waren. Die Gewalt ist in diesem Film allgegenwärtig. Um einen Mord zu begehen, braucht es oft nicht mehr als ein falsches Wort oder eine gekränkte Ehre. Dies ist zum Teil durchaus amüsant und mit der für Buñuel typischen Leichtfüßigkeit inszeniert. So ist El río y la muerte trotz seines ernsten Themas ein überraschend witziger Film, der die mexikanische Mentalität und das ihr eigene Macho-Gehabe pointiert aufs Korn nimmt.

Anguiano ist deutlich gebildeter als die übrigen Bewohner des Dorfes und bemüht sich, die Spirale aus Hass und Gewalt zu durchbrechen. Das führt erwartungsgemäß dazu, dass er als Feigling denunziert wird und sich seine Freunde von ihm abwenden. Letztlich setzt er sich aber mit seiner Haltung durch und so ist El río y la muerte ein weiterer Film des spanischen Regisseurs, der ein Happy End hat.

Unter dem Strich ein ausgesprochen kurzweiliger und unterhaltsamer, aber auch spannender Film, der zu den zugänglichsten Arbeiten des spanischen Regisseurs zählt. 

STAGE FRIGHT (Alfred Hitchcock, 1950)

Who wants to shoot lovely ducks?

Hitchcocks einzige Zusammenarbeit mit Marlene Dietrich zählt zwar nicht zu den Highlights im Schaffen des Briten, doch so schlecht, wie man allenthalben liest, ist er keineswegs. 

Die Story wirkt etwas konstruiert und erscheint zum Teil an den Haaren herbeigezogen, sorgt aber zumindest für eine gewisse Grundspannung. Das Milieu der Londoner Theaterwelt besitzt einen eigenen Charme und bietet einen reizvollen Hintergrund für die Handlung. Marlene Dietrichs ausgedehnte Gesangseinlage wirkt hingegen ebenso untypisch für Hitchcock wie entbehrlich und bremst den Film unnötig aus. 

Trotz Dietrichs starker Präsenz ragt jedoch Jane Wyman bei den Darstellern heraus. Die von ihr verkörperte Eve ist ein biederes, naives Hausmütterchen, das unfreiwillig in einen Mordfall verwickelt wird und sich als Hobby-Detektivin versucht, um ihrem Freund aus der Patsche zu helfen. Dabei stellt sie sich zum Teil so unbeholfen an, dass man als Zuschauer beinahe das Bedürfnis verspürt, ihr helfend zur Seite zu springen. Wyman spielt das sehr überzeugend.

Der Twist am Ende kommt dann sehr überraschend und sorgt dafür, dass der Film im Finale noch einmal deutlich an Fahrt aufnimmt. Auch wenn Stage Fright nicht zu den ganz großen Hitchcock-Klassikern zählt, ist er doch recht unterhaltsam. Alles in allem durchaus sehenswert.

CELA S'APPELLE L'AURORE (Luis Buñuel, 1956)

Unmittelbar vor La Mort en ce jardin drehte Buñuel Cela s'appelle l'aurore, ein spannendes Drama um den Arzt Valerio, der sich auf Korsika um die gesundheitlichen Leiden der armen Arbeiterschaft kümmert. Seine Frau fühlt sich dort zunehmend isoliert und verfällt immer mehr in Depressionen, was sie schließlich dazu veranlasst, für einige Monate in ihre Heimat nach Nizza zurückzukehren. Unterdessen verliebt sich Valerio in die wohlhabende Witwe Clara.

