THE THIRD MAN (Carol Reed, 1949)

A person doesn't change just because you find out more.

Wie die kürzlich gesichteten Citizen Kane und Touch of Evil zählt auch The third Man zu den ganz großen Klassikern der Filmgeschichte, doch im Gegensatz zu den etwas sperrigen Welles-Filmen macht Reed es dem Zuschauer leicht, seinen Film zu mögen. Schon nach wenigen Minuten entfaltet sich eine Mischung aus Krimi, Groteske und atmosphärischer Großstadtstudie, die bis heute einzigartig ist.

Die Ansiedlung der Handlung im zerbombten Nachkriegs‑Wien, die immer wieder eingestreuten Dialoge im Wiener Schmäh in dem ansonsten englischsprachigen Film, die skurrilen Nebenfiguren, die Zither‑Musik von Anton Karas, die schiefen Kamera‑Winkel – all das verleiht dem Film eine Kauzigkeit, die ihresgleichen sucht. Das Ergebnis ist eine Atmosphäre, die zwischen morbiden und humorvollen Elementen changiert, leicht surreal und zugleich tief in der Realität einer Stadt verankert, die sich noch immer im Schatten des Krieges befindet.

Die Story ist wendungsreich und spannend, vor allem aber zwecktauglich: Sie dient als Gerüst für die Erkundung eines Wien, das zwischen Ruinen, Schwarzmarkt und Besatzungszonen zerrieben wird. Erinnerungswürdige Momente gibt es reichlich, etwa die Szene, wenn Harry Lime zum ersten Mal in Erscheinung tritt. Oder die Riesenradszene am Prater mit Welles' berühmtem Monolog über Moral, Macht und Innovationskraft, der umso bemerkenswerter ist, als er von Welles während des Drehs improvisiert wurde.

Der Schluss in den Wiener Abwasserkanälen mit den dunklen Gängen, den hallenden Schritten und den verzerrten Schatten gehört zu den eindrucksvollsten Sequenzen des Nachkriegs‑Kinos und bleibt lange in Erinnerung. Die finale Einstellung, wenn Anna wortlos an Holly vorbeigeht, rundet den Film auf perfekte Weise ab. 

Atmosphärisch dicht, formal brillant, darstellerisch überzeugend: The third Man wird seinem Ruf als Klassiker des Nachkriegskinos zu jeder Zeit gerecht. Meisterhaft.

IL BUONO, IL BRUTTO, IL CATTIVO (Sergio Leone, 1966)

In this world there's two kinds of people, my friend. Those with loaded guns and those who dig. You dig.

Mit Il buono, il brutto, il cattivo machte Sergio Leone noch einmal einen Schritt nach vorn und lieferte ein Meisterwerk ab, das ohne jeden Zweifel zu den bedeutendsten Western der Filmgeschichte zählt. Der Film markiert nicht nur den Höhepunkt der Dollar‑Trilogie, sondern auch den Moment, in dem Leone seine Ästhetik endgültig perfektionierte und zu einer epischen Breite fand, die weit über das Genre hinausweist und auch seine folgenden Filme kennzeichnen sollte.

Die Credits‑Sequenz weist deutliche Parallelen zu Per un pugno di dollari auf: erneut gestaltet von Iginio Lardani, erneut grafisch abstrakt und rhythmisch montiert. Doch diesmal öffnet sie den Blick auf ein fast dreistündiges Epos, das sich stilistisch erheblich von den beiden Vorgängern unterscheidet. Leone erzählt die Geschichte einer Schatzsuche vor dem Hintergrund realer historischer Gegebenheiten des Sezessionskrieges und verleiht seinem Western damit eine historische Dimension, die seinen Arbeiten bisher fehlte.

Es dauert fast zehn Minuten, bis die ersten Worte gesprochen werden. Leone vertraut vollständig auf die Kraft seiner Bilder: die staubigen Landschaften, die schroffen Gesichter, die präzisen Close‑Ups im Wechsel mit Weitwinkelaufnahmen eines heruntergekommenen Wüstenstädtchens. Das Budget, mehr als doppelt so hoch wie beim Vorgänger, ermöglichte ihm eine visuelle Opulenz, die er souverän ausschöpfte.

Der faszinierendste Aspekt des Films liegt jedoch im Zusammenspiel der drei Hauptfiguren, die unterschiedlicher kaum sein könnten. Blondie, Tuco und Sentenza bilden ein moralisches Dreieck, das Leone mit großer Lust an Ambivalenzen auslotet. Ennio Morricone verknüpft jeden der drei mit einem eigenen musikalischen Motiv und unterstreicht damit die ohnehin schon prägnante Charakterzeichnung.

Bei allem Humor klingen immer wieder ernste Themen an. Wenn Blondie angesichts des Massakers der Soldaten sagt: “I've never seen so many men wasted so badly.”, wird deutlich, dass Leone den Krieg nicht nur als dekorative Kulisse nutzt, sondern auch als Kommentar auf menschliche Grausamkeit und Sinnlosigkeit. Besonders eindringlich ist die Szene, in der der Captain der Unionisten Blondie und Tuco gesteht, dass er die umkämpfte Brücke am liebsten sprengen würde, um das sinnlose Sterben seiner Männer zu beenden. Sein seliges Lächeln, als er sterbend die von den beiden ausgelöste Sprengung hört, spricht Bände. Auch Tucos Begegnung mit seinem Bruder zeigt einen Moment ungewohnter Verletzlichkeit.

Der Showdown auf dem Friedhof von Sad Hill zählt zu den größten Sequenzen, die das Western‑Kino hervorgebracht hat. Eine Szene von unglaublicher Intensität: der ständige Wechsel zwischen Totalen, den berühmten Close‑Ups auf die Augen, die kreisende Kamera, die präzise gesetzten Schnitte, die Pistolen der Protagonisten, die Spannung, die sich in konzentrischen Bewegungen auflädt. Morricones Musik - ein Crescendo, das sich in die Filmgeschichte eingebrannt hat - macht die Sequenz zu einem audiovisuellen Höhepunkt, der Leones einmaligen erzählerischen Stil auf den Punkt bringt.

Mit Il buono, il brutto, il cattivo schuf Leone nicht nur den Abschluss seiner Dollar‑Trilogie, sondern ein filmisches Monument. Ein Werk, das die Grenzen des Westerns sprengt, das Historie, Mythos und Pop‑Ikonografie verbindet und das bis heute nichts von seiner Wucht verloren hat.

TOUCH OF EVIL (Orson Welles, 1958)

Just because he speaks a little guilty, that don't make him innocent.

Touch of Evil gilt gemeinhin als Film noir, lässt jedoch einige der typischen Merkmale vermissen, beispielsweise die Femme fatale. So richtig warm wurde ich mit dem Film nicht, ungeachtet seiner unbestreitbaren Qualitäten.

Die Eröffnungssequenz ist allerdings überragend: ein nahezu vierminütiger Kameralauf ohne sichtbaren Schnitt durch die nächtlichen Straßen der mexikanischen Grenzstadt Los Robles, beginnend mit dem Platzieren der Bombe im Kofferraum des Geschäftsmanns Linekar. Diese Szene ist schlicht phantastisch und erinnert eindrucksvoll daran, welch visionärer Filmemacher Orson Welles war.

Welles’ Darstellung des korrupten Polizisten Hank Quinlan ist eine Schau - schwer, massig, moralisch verrottet, aber faszinierend in jeder Sekunde. Er ist klar die Hauptattraktion des Films und trägt ihn über manche Schwäche hinweg.

Die Kameraführung ist großartig, die Schwarzweißbilder atmosphärisch dicht und oft von beeindruckender Plastizität. Die Story hingegen wirkt stellenweise konstruiert und nicht immer überzeugend. Charlton Heston bleibt als mexikanischer Ermittler seltsam unnahbar und fügt sich nur bedingt ins Ensemble ein.

Unterm Strich ein technisch brillanter, stellenweise hypnotischer Film, der mich emotional dennoch nicht ganz erreicht hat.

GODZILLA VS. KONG (Adam Wingard, 2021)

I love crazy ideas. They made me rich.

