THE PLUMBER (Peter Weir, 1979)

Bei The Plumber handelt es sich um Film, den Peter Weir für das australische Fernsehen gedreht hat. Jill ist alleine zu Hause, als eines morgens der Klempner Max klingelt und behauptet, er müsse im Auftrag der Wohnungseigentümer die Abflussrohre im Bad überprüfen. Jill lässt ihn gewähren und wundert sich bald über das sonderbare Gebaren des Handwerkers, der zunächst mal die Dusche benutzt statt seiner Arbeit nachzugehen. Nachdem er dann schließlich eines der Wasserrohre in der Wand freigelegt hat, informiert er Jill, dass in größerem Umfang Rohre auszuwechseln sind. Während der folgenden Tage entwickelt Jill ein immer größeres Misstrauen Max gegenüber, das schließlich in regelrechte Angst umschlägt. Hinzu kommt, dass sie mit ihren Ängsten alleine ist, da ihr Mann beruflich sehr beschäftigt ist und ihr kaum zuhört, wenn sie vom Klempner erzählt, und ihre Freundin Max eher attraktiv findet als bedrohlich.

Der Film schafft es Spannung aufzubauen, ohne das großartig etwas passiert. Abgesehen davon, dass Max das Badezimmer in eine Großbaustelle verwandelt, scheint er ein zwar leicht durchgeknallter aber doch recht sympathischer Bursche zu sein, der auf eine etwas unkonventionelle Weise seiner Arbeit nachgeht. Dennoch ist man sich nie ganz sicher, ob an Jills Befürchtungen nicht doch was dran sein könnte, zumal ich einen derartig schlampig arbeitenden Handwerker schon nach dem ersten Tag nicht mehr ins Haus gelassen hätte. Jill hingegen erscheint komplett unfähig, eine Entscheidung zu treffen und Max wüster Arbeit Einhalt zu gebieten. Ihr einziges Mittel, sich gegen ihn durchzusetzen, ist, auf seiner geringen Bildung und seiner ihr unterlegenen Intelligenz herumzureiten. Dort liegt seine Schwachstelle, die Jill dann am Ende gnadenlos ausnutzt, um ihn endgültig loszuwerden.

Unter dem Strich war mir der Film dann doch etwas zu unspektakulär, trotz des gelungenen Twists zum Schluss. Formal wie inhaltlich unterscheidet sich The Plumber recht deutlich von Weirs übrigen Arbeiten, und hätte ich es nicht gewusst, wäre ich nie darauf gekommen, dass er Regie geführt hat. Ein nett gemachter, kleiner Film für zwischendurch – mehr nicht. 

THE DESCENT (Neil Marshall, 2005)

Mit "modernen" Horrorfilmen kann ich normalerweise wenig anfangen, aber auf The Descent war ich schon ein kleines bisschen neugierig, nachdem ich einige positive Kritiken gelesen hatte. Also schön das Wohnzimmer abgedunkelt und auf anderthalb gruselige Stunden gefreut, aber stattdessen gab es nur Tristesse und gähnende Langeweile. Nach der ersten halben Stunde wollte ich schon ausschalten, weil mir die Mädels tierisch auf die Nerven gingen, aber wenn ich einen Film mal angefangen habe, stehe ich ihn normalerweise auch bis zum Ende durch. 

Die 105 Minuten zogen sich wie Kaugummi, echte Spannung kam zu keiner Zeit auf und es war mir auch völlig egal, ob die Tanten alle in der Höhle krepieren oder nicht. Erkennen konnte man sowieso nicht viel, die Kämpfe mit den Albino-Gollums waren ein einziges Durcheinander, aus dem ab und zu eine rote Blutfontäne hervorstach. 

Ein immer wieder gemachter Fehler bei Filmen dieser Art ist es, den Schrecken zu deutlich zu zeigen und ihn damit seiner Wirkung zu berauben. So auch hier. Hat man die buckligen Viecher erstmal gesehen, sitzen nicht einmal mehr die Schockeffekte, wenn eines von ihnen unverhofft auftaucht. Mehr als billige Effekthascherei und ein paar derbe Splattereinlagen, die aufgrund der Dunkelheit, der wackligen Kameraführung und des epilepsieauslösenden Schnittstakkatos sowieso nicht zu erkennen sind, hat der Film nicht zu bieten. Obwohl - nicht ganz: die letzten fünf Minuten fand ich wirklich gelungen, aber das war's auch schon. Schade um die verschenkte Zeit.