Der Konflikt zwischen Arm und Reich, hier in erster Linie verkörpert durch den Industriellen Gorzone, ist ein Thema, mit dem sich der spanische Regisseur vor allem während seiner mexikanischen Schaffensphase immer wieder auseinandergesetzt hat. Dabei lässt Buñuel nie einen Zweifel daran, auf wessen Seite seine Sympathien liegen. So auch hier: Obwohl Valerio als Arzt durchaus zu den wohlhabenderen Bewohnern der Insel zählt, fühlt er sich den einfachen Arbeitern deutlich stärker verbunden als den gesellschaftlichen Eliten. Dies gipfelt schließlich darin, dass er seinen langjährigen Freund und ehemaligen Kriegskameraden Sandro in seinem Haus vor der Polizei versteckt, nachdem dieser Gorzone ermordet hat.  

Der Spanier arbeitete hier erstmals mit Georges Marchal und Julien Bertheau zusammen, auf deren Dienste er in den kommenden Jahren noch mehrfach zurückgreifen sollte. Insbesondere Letzterer ist ein häufiger Gast in den Filmen, die Buñuel nach seiner Rückkehr nach Europa in Frankreich gedreht hat.

Im Gegensatz zu den meisten anderen Filmen des Spaniers hat Cela s'appelle l'aurore sogar so etwas wie ein Happy End, lösen sich doch Valerios Probleme nach und nach alle in Luft auf, sodass einer gemeinsamen Zukunft mit Clara am Ende nichts mehr im Wege steht. Ein für Buñuel ungewöhnlich optimistischer Ausklang.

Cela s'appelle l'aurore ist ein sehr spannender und ausgesprochen kurzweiliger Film mit einer guten Geschichte, überzeugenden Darstellern und vergleichsweise sorgfältig ausgearbeiteten Figuren. Keiner der ganz großen Buñuels, aber doch ein bemerkenswerter Beitrag zu seinem Schaffen, der im Allgemeinen nicht die Anerkennung erfährt, die er verdient hätte.

UP IN THE AIR (Jason Reitman, 2009)

Last year I spent 322 days on the road, which means I had to spend 43 miserable days at home.

Leichtfüßige Komödie, die die Einsamkeit eines sogenannten Outplacement-Beraters in den Mittelpunkt stellt. Ryan Bingham fliegt das ganze Jahr über kreuz und quer durch die Vereinigten Staaten, um Menschen zu entlassen, und ist dabei - ohne es sich eingestehen zu wollen - auf der Flucht vor sich selbst und seiner Einsamkeit. Er hat weder Familie noch Freunde. Sein Leben besteht aus Hotelzimmern, Flughäfen und Vielfliegerprogrammen.

Jason Reitman inszeniert die Geschichte sehr spritzig und mit viel Esprit. Das hohe Tempo unterstreicht dabei perfekt das rastlose Leben des Protagonisten. Stilistisch erinnerte mich das doch sehr an die Filme von Steven Soderbergh, der auch des öfteren mit George Clooney zusammengearbeitet hat. Die Darsteller machen ihre Sache durchweg gut, und auch der gelungene Score trägt erheblich zur lockeren und beschwingten Atmosphäre bei.

Übrigens habe ich lange keinen Film mehr mit einem derart extremen Product-Placement gesehen. Wenn man böse sein wollte, könnte man Up in the Air auch als Werbefilm für American Airlines bezeichnen. Das tut dem Vergnügen allerdings keinen Abbruch und passt letztlich sogar ganz gut zu der von Bonusprogrammen, Kreditkarten und Geschäftsreisen geprägten Welt, in der sich Ryan bewegt.

Schließlich beginnt Ryan sich aus seiner selbst auferlegten Isolation zu lösen, indem er sich ernsthaft in die ebenso rastlos erscheinende Alex verliebt, die er in einer Hotelbar kennengelernt hat. Umso gelungener der Twist am Ende, wenn er erkennen muss, dass er einer Illusion erlegen ist. Die bis dahin vorherrschende Wohlfühlatmosphäre wird dadurch abrupt aufgebrochen und weicht einer melancholischen Grundstimmung.

Up in the Air ist eine äußerst kurzweilige und unterhaltsame Reflexion über Einsamkeit und Bindungsangst.