Nach dem enttäuschenden Godzilla: King of the Monsters zeigt die Formkurve wieder steil nach oben. Die Story ist zwar mindestens genauso absurd und die Figuren bleiben ebenso flach, doch Wingard vermeidet die zentralen Fehler seines Vorgängers und liefert nach Kong: Skull Island den bisherigen Höhepunkt des Franchise ab. Die Idee, Godzilla gegen Kong antreten zu lassen, ist nicht neu und wurde bereits in einem japanischen Film der 60er Jahre verwurstet, dessen Titel mir entfallen ist. Meine Sympathien liegen natürlich klar bei Kong: Merian C. Coopers King Kong von 1933 zählt zu meinen schönsten Kindheitserinnerungen, während ich mit Godzilla nie viel anfangen konnte. Auch Wingard scheint ein Faible für den Riesenaffen zu haben, widmet er ihm doch deutlich mehr Screentime und lässt ihn zudem weniger aggressiv gegenüber Menschen auftreten.

Um den Film richtig genießen zu können, gilt die oberste Prämisse: Hirn ausschalten und keinesfalls über die zahlreichen Logiklöcher oder die physikalisch völlig unrealistischen Actionszenen nachdenken. Wingard ersetzt die düstere Schwere des Vorgängers durch beschwingte Leichtigkeit und Humor. Anzahl und Dauer der Titanenkämpfe wurden reduziert, dafür gibt es klar ausgeleuchtete Sets statt schemenhafter Bildfragmente. Die Kämpfe sind abwechslungsreich, kurzweilig und nebenbei werden wieder einige Großstädte dem Erdboden gleichgemacht. Angereichert wird das Ganze durch Jules‑Verne‑Versatzstücke, die eine Reise in die Hollow Earth beinhalten – hier als Kongs Heimat und Ursprung der Titanen inszeniert. Diese Sequenzen bieten Gelegenheit für ausnehmend schöne Bilder einer fremdartigen, von bizarren Kreaturen bevölkerten Welt.

Wie im Vorgänger sind die menschlichen Protagonisten bloß Beiwerk, doch stört das diesmal kaum, denn außer Alexander Skarsgård hinterlässt ohnehin niemand einen bleibenden Eindruck. Immerhin kann Eiza González optisch Akzente setzen. Die eigentliche Schau sind jedoch die titelgebenden Giganten, und mit Mechagodzilla verfügt der Film über einen ebenso originellen wie furchteinflößenden Widersacher.

Unbedingt erwähnt werden muss das überragende Sounddesign. Ich kann mich nicht erinnern, jemals einen Film mit einer derart beeindruckenden Atmos‑Tonspur gesehen respektive gehört zu haben. Die UHD von Godzilla vs. Kong bietet diesbezüglich absolute Referenzqualität und liefert über nahezu die gesamte Laufzeit ein präzises, raumfüllendes Feuerwerk aus allen 11 Lautsprechern sowie Tiefbass‑Attacken, die die Wände sprichwörtlich beben lassen. Alleine deshalb lohnt sich die Sichtung, wenn man über entsprechendes Equipment verfügt.

GODZILLA: KING OF THE MONSTERS (Michael Dougherty, 2019)

You got a catchy name for this one?

Der dritte Filme des Monsterverse ist eine ziemliche Enttäuschung. Nach dem soliden Godzilla von Gareth Edwards und dem überaus gelungenen Kong: Skull Island wirkt Doughertys Beitrag wie ein Rückschritt.

Die Dialoge schwanken zwischen dümmlich und unbeholfen und sind manchmal unfreiwillig komisch. Das schwache Drehbuch erzählt eine wirre Story mit fragwürdigen Wendungen, die lediglich als Bindeglied zwischen den zahlreichen, zunehmend repetitiv wirkenden Monsterbegegnungen fungiert. Spätestens wenn Godzilla zum dritten Mal gegen Ghidorah antritt, stellt sich ein Gefühl von Ermüdung ein. Die Kämpfe ähneln sich, verlaufen in dunklen, schwer erkennbaren Bildern und verlieren dadurch viel von ihrer möglichen Wirkung.

Die Effekte sind größtenteils solide, doch verpuffen sie in der tristen, übermäßig vernebelten Optik. Man sieht, dass viel Aufwand in die technischen Aspekte geflossen ist - das Budget lag bei üppigen 200 Millionen Dollar - aber die Inszenierung weiß damit wenig anzufangen. Zwar vermittelt sie ein Gefühl der Dynamik, doch echte Spannung will sich nicht einstellen. Immerhin bringt Kyle Chandler als Hauptfigur eine gewisse Präsenz mit. Dafür nervt das pubertierende Teenager-Gör fast so wie der junge John Connor in Terminator 2.

Am Ende taugt der Film vor allem als Sounddemo: wuchtige Bassattacken, kreischende Monsterstimmen und ein Score, der den Subwoofer gut beschäftigt. Inhaltlich bleibt jedoch ein Gefühl der Lerre. Godzilla: King of the Monsters ist ein Effektgewitter ohne echte Spannung, das trotz seiner Größe kraftlos wirkt.

CITIZEN KANE (Orson Welles 1941)

Rosebud.

Citizen Kane ist ohne Zweifel einer der innovativsten und einflussreichsten Filme der Geschichte. Ein Werk, das das Kino veränderte und unzählige Regisseure inspirierte und beeinflusste. Und doch macht es Welles seinem Publikum nicht leicht, den Film zu lieben. 

Die Handlung entfaltet sich überwiegend in Rückblenden, die nach und nach ein facettenreiches Bild des Zeitungsmagnaten Charles Foster Kane zeichnen. Das Besondere daran: Die Rückblenden werden nicht aus einer vermeintlich objektiven Perspektive erzählt, wie es klassische Dramaturgien oft tun, sondern durch die Erinnerungen verschiedener Zeitzeugen. Jeder von ihnen liefert seine eigene, subjektive Sicht auf den Verstorbenen und die Ereignisse. Dieser Ansatz wirkt deutlich realistischer als die üblichen filmischen Erzählmuster, denn eine objektive Wahrheit existiert ohnehin nicht. Entscheidend ist stets die Perspektive desjenigen, der etwas erlebt - geprägt durch Biografie, Charakter und persönliche Motive.

Auch visuell ist Citizen Kane revolutionär. Welles und sein Kameramann Gregg Toland arbeiten mit extremen Tiefenschärfen, ungewöhnlichen Kameraperspektiven, Spiegelungen und langen Einstellungen mit wenigen Schnitten. Diese Mittel dienen nicht nur der formalen Innovation, sondern charakterisieren auch die Figuren und ihre Beziehungen zueinander.

Die Auflösung des Rätsels um „Rosebud“ ist schließlich ein Geniestreich. So banal sie im ersten Moment erscheinen mag, vermittelt sie dem Zuschauer mehr über Kane als die Erzählungen der Zeitzeugen zuvor. Sie macht deutlich, warum er sich zu dem Menschen entwickelte, der er war und wie ein einziger, verlorener Moment aus der Kindheit sein Leben überschattete. Der Verlust von Geborgenheit.

PER QUALCHE DOLLARO IN PIU (Sergio Leone, 1965)

Alive or dead? It's your choice. 

Höher, schneller, weiter: Nach dem ungeachtet seiner Klasse eher spartanischen Per un pugno di dollari geht Per qualche dollaro in più in jeder Hinsicht einen Schritt weiter – wie schon der Titel nahelegt. Das dreimal so hohe Budget, das Leone nach dem Erfolg des Vorgängers zugestanden wurde, ermöglichte aufwändigere Sets, abwechslungsreichere Locations, bessere Effekte, größer angelegte Schießereien und insgesamt deutlich mehr Action.

Clint Eastwood tritt erneut in einer nahezu identischen Rolle auf, diesmal jedoch nicht mehr als bloßer Opportunist, sondern als eiskalter Kopfgeldjäger. Ihm zur Seite stellt Leone den von Lee Van Cleef verkörperten Colonel Mortimer – einen gleichermaßen kompetenten, aber moralisch anders motivierten Partner. Zwar ist auch Mortimer Kopfgeldjäger, doch sein eigentliches Ziel ist Rache aus familiären Gründen. Die berühmte Taschenuhr fungiert dabei als zentrales Bindeglied zwischen Vergangenheit und Gegenwart und wird immer wieder geschickt als dramaturgisches Gimmick eingesetzt, um Spannung zu erzeugen. Ihre Funktion als akustisches Signal ist ein Paradebeispiel für Leones Fähigkeit, Requisiten erzählerisch aufzuladen.