PS: warum die eine (Namen vergessen) der anderen (Namen auch vergessen) am Schluss die Axt ins Bein haut, habe ich nicht verstanden. Ist aber auch egal.           

THE CARS THAT ATE PARIS (Peter Weir, 1974)

Yeah, those old pedestrians are a real problem, aren't they?

Peter Weirs Spielfilm-Debut steht schon lange auf meiner Liste der zu sichtenden Filme. Gestern kam endlich die DVD, und so landete das gute Teil gleich im Player. Die durch den Titel ausgelöste Befürchtung, hier handele es sich um einen Film mit menschenfressenden Autos, bestätigte sich zum Glück nicht. Auch wenn hier und da Elemente des Horrorfilms verwendet werden, handelt es sich in erster Linie um eine zynische Komödie, die mehr als einmal ins Surreale driftet.

Die Bewohner der Kleinstadt Paris, irgendwo im australischen Hinterland gelegen, leben von einem Tourismus der besonderen Art: Besucher werden vorsätzlich in Autounfälle verwickelt, die oftmals tödlich in den steil abfallenden Abhängen der Zufahrtsstraße enden. Überlebende werden entweder zwangsweise in die Gemeinschaft integriert oder vom lokalen Arzt medizinischen Experimenten unterzogen, die sie als hilflose „Veggies“ zurücklassen. In der Zwischenzeit plündern die Einwohner die Autowracks und machen sich über die Habseligkeiten der Opfer her.

So ergeht es auch Arthur, der als Beifahrer mit seinem Bruder auf der Suche nach Arbeit im Auto unterwegs ist und auf dem Weg nach Paris verunglückt. Während sein Bruder stirbt, wird Arthur vom Bürgermeister überredet, in Paris zu bleiben. Aufgrund eines Traumas, das er erlitten hat weil er vor Jahren einen älteren Mann totgefahren hat, kann er nicht mehr autofahren und wäre ohnehin nicht in der Lage, ohne Hilfe die Stadt zu verlassen. Er darf zunächst beim Bürgermeister wohnen, dessen zwei Töchter ebenfalls Unfallopfer sind, und bekommt Arbeit als Parkplatzkontrolleur. Alle sind nett und hilfsbereit und doch dämmert es Arthur sehr bald, dass mit diesen Menschen etwas nicht stimmt...

Weirs Kernthema, nämlich der Konflikt zwischen zwei verschiedenen Kulturen/Weltanschauungen, offenbart sich hier in der Auflehnung der Jugend, die mit aus Schrottteilen zusammengebauten und bunt bemalten Autos die Unfälle verursacht und von den Älteren kaum noch kontrolliert werden kann gegen eben diese Älteren, deren skrupellose, systematische Morde an Durchreisenden der Verrohung der Jugend Vorschub geleistet haben. Die Lage eskaliert, nachdem es zu einem Sergio-Leone-mäßigen Showdown zwischen dem Parkplatzwächter Arthur und einem falsch parkenden Jungspund samt Kumpels kommt. Die darauffolgende Bestrafung des Falschparkers durch Abfackeln seines Autos ist ein Affront, den die Jugendlichen nicht hinnehmen können, da in Paris das Auto nicht nur ein Statussymbol ist sondern praktisch alles, was das Leben ausmacht. Die Autos sind die Seele der Menschen oder die Autos haben ihre Seele „gefressen“ – so lässt sich auch der Titel des Films erklären.

Weirs Frühwerk zeigt schon viel von seiner späteren Brillanz, wenn auch einige Schwächen nicht zu übersehen sind, wie diverse Logiklöcher oder das nicht vorhandene Charisma des Hauptdarstellers, das eine Identifizierung mit ihm schwer macht. Die positiven Aspekte überwiegen aber bei weitem. Die Story ist ebenso witzig wie originell, die Darsteller machen ihre Sache gut, inbesondere John Meillon als Bürgermeister weiß zu überzeugen, und auch die Materialschlacht am Schluss, wenn die Autos der Jugend den Ort in Trümmer legen, ist angesichts des mageren Budgets ansprechend in Szene gesetzt.