Bei allem Zynismus und aller Brutalität kommt auch der Humor nicht zu kurz – ein wichtiges Element in Leones Schaffen, das auch bei den beiden folgenden Western eine bedeutende Rolle spielen sollte. Das Drehbuch verfasste Leone diesmal gemeinsam mit Luciano Vincenzoni, dessen Gespür für pointierte Dialoge und klare Figurenzeichnung dem Film spürbar zugutekommt.

Auch atmosphärisch macht Per qualche dollaro in più einen großen Sprung nach vorn. Morricones Score ist deutlich abwechslungsreicher als der des Vorgängers und integriert erneut typische Elemente wie Flöten, Maultrommeln und Alltagsgeräusche. Die symbiotische Verbindung zwischen Bild und Ton erreicht hier eine neue Qualität: Morricones Musik kommentiert nicht nur das Geschehen, sondern strukturiert es, steigert die Spannung und verleiht den ikonischen Bildern eine unverwechselbare emotionale Tiefe. Diese Zusammenarbeit zwischen Leone und Morricone – zwei Römern, die sich gegenseitig künstlerisch beflügelten – ist in dieser Form einzigartig

Der Showdown schließlich, inszeniert wie ein Duell in einer Arena, ist grandios. Die wechselnden Close-Ups, die kreisende Kamera, die sich stetig steigernde Spannung und Morricones Crescendo bilden ein audiovisuelles Finale, das bereits alle Qualitäten enthält, die man gemeinhin mit Leones Western verbindet. In dieser Disziplin kann ihm niemand das Wasser reichen.

Wenn Per un pugno di dollari das Genre des Spaghetti-Western begründete, wirkte Per qualche dollaro in più wie ein Katalysator. Er reaktivierte die ins Stocken geratene Karriere Lee van Cleefs, machte Klaus Kinski einem größeren Publikum bekannt (der daraufhin in diversen weiteren Italo-Western mitspielte), katapultierte Clint Eastwood endgültig zum Weltstar und etablierte Leone als meisterhaften Regisseur, der hier sein erstes voll ausgeformtes Meisterwerk ablieferte. Drei weitere sollten folgen.

DOUBLE INDEMNITY (Billy Wilder, 1944)

It's a one-way trip and the last stop is the cemetery.

Erstklassige Darsteller, nervenzerreißende Spannung und eine düstere, unheilschwangere Atmosphäre prägen Billy Wilders Beitrag zum Film noir. Barbara Stanwyck und Fred MacMurray liefern sehr überzeugende Leistungen, doch Edward G. Robinson überragt sie beide. Als unermüdlicher Versicherungsermittler Barton Keyes spielt er mit einer Mischung aus Scharfsinn, moralischer Integrität und fiebriger Energie - eine der stärksten Darbietungen seiner Karriere.

Die rückblickende Erzählstruktur verleiht dem Film eine zusätzliche Schwere. Dass Walter Neff von Beginn an dem Untergang geweiht ist, verändert die Spannung grundlegend: Nicht ob der Plan scheitert, sondern wie er zerfällt, wird zum eigentlichen Motor der Handlung. Wilder nutzt diese Gewissheit meisterhaft, um die Atmosphäre stetig zu verdichten und die Figuren in einem Netz aus Schuld, Begierde und fatalistischen Entscheidungen zu verstricken. Ein Weg, der unweigerlich ins Verderben führen muss.

Visuell wie erzählerisch ist Double Indemnity makellos. Die kontrastreichen Schwarzweiß‑Bilder, das präzise Spiel mit Licht und Schatten, der geschickte Wechsel zwischen Nahaufnahmen und Totalen sowie die pointierten, messerscharfen Dialoge formen ein Werk von bestechender Klarheit und Konsequenz. All diese Elemente machen den Film zu einem absoluten Höhepunkt im ohnehin reich an Glanzpunkten schimmernden Genre des klassischen Noir und Double Indemnity zu einer von Wilders besten Arbeiten. Meisterhaft und brillant!

PER UN PUGNO DI DOLLARI (Sergio Leone, 1964)

Get three coffins ready!

Mit Per un pugno di dollari hat Sergio Leone - damals noch unter dem Pseudonym Bob Robertson - Filmgeschichte geschrieben. Sein erster Western, nachdem er drei Jahre zuvor mit dem Sandalenfilm Il colosso di Rodi einen Achtungserfolg verbuchen konnte, entfaltete einen derart prägenden und nachhaltigen Einfluss auf das Western‑Genre wie nur wenige Filme vor ihm. Leone definierte nicht nur die Ästhetik des Westerns neu, sondern schuf zugleich die Grundlage für ein ganzes Sub‑Genre.

Schon die äußerst gelungene Pop‑Art‑inspirierte Eröffnungssequenz, gestaltet von Iginio Lardani, macht klar, dass hier kein gewöhnlicher Western beginnt. Die grafisch‑abstrakten Silhouetten, die harte Farbgebung und die rhythmische Montage brechen bewusst mit den Konventionen des klassischen US‑Western. Unterlegt von Ennio Morricones atmosphärischem Score, durchsetzt mit zahlreichen Schussgeräuschen, wird die stilistische Richtung des gesamten Films schon vorgegeben. Leone kündigt bereits hier den radikalen Bruch mit Hollywoods Traditionen an, einen Bruch, der sich wie ein roter Faden durch den Film zieht und den Spaghetti‑Western als neue, eigenständige Form des Westerns etablieren sollte.

Doch der Einfluss des Films reicht weit über das Genre hinaus. Clint Eastwood, bis dahin ein eher unauffälliger Seriendarsteller, wurde durch seine Darstellung des unrasierten, wortkargen Antihelden mit Poncho zum Weltstar. Ennio Morricone etablierte sich mit seinem innovativen, experimentellen Score als einer der bedeutendsten Filmkomponisten der Geschichte. Und Sergio Leone selbst legte mit diesem Film den Grundstein für eine zwar kurze, aber außergewöhnlich einflussreiche Karriere, während der er ein Meisterwerk nach dem anderen schuf.

Natürlich ist Per un pugno di dollari nicht frei von Mängeln. Die Handlung übernimmt Leone nahezu vollständig aus Akira Kurosawas Yojimbo, was nach der Veröffentlichung zu einer Copyright‑Klage führte, die er verlor. Auch das Budget von gerade einmal 200.000 Dollar erlaubte keinen großen Produktionsaufwand. Doch Leone nutzte die begrenzten Mittel mit bemerkenswerter Kreativität: die staubigen, kargen Schauplätze, die reduzierte Ausstattung und die ikonische Bildsprache tragen entscheidend zur rauen Atmosphäre des Films bei.

Per un pugno di dollari ist weit mehr als nur der Auftakt der Dollar‑Trilogie. Er ist ein stilistischer Befreiungsschlag, ein filmhistorischer Wendepunkt und ein Paradebeispiel dafür, wie aus begrenzten Mitteln große Kunst entstehen kann. Leone, Morricone und Eastwood formten hier gemeinsam eine neue Ikonografie des Westerns: dreckig, zynisch, stilisiert und unverwechselbar. Auch wenn der Film noch nicht ganz die Perfektion der drei folgenden Leone-Western erreicht, bleibt er ein beeindruckendes, wegweisendes Werk, das das Genre für immer verändert hat.

BENEDETTA (Paul Verhoeven, 2021)

Verhoevens bis dato letzter Film greift die Geschichte der italienischen Nonne Benedetta Carlini auf, die von zahlreichen Jesus‑Visionen heimgesucht wurde und eine lesbische Beziehung zu ihrer Mitbewohnerin Bartolomea hatte. Der Niederländer hat seit jeher ein Faible für starke Frauenfiguren, die sich gegen gesellschaftliche oder (in diesem Fall) religiöse Machtstrukturen behaupten müssen. Benedetta fügt sich nahtlos in diese Reihe ein, weil sie sowohl Opfer als auch Akteurin eines menschenfeindlichen Systems ist.

Gut gelungen ist die Darstellung des Klosteralltags, der sehr authentisch wirkt: Routinen, Hierarchien, strenge Regeln und ein Leben, das von Askese geprägt ist. Die Unterdrückung jeglichen sexuellen Verlangens ist nicht nur zutiefst unnatürlich, sondern spiegelt auch die verlogene Moral der katholischen Kirche wider, die bis in die heutige Zeit in Form des priesterlichen Zölibats überlebt hat.

Die gelungenen Sets und der chorlastige Score fügen sich stimmig ein und erzeugen eine düstere Atmosphäre, die den inneren Konflikt der Figuren unterstreicht. Bemerkenswert ist die kurze Szene, in der Benedetta dem Nuntius auf dessen Nachfrage sagt, dass er nach dem Tod ins Paradies komme. Er entlarvt dies sofort als Lüge, wohlwissend, dass auf ihn aufgrund seiner eigenen Bösartigkeit die Hölle wartet. Ein Moment, der die Heuchelei kirchlicher Machtstrukturen präzise auf den Punkt bringt und zeigt, wie sehr religiöse Autorität von Selbsttäuschung und moralischer Korruption durchzogen ist.

Verhoeven lässt bewusst offen, ob Benedetta tatsächlich über außergewöhnliche Fähigkeiten verfügt oder alles nur clever inszeniert hat im Glauben, von Jesus besessen zu sein. Diese Ambivalenz ist eine der Stärken des Films, überlässt sie doch dem Zuschauer die finale Interpretation. Stellenweise gestaltet sich das Treiben etwas zäh, was nicht zuletzt daran liegt, dass im Verlauf der gut zwei Stunden relativ wenig passiert. Auch sind die Sexszenen für Verhoevens Verhältnisse relativ zurückhaltend inszeniert. Abgesehen von einigen nackten Frauenkörpern gibt es nicht viel zu sehen - das kennt man von den frühen Filmen des Niederländers anders.

Unter dem Strich ist Benedetta dennoch eine gelungene Aufarbeitung der Leidensgeschichte der italienischen Nonne. Immerhin hat Verhoeven ihr ein gütigeres Schicksal beschert als die Realität, in der sie die letzten 35 Jahre ihres Lebens im Gefängnis verbringen musste.

ONCE UPON A TIME IN AMERICA (Sergio Leone, 1984)

It was a great friendship.

Sergio Leones letzter Film breitet in 229 Minuten eine epische Geschichte über Freundschaft, Verrat und vertane Lebenszeit aus, die ebenso faszinierend wie zeitlos ist. Von Beginn an entfalten die beeindruckenden Bilder in Kombination mit Ennio Morricones unvergleichlichem Score eine starke Sogwirkung, der man sich nicht entziehen kann. Schon die ersten Einstellungen machen klar, dass Leone hier nicht nur einen Gangsterfilm, sondern ein melancholisches Erinnerungsstück inszeniert.

Die äußerst komplexe Geschichte ist angelegt als Elegie in drei Akten. Die Erzählweise ist nicht-chronologisch und springt immer wieder zwischen den drei Zeitebenen (1922, 1933 und 1968) hin und her. Dabei sind die Übergänge ausnehmend schön gestaltet, beispielsweise, wenn Noodles durch das Fenster in der Toilette Deborah beim Tanzen zuschaut oder das ewig lange klingelnde Telefon zu Beginn des Films. Leone nutzt diese Übergänge nicht nur als stilistische Spielerei, sondern als emotionales Bindeglied zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Schuld und Sehnsucht.

Die Darsteller sind allesamt wunderbar. Robert De Niro und James Woods liefern jeweils eine der besten Leistungen ihrer Karriere ab, Joe Pesci ist toll wie immer und auch die übrigen Darsteller machen ihre Sache gut. Die Kinderdarsteller sind ebenfalls hervorragend gewählt. Sie sehen den Schauspielern, die sie im jugendlichen Alter repräsentieren, nicht nur sehr ähnlich, sondern überzeugen darüber hinaus auch noch durchweg mit sehr guten Leistungen. Gerade die zumindest anfangs unbeschwerten Szenen der Kindheit verleihen den späteren Tragödien eine besonders bittere Note.

Unabhängig von der moralischen Verderbtheit seiner Protagonisten ist Once upon a Time in America nämlich ein sehr trauriger Film, lässt er sie doch alle letztlich als Verlierer zurück. Lediglich Deborah, die eine erfolgreiche Schauspielerin wird, könnte man als Gewinnerin bezeichnen, doch vermittelt sie im letzten Gespräch mit Noodles auch nicht den Eindruck, ein glückliches Leben zu führen. Ruhm und Erfolg verdecken im besten Fall die tiefen Wunden, die die Vergangenheit bei ihr hinterlassen hat.

Von Beginn an liegt eine tiefe Schwermut über dem Geschehen und erzeugt in Kombination mit den bereits genannten Faktoren eine ebenso düstere wie faszinierende Stimmung, die während der ausufernden Spielzeit niemals so etwas wie Langeweile aufkommen lässt. Once upon a Time in America ist ein herausragender Vertreter des Gangsterfilms und ein würdiger Abschluss für die leider viel zu kurze Karriere des italienischen Meisterregisseurs, den ich zutiefst verehre, seit ich im jugendlichen Alter C'era una volta il West zum ersten Mal gesehen habe. Ein zeitloses Meisterwerk.

FOLLOWING (Christopher Nolan, 1998)

You take it away to show them what they had.

Nolans Debut ist ein clever konstruierter Thriller um einen Arbeitslosen, der fremde Menschen verfolgt. Eine simple Ausgangslage, die sich zunehmend ins Dramatische verschiebt. Die stimmungsvollen Schwarzweiß‑Bilder, teils mit wackeliger Handkamera festgehalten, vermitteln ein Gefühl der Nähe und der Teilhabe des Zuschauers an den Vorgängen.  

Es handelt sich um eine Low-Budget-Produktion, die der Brite mit Freunden und Verwandten für rund 6.000 Dollar realisierte. Bei den Darstellern handelt es sich allesamt um Laien, die hier ihr Spielfilmdebut gaben. Lediglich Nolans Onkel, der den Polizisten spielt, konnte bereits auf Erfahrung als Schauspieler zurückgreifen.

Stilistisch finden sich Anleihen beim Film noir, und auch Hitchcock ist präsent: Voyeurismus, psychologische Verunsicherung, ein Protagonist, der sich in immer stärkerem Maße in der Opferrolle wiederfindet und das Gefühl, dass ihn jede Entscheidung weiter in die falsche Richtung führt.

Die für Nolans folgende Filme wie Memento oder The Prestige typische nicht‑chronologische Erzählweise kommt auch hier schon zum Einsatz und ist ein zentrales Spannungswerkzeug. Er wirft dem Zuschauer kleine Informationsbrocken hin, die andeuten, dass sich die Lage für den Protagonisten nicht zum Guten entwickeln wird, ohne konkrete Rückschlüsse zuzulassen. Dieses Spiel mit Erwartung und Fragmentierung erzeugt eine immense Spannung, die zum Ende hin immer mehr anzieht. 

Nolan erzählt die Geschichte kompakt, fokussiert und ohne Schnickschnack in gerade einmal 70 Minuten. Ein sehr beachtliches Erstlingswerk des Briten.

KILLERS OF THE FLOWER MOON (Martin Scorsese, 2023)

Money flows freely here now.

Martin Scorseses dreieinhalbstündige Verfilmung der Osage-Morde in den 1920er Jahren ist eine bewegende Aufarbeitung der Verbrechen, die dem indigenen Volk durch Kriminelle, Anwälte, Behörden und Ordnungshüter angetan wurden. Stellenweise mag man kaum glauben, dass die Geschichte wahr ist. Scorsese fokussiert sich auf die Täterperspektive, was Killers of the Flower Moon in die Nähe des Mafia-Films rückt: in ungewohntem Setting zwar und nicht unbedingt mit den üblichen Protagonisten, aber der von Robert De Niro verkörperte King Hale regiert im Osage-Land wie ein Pate. Er zieht im Hintergrund die Fäden, lässt Kleinkriminelle für sich arbeiten und beseitigt sie skrupellos, sobald sie zur Gefahr werden.