WITNESS (Peter Weir, 1985)

Witness beginnt wie ein normaler Thriller, schlägt aber sehr bald romantische Töne an. Wie bei fast allen Filmen Peter Weirs steht auch hier das Aufeinandertreffen zweier Kulturen im Mittelpunkt. Der weltlich geprägte Polizist John Book taucht bei den Amish unter, nachdem seine korrupten Kollegen die Jagd auf ihn eröffnet haben. Dabei verlagert sich sein anfänglich rein dienstliches Interesse an dem kleinen Samuel, der der einzige Zeuge eines Mordes ist, nach und nach auf dessen frisch verwitwete Mutter Rachel. Eine Liebe, die aufgrund der unterschiedlichen Lebensumstände zum Scheitern verurteilt ist.

Die teilweise recht spaßigen Bemühungen der Amish-Darsteller deutsch zu sprechen weckten Erinnerungen an den famosen Die Hard, auch wenn Hans Gruber und Konsorten dort noch unbeholfener klingen. Jedenfalls hatte ich weitaus mehr Mühe, die deutsch gesprochenen Passagen zu verstehen als die englischen. 

Ansonsten aber ein rundum gelungener Film, der nach dem beinahe besinnlichen Mittelpart bei den Amish noch mit einem spannenden Showdown aufwartet. 

BAD TASTE (Peter Jackson, 1987)

I'm a Derek. Dereks don't run.

Peter Jacksons Debut zählt zu den wenigen Filmen, bei denen ich lauthals lachen kann, und das, obwohl ich es schon so oft gesehen habe. Eine solche Anhäufung von bekloppten Einfällen findet man selten. Alleine Dereks Bemühen, die auf dem Boden liegende Hirnmasse wieder in seinem aufgeplatzten Schädel unterzubringen und das Ganze mit seinem Gürtel zu fixieren, haut mich jedes Mal fast vom Sofa.

Überhaupt: die Story um die Außerirdischen, die eine Fastfood-Kette mit Menschenfleisch betreiben, kann sich nur ein Geisteskranker wie Jackson ausdenken. Zusätzliche Pluspunkte sammelt er dadurch, dass er mit ein paar nicht minder bekloppten Kumpels alle Kulissen und Requisiten in mühevoller Kleinarbeit selbst gebaut hat. Hier waren echte Filmfreaks im wahrsten Sinne des Wortes am Werk, und soviel Idealismus gehört alleine schon belohnt. In diesem Sinne: Eat lead, sucker! 

BA MÙA / THREE SEASONS (Tony Bui, 1999)

Three Seasons erzählt parallel mehrere Geschichten, die ganz lose miteinander verbunden sind: eine Blumenverkäuferin, die eine besondere Beziehung zu ihrem leprakranken Chef entwickelt, der sich komplett von der Außenwelt zurückgezogen hat, ein Fahrradkurrier, der sich in eine Nutte verliebt, die sich wiederum nach einem besseren Leben sehnt (was sie zunächst mit finanziellem Reichtum gleichsetzt) und ein kleiner Straßenjunge, der auf einen ehemaligen US-Soldaten auf der Suche nach seiner Tochter trifft, und diesen verdächtigt, seinen Bauchladen gestohlen zu haben.

Tony Buis bisher einziger Spielfilm ist eine vietnamesisch-amerikanische Koproduktion, die u.a. von Harvey Keitel, der auch den US-Soldaten spielt, produziert wurde. Dieser repräsentiert, stellvertretend für die USA, das nicht verarbeitete Trauma Vietnam, das sich in Form seiner ihm unbekannten Tochter offenbart, die er anhand eines Fotos sucht, das ihre Mutter, mit der er in seiner Zeit in Vietnam eine Beziehung hatte, ihm vor ihrem Tod geschickt hat. Er will seine Tochter finden, um endlich innerlich mit dem Thema Vietnam abschließen zu können und seinen Seelenfrieden zu finden. Die Geschichte um den Fahrradkurrier und die Nutte zeigt das Aufeinandertreffen des alten traditionellen Vietnam mit der neuen kapitalistischen, westlichen Welt, der sich die Nutte gerne zugehörig fühlen würde.