Die Tatsache, dass Scorsese die Geschehnisse hauptsächlich aus der Täterperspektive schildert bedeutet nicht, dass er die der Opfer vernachlässigt. Von Anfang an ist klar, dass für Menschen vom Schlag Hale nichts außer Geld wichtig ist. Nach außen hin tritt er großzügig als Freund und Gönner der Indianer auf, nur um sie nach Strich und Faden auszunehmen. Auch seine beiden Neffen sind dabei nur Werkzeuge. Eine solche Geschichte aus Sicht der Täter zu erzählen, ist sicher ungewohnt. Gerade das macht aber Killers of the Flower Moon zu einem so guten Film, weil die moralische Verkommenheit der Figuren dadurch umso deutlicher hervortritt.

Neben De Niro, der eine der niederträchtigsten Figuren seiner Karriere verkörpert, brilliert Leonardo DiCaprio als sein tumber, willfähriger Neffe Ernest Burkhart, der ohne mit der Wimper zu zucken jeden Auftrag seines Onkels ausführt und dabei den Eindruck vermittelt, nie das Gesamtbild im Blick zu haben. Hale verfolgt von Anfang an und über Jahre hinweg einen perfiden Plan, in dem Ernest eine entscheidende Rolle spielt, diese aber nie in Gänze und aller Konsequenz zu begreifen scheint. DiCaprio spielt das großartig und sorgt dafür, dass man seinen Charakter trotz der bösen Taten als noch nicht einmal unsympathisch wahrnimmt. Dessen ambivalenten Gefühle kommen auch gegenüber seiner indianischen Frau Mollie zum Ausdruck, die er einerseits zu lieben scheint und zu beschützen versucht, andererseits ihr aber täglich kaltblütig kleine Dosen eines ungenannten Gifts (vermutlich Strychnin) verabreicht, das sie in zunehmendem Maße dahinsiechen lässt. Lily Gladstone liefert eine beeindruckende Vorstellung und spielt die Rolle mit einer Mischung aus Demut gegenüber ihrem Mann und Ergebenheit in das ihr scheinbar vorbestimmte Schicksal. Obwohl sie schon beim ersten Treffen ahnt, dass Ernest in erster Linie auf ihr Geld aus ist ("Coyote wants money"), zeigt sie lange keinen echten Kampfeswillen, gegen das Unrecht aufzubegehren. Erst nachdem alle ihre Schwestern ermordet wurden, reist sie nach Washington, um den Präsidenten um Hilfe zu bitten. 

Neben den tollen Darstellern können die hervorragende Kamerarbeit des Mexikaners Rodrigo Prieto, mit dem Scorsese schon mehrfach zusammengearbeitet hat und die authentisch wirkenden Sets und Kostüme überzeugen. In Kombination mit dem effektvollen Score ergibt sich eine dichte Atmosphäre, die den Zuschauer 100 Jahre zurückversetzt.

Auch wenn Scorsese in erster Linie natürlich sein Publikum unterhalten will, deutet der ungewöhnliche Auftritt am Ende darauf hin, in dem die Zuschauer im Stile einer Live-Radio Bühnenschau über den weiteren Werdegang der Protagonisten aufgekärt werden, dass er zugleich eine Form der historischen Einordnung liefern möchte. Ganz am Schluss tritt er höchstselbst in Erscheinung, um über Mollies weitere Schicksal zu berichten, was dem Film einen stillen, respektvollen Abschluss verleiht.

Killers of the Flower Moon ist zwar nicht Scorseses bester, aber ohne Zweifel ein herausragend guter Film, der über die Spieldauer von 206 Minuten nie langweilig wird. Ein ebenso bewegendes wie mitreißendes Filmerlebnis. Bleibt angesichts des fortgeschrittenen Alters des New Yorker Meisterregisseurs zu hoffen, dass es nicht seine letzte Großtat war. 

GODZILLA (Gareth Edwards, 2014)

Let them fight!

Ich hatte Edwards’ Godzilla vor Jahren bereits gesehen und damals wenig Gefallen daran gefunden. Die Sichtung erfolgte allerdings auf DVD, auf einem kleinen 40‑Zoll‑TV und ohne nennenswerte Soundanlage. Rückblickend war das keine faire Ausgangslage, denn Godzilla lebt in erheblichem Maß von seinem hervorragenden Sounddesign. Wenn etwa zu Beginn der Reaktorunfall gezeigt wird, wackelt im wahrsten Sinne des Wortes der Boden. In 4K und mit Dolby‑Atmos‑Tonspur entfaltet der Film nun eine ganz andere Wirkung.

Am schwachen Drehbuch, an dem dem Vernehmen nach eine ganze Reihe von Autoren herumgedoktert haben soll, ändert das freilich nichts. Die konventionelle, um nicht zu sagen biedere Geschichte um eine junge Familie, die durch Naturkatastrophen - ausgelöst von riesigen Kreaturen („MUTOs“), die sich von Radioaktivität ernähren - getrennt wird und am Ende wieder zusammenfindet, bleibt vorhersehbar und dramaturgisch wenig inspiriert.

Was Godzilla dennoch sehenswert macht, sind neben dem eingangs erwähnten Sounddesign die effektvolle Inszenierung und die zahlreichen groß angelegten Zerstörungsorgien, bei denen nebst Schiffen, Flugzeugen und Autos auch ganze Stadtteile in Schutt und Asche gelegt werden. Der orchestrale Score unterstreicht dies perfekt und auch die digitalen Effekte sind größtenteils ganz ansehnlich, was angesichts des üppigen Budgets von 160 Mio. Dollar auch nicht verwundert. 

Edwards setzte vergleichsweise häufig Handkameras ein und ließ viele Szenen aus der Perspektive der betroffenen Menschen filmen, was diese besonders eindringlich wirken lässt. Spannend und unterhaltsam ist das alles durchaus - der schablonenhaften Handlung zum Trotz. Und nicht zuletzt ist Godzilla filmhistorisch zumindest eine gewisse Relevanz zu attestieren, zog er doch die Gründung des Monsterverse nach sich, dessen Auftaktfilm er ist.

GIANT (George Stevens, 1956)

You should have shot that fella a long time ago. Now he's too rich to kill.

Ausuferndes Südstaaten-Epos im Stile von Gone with the Wind oder Raintree County. Angesichts der Spielzeit von mehr als 200 Minuten braucht man schon etwas Zeit für die Sichtung. Diese ist dann aber gut investiert, denn ungeachtet einiger Längen ist Stevens' Werk über weite Streckendoch doch sehr unterhaltsam. 

Liz Taylor dominiert den Film mit ihrer starken Präsenz. Rock Hudson wirkt mitunter etwas hölzern, kann aber mit seiner physischen Präsenz beeindrucken und James Dean nuschelt einen Großteil seiner Dialoge unverständlich vor sich hin. Untertitel sind bei seinen Szenen äußerst hilfreich. Wie üblich bei derartigen Filmen spielt das Thema Rassismus eine bedeutsame Rolle, hier in Bezug auf die mexikanische Bevölkerung, die als Menschen zweiter Klasse angesehen werden. 

In Erinnerung bleibt Giant natürlich in erster Linie als James Deans letzter Film. Wenige Tage nach dem Ende der Dreharbeiten starb er bei einem Autounfall im Alter von 24 Jahren. Damit liegt eine gewisse Melancholie über dem Film, die ihn bis heute mitprägt.

HUSH...HUSH, SWEET CHARLOTTE (Robert Aldrich, 1964)

You're my favorite living mystery.