Der Film punktet mit seinen ungemein sympathischen Darstellern, wunderschönen Bildern, seiner poetischen Erzählweise und nicht zuletzt seiner positiven Grundaussage. 

TUCKER: THE MAN AND HIS DREAM (Francis Ford Coppola, 1988)

The car of tomorrow... today.

Coppola setzte seine persönliche Faszination für den legendären 1948 Tucker Sedan (Coppola hatte ebenso wie Produzent George Lucas bei Drehbeginn noch zwei Exemplare in seinem Besitz – wie das heute aussieht, weiß ich leider nicht) in Anlehnung an den 1948er Werbefilm für das Auto Tucker: The man and his car um und nutzte sogar eine leichte Abwandlung des Titels für seinen eigenen Film. Dem entsprechend wirkt Tucker (der Film) speziell zu Beginn wie ein Werbefilm, und auch im späteren Verlauf werden immer wieder aus dem Off gesprochene Passagen in typischer Verkäufermanier eingefügt. Ergänzt wird dies durch eine leicht theatralische Darbietung der Schauspieler, insbesondere Jeff Bridges spielt wie ein Darsteller auf einer Theaterbühne. Überhaupt ist es in erster Linie der brillanten Leistung von Bridges zu verdanken, dass der Film so gut funktioniert, denn er spielt den Idealisten Preston Tucker mit einer solchen Hingabe und Begeisterung, dass man als Zuschauer am liebsten selbst mitanpacken würde, damit das Auto schneller fertig wird. Beeindruckend zu sehen, wie weit Tucker damals seiner Zeit voraus war und wie er die zahlreichen Probleme, die sich ihm in den Weg stellten und den immensen zeitlichen Druck meisterte.

Coppola hält sich weitgehend an die tatsächlichen Geschehnisse, nimmt sich jedoch gegen Ende auch einige dramaturgische Freiheiten. Wenn man sich den oben bereits erwähnten Werbefilm ansieht, der auf der hervorragenden DVD von Paramount als Bonus enthalten ist, merkt man wie detailversessen Coppola gearbeitet hat. Die Szene, in der der Proto-Typ des Tucker der Öffentlichkeit vorgestellt wird, ist beinahe eine exakte Kopie der echten Szene, inklusive der unfreiwilligen Champagnerdusche.

Tucker ist ein mitreißender, wunderschön fotografierter Film über den visionären Autobauer, dessen Ideen damals revolutionär waren und heute Standard in jedem Auto sind (Sicherheitsgurte, Scheibenbremsen, Benzineinspritzung, etc.). Besonders ergreifend fand ich sein Plädoyer am Ende der Gerichtsverhandlung, wo er es mit nur wenigen Sätzen schafft, den ganzen Saal für sich einzunehmen.  

THE CONVERSATION (Francis Ford Coppola, 1974)

I don't care what they're talking about. All I want is a nice, fat recording.

Gene Hackman spielt den Abhörspezialisten Harry Caul, der durch seine spektakulären Arbeiten innerhalb der Szene einen gewissen Ruhm erlangt hat. Bei seinem neuesten Auftrag soll er ein Pärchen während der Mittagspause abhören, mitten auf einem belebten Platz. Doch kein Problem für Caul, der bisher noch jeden Auftrag gemeistert hat.

Nach dem etwas langsamen Beginn, in dessen Verlauf Caul das zunächst harmlos klingende Gespräch über insgesamt drei Mikrofone aufzeichnen lässt, entwickelt diese Aufnahme recht bald eine Brisanz, die nicht nur Caul sondern auch den Zuschauer unweigerlich in ihren Bann zieht. Eine der Stärken des Films ist (Antonionis Blow-Up lässt grüßen), dass dem Zuschauer das Brisante des Gesprächs geradezu beiläufig vermittelt wird. Es gibt keinen großen Aha-Effekt; die Erkenntnis, dass es sich eben nicht um eine harmlose Plauderstunde handelt, stellt sich erst nach und nach im Verlauf einer halben Stunde ein. Dies gelingt Coppola mit seiner ruhigen, unaufgeregten Erzählweise, der sich Hackmans sparsam dosiertes Spiel perfekt anpasst und der ständigen Wiederholung der entscheidenden Passagen.

Harry Caul ist sozial isoliert, er leidet unter Verfolgungswahn. Er erzählt nichts von sich, er hat seine Wohnungstür mit einem doppelten Schloss und Alarmanlage gesichert, er ist unfähig, anderen Menschen zu vertrauen oder eine normale Beziehung zu einer Frau einzugehen. Sein grundlegendes Prinzip ist, sich bei der Arbeit darauf zu beschränken, dem Auftraggeber die gewünschten Resultate zu liefern und sich nicht für den Inhalt der Aufnahmen zu interessieren. Doch weil er mit einem seiner Aufträge in der Vergangenheit die Grundlage für die Ausrottung einer ganzen Familie gelegt hat, will er nicht untätig bleiben und sein Gewissen mit weiteren Opfern belasten. Seine tiefe Religiosität, die sich in vielen Details während des Handlungsverlaufs offenbart, scheint auf diese Schuldgefühle zurückzuführen zu sein. 

Er versucht daher alles, den geplanten Mord, von dem er zu wissen glaubt, zu verhindern, indem er die Aufnahme nicht seinem Auftraggeber aushändigen sondern zerstören will. Zu spät merkt er, dass er die Unterhaltung völlig falsch interpretiert hat und wird schließlich Mitwisser eines kaltblütigen Mordes, den er mit seiner Arbeit erst ermöglicht hat. Doch damit nicht genug: als er am Telefon erfährt, dass er nun selbst abgehört wird, weil er zuviel weiß, bricht seine Welt endgültig zusammen. Am Ende sitzt er in seiner von ihm selbst auf der vergeblichen Suche nach der Abhöreinrichtung verwüsteten Wohnung, Saxophon spielend, dem Wahnsinn nahe. 

THE GUNS OF NAVARONE (J. Lee Thompson, 1961)

Ein durchweg spannender Abenteuerfilm um ein Spezialteam, das den zunächst hoffnungslos erscheinenden Auftrag hat, die beiden Geschütze von Navarone zu sprengen. 

Wie bei den ähnlich angelegten Where Eagles Dare und The Dirty Dozen dient der Krieg eigentlich nur als Kulisse, wenn auch hin und wieder anklingt, dass die Männer kriegsmüde sind und am liebsten einfach nach Hause gehen würden. Innerhalb der Gruppe kommt es auch immer wieder zu Konflikten, insbesondere Mallory und Miller geraten des öfteren aneinander. 

Erwähnenswert noch, dass der Film sich nicht auf die für dieses Genre übliche Schwarzweiß-Zeichnung beschränkt und die Unterschiede in der Gesinnung zwischen dem sadistischen SS-Hauptmann und den übrigen Soldaten deutlich herausstreicht. Trotzdem ist The Guns Of Navarone ein reinrassiger Abenteuer- und Actionfilm, und nichts anderes will er sein. Und als solcher funktioniert er - auch dank seiner Starbesetzung (Gregory Peck, David Niven und Anthony Quinn) - ausgesprochen gut.

THE CAINE MUTINY (Edward Dmytryk, 1954)

Humphrey Bogart einmal nicht in der Rolle des supercoolen Machos, den nichts aus der Ruhe bringen kann. Seine Verkörperung des paranoiden Captain gefiel mir ausgesprochen gut. Auch die übrigen Darsteller geben sich keine Blöße und machen The Caine Mutiny zu einem hervorragenden Stück Film. Dafür sorgen nicht zuletzt auch die erstklassigen Dialoge. 

Die Special Effects während des Sturms verraten natürlich das Alter des Films, aber das tut dem Vergnügen keinen Abbruch. Die Krönung jedoch waren die letzten 10 Minuten, in denen der Anwalt die scheinbar triumphalen Sieger des Prozesses auf den Boden der Tatsachen zurückholt und ihnen knallhart ihr eigenes Fehlverhalten aufzeigt. 