Hush...hush, Sweet Charlotte, der in Deutschland unter dem unsagbar dämlichen Titel Wiegenlied für eine Leiche erschienen ist, ist ein Psycho-Thriller, der mich stilistisch an What ever happened to Baby Jane? erinnerte. Dies liegt nicht zuletzt natürlich an Bette Davis, die hier eine ähnlich angelegte, emotional zerrissene Rolle spielt wie zwei Jahre zuvor. Jener verfügt allerdings über die deutlich interessantere Story. Bei Hush...hush schlägt das Drehbuch doch einige Kapriolen. Die Handlung ist nicht immer schlüssig und wirkt stellenweise arg konstruiert. Das fällt jedoch nicht gravierend ins Gewicht, denn der Film lebt ohnehin von seinen tollen Darstellern. 

Neben einer grandios aufspielenden Bette Davis, die hier als keifende, zurückgezogen lebende Außenseiterin auftritt, die - zumindest in der Wahrnehmung der Öffentlichkeit - dem Wahnsinn verfallen ist, geben sich gleich mehrere Hollywood-Größen ein Stelldichein: Joseph Cotten (in seiner Rolle ständig betrunken), Olivia de Havilland, Agnes Moorehead (Oscar-nominiert für die Rolle) und Mary Astor mit einem kurzen, aber markanten Auftritt. Bei soviel schauspielerischer Kompetenz hatte Aldrich leichtes Spiel, ein fesselndes, stellenweise kammerspielartiges Psychodrama zu inszenieren.

Herausragend ist auch die Kamerarbeit von  Joseph F. Biroc, die das Geschehen in stimmungsvolle Schwarzweiß-Bilder kleidet und virtuos mit Licht und Schatten spielt. Gerade die kontrastreichen Innenaufnahmen verleihen dem Film eine beklemmende Atmosphäre, die ihn deutlich über den Durchschnitt vieler Thriller seiner Zeit hebt.

Unter dem Strich ein ebenso kurzweiliges wie spannendes Vergnügen, das vor allem durch seine Darsteller und die visuelle Gestaltung überzeugt. 

SE7EN (David Fincher, 1995)

Become vengeance, David!

Es gibt kaum einen Film, den ich häufiger gesehen habe als David Finchers Se7en. Bis heute ist es sogar der einzige Film, den ich zweimal im Kino gesehen habe. Und doch ist jede erneute Sichtung wieder ein intensives Erlebnis. Vom ersten Bild des Vorspanns an zieht mich der Film in seinen Bann, um mich bis zum Abspann nicht mehr loszulassen.

Es gibt viele Filme über Serienmörder und ritualisierte Morde, doch kaum einer erreicht auch nur annähernd die Klasse von Se7en – allenfalls Jonathan Demmes The Silence of the Lambs kann mit leichten Abstrichen noch mithalten. Mit diesem Film setzte Fincher die Messlatte für das Genre auf eine Höhe, die bis heute nahezu unerreichbar erscheint. Es fällt schwer, sich vorzustellen, dass ein zukünftiger Genrevertreter diesen Maßstab jemals übertreffen könnte.

Die unheilvolle Atmosphäre, die düsteren Bilder und das Setting in einer namenlosen amerikanischen Großstadt, in der es scheinbar unaufhörlich regnet, erschaffen eine Welt voller Hoffnungslosigkeit und moralischem Verfall. Die fast vollständige Abwesenheit von Sonnenlicht - die Schlusssequenz bildet die einzige Ausnahme - verstärkt dieses bedrückende Gefühl zusätzlich. Dazu kommen erstklassige Darsteller, allen voran Morgan Freeman und Brad Pitt, ergänzt durch Kevin Spacey in einer der besten Rollen seiner Karriere, sowie eine außergewöhnlich intelligente Story, die in einem der schockierendsten und bösartigsten Finale der Filmgeschichte gipfelt.

Finchers messerscharfe, präzise Inszenierung wird kongenial von Howard Shores eindringlichem Score untermalt. Jede Einstellung, jeder Dialog und jedes Detail wirken durchdacht und zielgerichtet. Se7en ist ein Film, der sich tief ins Gedächtnis einbrennt und einen noch Tage später beschäftigt: meisterhaft, beklemmend und nahezu unerträglich spannend. Und wenn der Zuschauer am Ende bereits wehrlos am Boden liegt, versetzt ihm das Finale den letzten, vernichtenden Schlag. Ein Film, der nicht nur erschüttert, sondern noch lange nach dem Abspann nachhallt. 

Für mich ist Se7en schlichtweg der beste Thriller überhaupt - und zusammen mit Fight Club Finchers beste Arbeit.

THE LORD OF THE RINGS: THE RETURN OF THE KING (Peter Jackson, 2003)

It's gone.

Der Abschluss der Trilogie präsentiert sich wieder stimmiger und geschlossener als sein unmittelbarer Vorgänger. The Return of the King führt sämtliche Handlungsstränge strukturiert zusammen und erreicht damit eine erzählerische Geschlossenheit, die näher an die Qualität des ersten Teils heranreicht.

Höhepunkt des Films ist zweifellos die epische Schlacht um Minas Tirith. Jackson bietet hier eine beeindruckende Vielfalt an Gegnern und visuellen Ideen auf: von den riesigen elefantenähnlichen Dickhäutern über die Belagerungstürme bis hin zur mächtigen Ramme Grond. Dabei verliert er trotz der enormen Größe der Schlacht nie den Blick für die individuellen Schicksale, die sich inmitten des Getümmels abspielen.

Wenn es etwas zu bemängeln gibt, dann ist es der Schluss, der sich spürbar in die Länge zieht. Nach Aragorns Krönung zum König von Gondor folgt eine Reihe weiterer Epilog‑Momente, die sich über fast eine halbe Stunde erstrecken. Zwar verleihen diese Szenen der Geschichte eine emotionale Vollendung, doch wirken sie in ihrer Ausführlichkeit etwas überladen. Für mich war das des Guten ein wenig zu viel, auch wenn die Intention dahinter nachvollziehbar bleibt.

Trotz dieser kleinen Schwäche gelingt Jackson ein überwältigender Abschluss, der die Stärken der gesamten Trilogie bündelt. The Return of the King ist visuell imposant, emotional kraftvoll und dramaturgisch weitgehend klar strukturiert. Er erreicht vielleicht nicht ganz die perfekte Balance und atmosphärische Magie von The Fellowship of the Ring, setzt aber in jeder Hinsicht einen würdevollen und bewegenden Schlusspunkt.

Mit seiner Lord of the Rings-Trilogie hat Peter Jackson es geschafft, Tolkiens Mittelerde mitsamt seinen Bewohnern zum Leben zu erwecken und sich damit zugleich ein filmisches Denkmal zu setzen. Seine Adaption bleibt ein Meilenstein des Fantasykinos, dessen Wirkung weit über die Grenzen des Genres hinausreicht.

THE LORD OF THE RINGS: THE TWO TOWERS (Peter Jackson, 2002)

War will make corpses of us all.

Auch wenn der zweite Teil keine Fortsetzung im üblichen Sinne ist, sondern sich quasi nahtlos an den ersten Teil anschließt, wirkt er insgesamt weniger makellos als sein Vorgänger. Das beginnt bereits beim Score: Howard Shores Musik ist weiterhin kraftvoll und thematisch reich, erreicht jedoch nicht mehr die emotionale Wucht und die präzise motivische Verzahnung, die The Fellowship of the Ring so außergewöhnlich geprägt hat.

Trotz des deutlich höheren Actionanteils schleichen sich kleine erzählerische Längen ein. Besonders die Passagen im Fangorn-Wald geraten mitunter etwas zäh, was weniger an der Atmosphäre liegt als an der gemächlichen Inszenierung der Entszenen. Auch der Subplot rund um die Gefangennahme von Merry und Pippin verliert zwischendurch an Spannung, bevor er später - im Kontext der Entscheidung der Ents - wieder an dramaturgischer Bedeutung gewinnt.

Einer der schönsten Momente ist jener, in dem die Elben in einem Fackelzug nach Helm's Deep einziehen, um den dorthin geflüchteten Menschen aus Rohan zu Hilfe kommen. Hier passt auch die Musik wie die Faust aufs Auge und verleiht der Szene eine feierliche Erhabenheit.

The Two Towers ist zweifellos ein sehr guter Film: visuell überwältigend, erzählerisch ambitioniert und reich an ikonischen Bildern. Dennoch fällt er im direkten Vergleich zu The Fellowship of the Ring etwas ab. Ihm fehlt jene perfekte Balance aus Atmosphäre, Figurenzeichnung und dramaturgischer Klarheit, die den ersten Teil so außergewöhnlich macht. Als Mittelstück einer Trilogie erfüllt er seine Aufgabe hervorragend, doch die Magie des Auftaktfilms erreicht er nicht vollständig.

THE CREATOR (Gareth Edwards, 2023)

Like it or not, Joshua: You are part of us now.

Bei Edwards bisherigen Arbeiten ist eine klare Fokussierung auf Science-Fiction-Themen erkennbar. The Creator ist ein wilder Genre-Mischmasch und zählt zweifellos Blade Runner zu seinem Haupteinfluss. Aber auch Neill Blomkamps Districht 9 und natürlich James Camerons The Terminator lassen grüßen. Den Bezug zu Apocalypse Now, von dem in einigen Kritiken die Rede war, halte ich für zu weit hergeholt. 

Die Androiden werden hier Simulanten genannt und sind im Gegensatz zu Replikanten leicht an ihrer Kopföffnung zu erkennen. Praktischerweise verfügen sie auch über einen Schalter, mit dem man sie auf Standby setzen kann. Wie auch bei Scotts Meisterwerk stehen hier Fragen im Fokus, inwieweit Maschinen Gefühle und Empathie entwickeln können und was sie von Menschen unterscheidet. 

Als erfrischend habe ich es empfunden, einmal einen Film zu sehen, in dem die USA das ultimative Böse verkörpern, auch wenn es natürlich an den Haaren herbeigezogen ist, dass ausgerechnet die USA als führende Nation in der AI-Entwicklung die Nutzung derselben aufgrund einer Fehlfunktion verbieten sollten. Und wenn wir schon bei Ungereimtheiten sind: die Vorstellung, dass AI ausschließlich friedlich existieren möchte, ohne eigene Machtansprüche, könnte realitätsfremder kaum sein. Diesbezüglich ist The Terminator weitaus näher an der Realität. Doch sei's drum: übelnehmen mag man dies dem Film nicht. Zumindest ich konnte darüber großzügig hinwegsehen. 

Inszenatorisch lässt Edwards nichts anbrennen. Das Tempo bleibt hoch, die Effekte wirken nie wie Selbstzweck, und der Score von Hans Zimmer legt sich wie ein pulsierender Teppich unter die Bilder. Das Drehbuch verschenkt an manchen Stellen Potenzial, doch die Vision, die der Film entwirft, ist stark genug, um den Zuschauer darüber hinwegsehen zu lassen. Eine Welt, in der Androiden den Garten pflegen, Kinder erziehen und sich nahtlos in den Alltag einfügen - eine Zukunft, die zugleich verlockend und beunruhigend wirkt. 

The Creator bietet Einblicke in eine Welt, die sich irgendwo zwischen Traum und Warnung bewegt, deren Faszination man sich jedoch nur schwer entziehen kann.

THE LORD OF THE RINGS: THE FELLOWSHIP OF THE RING (Peter Jackson, 2001)

One ring to rule them all.

Die letzte Sichtung liegt gut zwanzig Jahre zurück, damals noch auf DVD und meiner alten Dolby‑Digital‑5.1‑Anlage. Seitdem hat sich nicht nur die Heimkino‑Technik weiterentwickelt, sondern auch mein Blick auf Filme. Höchste Zeit also für eine Auffrischung, diesmal in zeitgemäßer Bild‑ und Tonqualität. Schon beim Start spürte ich eine Mischung aus Nostalgie und Vorfreude, als würde ich ein lange verschlossenes Kapitel meiner eigenen Filmgeschichte wieder aufschlagen.

Andrew Lesnies atemberaubende Bilder und Howard Shores hypnotischer Score bilden die perfekte Symbiose, eine audiovisuelle Einheit, die Jackson mit beeindruckender Souveränität orchestriert. Bei der Wahl der Darsteller bewies der Neuseeländer ein glückliches Händchen, indem er überwiegend auf damals noch wenig bekannte Schauspieler setzte, die ihre Rollen sehr authentisch füllten. Viele von ihnen wurden durch diese Trilogie über Nacht zu Weltstars - ein Risiko, das sich rückblickend als genialer Schachzug erwies. Herausragend auch die mit viel Aufwand und sehr detailliert gestalteten Sets, die die Illusion von Mittelerde perfekt machen. Man spürt in jeder Szene die Liebe zum Handwerk, die Hingabe der Designer, die unzähligen Stunden, die in Miniaturen, Requisiten und Landschaftsaufnahmen stecken.

Im Hinblick auf die Effekte ist Fellowship of the Ring gut gealtert und kann sich auch heute noch sehen lassen, selbst wenn 4K‑Auflösung und große Displays gelegentlich die digitale Herkunft einzelner Shots entlarven.

Der erste Teil der Trilogie begeistert mit einem Sammelsurium faszinierender Charaktere, fremdartigen Wesen und einer mystischen Atmosphäre, die den Geist der literarischen Vorlage gekonnt einfängt. The Fellowship of the Ring ist schlicht und ergreifend ein perfekter Film - ein Werk, das seine Magie auch nach Jahrzehnten nicht verloren hat und von der ersten bis zur letzten Einstellung ungebrochene Kraft entfaltet. 

GLADIATOR II (Ridley Scott, 2024)

Strength and honor!

Eine Fortsetzung von Gladiator hätte ich nicht unbedingt gebraucht, aber wenn sie schon mal in der Welt ist, kann man sie auch schauen. Dabei war mir von vorneherein klar, dass sie nicht mit dem Original würde mithalten können, das zweifelsohne zu den stärksten Arbeiten des britischen Starregisseurs zählt und bis heute einen festen Platz im modernen Historienkino hat.

Eine der größten Schwächen ist das Drehbuch. Gladiator II fehlt es in erster Linie an emotionaler Tiefe und einer interessanten Story. Die Handlungselemente wirken zum Teil beliebig aneinandergereiht. Wie schon beim Vorgänger schert Scott sich nicht um historische Genauigkeit und mischt reale Personen und Ereignisse wild durcheinander. Und englischsprachige Gravuren im alten Rom sind für ihn auch kein Problem, wobei die Tatsache, dass die handelnden Personen alle englisch sprechen natürlich genauso falsch ist und diesen Fauxpas ein Stück weit relativiert. Im Übrigen soll Gladiator II der Unterhaltung dienen und versteht sich nicht als Geschichtsstunde.

Auch die Darsteller können nur bedingt überzeugen. Paul Mescal in der Hauptrolle wirkt bieder, bestenfalls solide. Er bringt zwar physische Präsenz mit, doch seine Figur bleibt über weite Strecken vergleichsweise blass. Der eigentliche Star ist Denzel Washington, der mehr Charisma hat als der restliche Cast zusammen. Die von "Schönheitsoperationen" entstellte Connie Nielsen wirkt befremdlich und die beiden kaiserlichen Brüder gerieren sich wie verhaltensgestörte Kinder. Auffällig ist auch, dass sämtliche Charaktere, die Böses im Schilde führen, über eine deutlich wahrnehmbare feminine Seite verfügen. Dies schließt selbst Denzel Washington ein. Ob Scott ihnen damit eine homosexuelle Komponente verleihen wollte oder ob das eher dem Zufall geschuldet ist, sei dahingestellt. 

Auf der Habenseite stehen die gut choreographierten Kampfszenen und der recht deftige Gewaltgrad, der den Schlachten die nötige Härte verleiht. Außerdem hatten die Macher ein paar witzige Ideen wie Haie im überfluteten Colosseum oder das berittene Nashorn, auch wenn das nüchtern betrachtet völliger Blödsinn ist. Trotzdem steigern sie den Unterhaltungswert der Arena‑Sequenzen erheblich und sorgen für einige erinnerungswürdige Momente. Wie schon beim Vorgänger wurde ein immenser Aufwand betrieben, um das historische Rom wiederauferstehen zu lassen, und das zahlt sich aus. Die Atmosphäre ist rundum stimmig und das gelungene Sounddesign ermöglicht es dem Zuschauer, in diese Welt einzutauchen. Auch die Kameraarbeit überzeugt mit dynamischen Bewegungen und eindrucksvollen Totalen.

Alles in allem überwiegen die positiven Aspekte. Epische Bilder, spannende Kämpfe, liebevoll gestaltete Sets und eine dichte Atmosphäre. Wer bereit ist, die dramaturgischen Schwächen zu akzeptieren, bekommt ein visuell beeindruckendes Spektakel, das nie langweilt. Unterhaltsames Popcorn-Kino, und mehr will Gladiator II auch gar nicht sein.

CRAWL (Alexandre Aja, 2019)

Apex predator all day!

Crawl verliert keine Zeit mit einer ausufernden Einführung. Die junge Haley wird knapp als Hochleistungsschwimmerin etabliert, das angespannte Verhältnis zu ihrem Vater - zugleich ihr ehemaliger Trainer - angerissen und dessen Verschwinden erwähnt. Kurz darauf steckt man bereits mitten im immer stärker werdenden Hurrikan, der den Südosten der USA heimsucht. Auf der Suche nach ihrem Vater erreicht Haley das ehemalige Familienhaus inmitten des Evakuierungsgebiets. Im Keller trifft sie nicht nur auf ihren schwer verletzten Vater, sondern auch auf zwei Alligatoren, die dort inzwischen ihr Revier beanspruchen.

Crawl ist ein Film ganz nach meinem Geschmack. Produziert von Sam Raimi und inszeniert von dem Franzosen Alexandre Aja, entfaltet sich nach der knappen Exposition ein gnadenloser Überlebenskampf. Haley und ihr Vater müssen sich nicht nur gegen die gefräßigen Tiere behaupten, sondern auch gegen die Zeit, denn der Keller füllt sich unaufhaltsam mit Wasser. Aja erzählt das alles sehr kompakt, ohne überflüssige Abschweifungen, vollkommen humorfrei und konzentriert auf das Wesentliche. Die Effekte sind durchweg solide: Die Alligatoren wirken sehr realistisch, während man den Flutwellen ihre digitale Herkunft gelegentlich ansieht.

Besonders hervorzuheben ist das überragende Sounddesign. Der druckvolle 7.1‑Mix liefert eine ganze Reihe präziser Schockmomente aus allen Richtungen, und die wuchtigen Bässe setzen die Auftritte der Alligatoren dynamisch in Szene. Da ein Großteil der Handlung im sich langsam füllenden Keller spielt, entsteht eine klaustrophobische Atmosphäre, die die Spannung zusätzlich verdichtet. Das Ergebnis ist ein atemloses, knapp 90‑minütiges Survival‑Szenario, das kaum Verschnaufpausen zulässt.

Beanstanden lässt sich höchstens die übertriebene Widerstandskraft der Protagonisten. Selbst schwerste Bissverletzungen werden mit einem schnellen Druckverband abgetan, und weiter geht’s. Realistisch ist das nicht, aber dem Vergnügen tut es keinen Abbruch. Crawl ist ein äußerst kurzweiliger, hochgradig spannender Schocker, der die Zeit wie im Flug vergehen lässt. Sehr schön.  

TOP GUN: MAVERICK (Joseph Kosinski, 2022)

Your kind is headed for extinction.

Ich habe Top Gun mangels Interesse nie gesehen. Aufgrund der durchweg positiven Kritiken landete der Nachfolger dann aber doch in meinem Player.

Die Fortsetzung des 1986er Hits wartet mit einer formelhaften Dramaturgie und schablonenhaften Figuren auf, in der die bekannten klassischen Versatzstücke routiniert abgearbeitet werden. Das macht die Handlung in weiten Teilen vorhersehbar und erzählerisch wenig originell. Geht man jedoch mit entsprechend angepassten Erwartungen an die Sichtung, kann der Film durchaus überzeugen. Die straffe Inszenierung sorgt für Tempo, und vor allem die überragend umgesetzten Flugsequenzen entfalten eine beeindruckende Wucht - nicht zuletzt auch deshalb, weil sie mit echten Maschinen gedreht wurden. Der CGI‑Einsatz beschränkt sich auf Flares, Raketen und ähnliche Effekte.

Stellenweise hat der Film in seiner Darstellung der Air Force etwas von einem Werbefilm für das US-Militär: Hochglanz‑Bilder, heroische Sprüche und ein insgesamt sehr positives Bild der Streitmacht. Gleichzeitig vermeidet es Kosinski sorgfältig, konkrete Nationen zu nennen oder irgendeinem Land auf den Schlips zu treten - ein bewusst neutral gehaltener geopolitischer Rahmen, der mögliche Kontroversen elegant umschifft.

Tom Cruise liefert eine solide Performance ab, Jennifer Connelly sieht gut aus und kann mit ihrer äußerst charmanten Art überzeugen und der damals schon todkranke Val Kilmer liefert einen kurzen, aber bewegenden Gastauftritt. 

Unterm Strich ist Top Gun: Maverick eine recht unterhaltsame und leidlich spannende Angelegenheit, die erzählerisch konventionell bleibt, aber handwerklich auf hohem Niveau abliefert.

TENET (Christopher Nolan, 2020)

What's happened, happened.

Christopher Nolans elfter Spielfilm beginnt wie ein James‑Bond‑Ableger: elegante Schauplätze, auf der Welt verteilt, eine internationale Krise, ein Protagonist mit Geheimauftrag. Doch natürlich wäre es zu einfach, Tenet auf diese Ebene zu reduzieren. Nolan schlägt sehr schnell den Haken in jene Richtung, die sein Werk seit Jahren prägt: komplexe Konzepte, verschachtelte Zeitstrukturen und eine Erzählweise, die den Zuschauer eher herausfordert als an die Hand nimmt.

Die Invertierung von Objekten ließ sich für mich noch halbwegs nachvollziehen. Sobald jedoch Menschen invertiert agieren, verschiebt sich die Komplexität in Regionen, in denen ich mich intellektuell überfordert fühlte. Das Grundprinzip war klar, doch beim Verständnis, was das nun konkret in der jeweiligen Szene bedeutet, wünschte ich mir, ich hätte früher im Physik-Unterricht besser aufgepasst. Besonders die finale Auseinandersetzung, in der invertierte und nicht invertierte Kämpfer parallel agieren und dadurch viele Sequenzen rückwärts ablaufen, ist zwar visuell beeindruckend, aber auch sehr unübersichtlich und erzählerisch kaum zu durchdringen. Als Zuschauer hat man letztlich keine realistische Chance, das tatsächliche Geschehen vollständig zu erfassen.

Dem Unterhaltungswert schadet das erstaunlicherweise kaum. Inszenatorisch liefert Nolan erneut Großes: wuchtige Bilder, präzise Choreografien und ein Score, der das Geschehen mit brachialer Energie vorantreibt. Bedauerlich bleibt allerdings seine Entscheidung, bei seinen Filmen weiterhin auf DTS‑HD zu setzen. Eine Dolby‑Atmos‑Tonspur hätte die akustische Dimension dieses Films sicherlich noch imposanter wirken lassen.

Weniger glücklich ist die Besetzung. John David Washington macht seine Sache solide, doch echte Präsenz entwickelt er selten. Und die 1,90 Meter große Elizabeth Debicki sieht weder gut aus, noch hat sie Ausstrahlung oder Charisma. Entsprechend wirkt die angedeutete Romanze zwischen beiden eher behauptet als greifbar. Robert Pattinson hingegen setzt ein paar Akzente, und Kenneth Branagh dominiert den Film ohnehin mit einer Intensität, die die übrigen Darsteller mühelos überstrahlt.

Tenet ist ein exzellent inszenierter, äußerst spannender Film, dessen Handlung ich zwar nicht richtig erfassen konnte, der mir aber dessen ungeachtet eine Menge Spaß gemacht hat. James Bond meets Terminator sozusagen. Eine Zweitsichtung drängt sich hier geradezu auf, um vielleicht das ein oder andere Verständnisproblem zu lösen. In meiner Rangliste der Nolan-Filme würde ich Tenet aber ziemlich weit unten ansiedeln.