THE DUELLISTS (Ridley Scott, 1977)

Scotts erster Spielfilm gehört sicherlich zu seinen besseren Werken, auch wenn er mich nicht ganz zufriedenstellt. Die Story um zwei verfeindete Offiziere während der Zeit Napoleons, die sich wegen einer Nichtigkeit bei jedem Treffen duellieren, basiert auf einem Roman Joseph Conrads, den ich allerdings nicht kenne. Scotts visuelle Umsetzung punktet vor allem mit den atemberaubenden Landschaftsaufnahmen, die oftmals wie Gemälde der Romantik aussehen. Insbesondere die diversen Duelle im Morgengrauen wirken fast so, als hätte man die Darsteller in zeitgenössische Gemälde hineinprojiziert. Zudem gelang es Scott, durch Auswahl der richtigen Locations den Film wesentlich teurer wirken zu lassen als er tatsächlich war. Das vergleichsweise geringe Budget von nicht einmal einer Million Dollar sieht man ihm jedenfalls zu keiner Zeit an.

Was mich allerdings etwas stört ist die Kälte, mit der der Film umgesetzt ist. Das Verhältnis des Betrachters zu den Figuren bleibt die gesamte Spielzeit über sehr distanziert, man erfährt kaum etwas über die Charaktere. Selbst über D'Hubert, aus dessen Perspektive erzählt wird, weiß man am Ende nicht viel. Dies macht eine Identifizierung mit den handelnden Personen nicht gerade leicht. 

Hinzu kommt, dass der Schnitt – insbesondere in der ersten Hälfte, aber auch später, unfertig wirkt. So als wäre der Film ursprünglich viel länger gewesen, als hätte man ihn mit Gewalt auf die jetzige Laufzeit getrimmt. Immer wieder werden Personen eingeführt, die plötzlich dann wieder verschwinden oder es tauchen aus dem Nichts heraus Figuren aus, wie beispielsweise D'Huberts Schwester (?), bei der er plötzlich wohnt und mit ihren Kindern spielt, ohne dass man weiß warum. Ok, mag vielleicht auch Absicht sein, dennoch habe ich das Gefühl, dass der Film noch wesentlich besser sein könnte, wenn man den Figuren etwas mehr Raum zugestanden hätte.

Dennoch – auch wenn sich jetzt so negativ liest: The Duellists ist ein richtig guter Film geworden, der einfach schön anzusehen ist. Und immerhin läutete er Scotts beste Schaffensphase sein, denn seine beiden Meisterwerke, die Kinogeschichte schrieben (Alien und Blade Runner) folgten unmittelbar danach.

Ach ja: der Hilfsschüler, der sich den bescheuerten deutschen Titel „Die Duellisten“ ausgedacht hat, hätte vielleicht erstmal einen Duden zur Hand nehmen sollen um festzustellen, dass es im Deutschen „Die Duellanten“ hätte heißen müssen.

THE LAST TEMPTATION OF CHRIST (Martin Scorsese, 1988)

Ich muss gestehen, dass der einzige Grund, warum ich mir den Film überhaupt angesehen habe, die Tatsache ist, dass Martin Scorsese Regie geführt hat. Als Atheist habe ich naturgemäß wenig Interesse am Leben Jesus Christus, obgleich mir Gibsons Film überraschend gut gefallen hat. Als zusätzliche Abschreckung wirkte die Wahl des Hauptdarstellers Willem Dafoe, den ich mir in dieser Rolle einfach nicht vorstellen konnte. Allerdings zeigte sich schnell, dass zumindest dieser Vorbehalt unbegründet war, denn Dafoe macht seine Sache außerordentlich gut. Weniger gefiel mir Harvey Keitel (den ich normalerweise sehr gerne sehe) in der Rolle des Judas; er wirkte einfach fehl am Platz.

Der Film selbst bietet zunächst nicht viel, was man in anderen Filmen zu diesem Thema nicht schon gesehen hat – abgesehen von einigen Provokationen wie die explizite Darstellung von Maria Magdalenas „Arbeit" oder die Tatsache, dass Jesus Kreuze für die Römer zimmert und dafür von seinen Landsleuten verachtet wird. Scorsese porträtiert Jesus als einen innerlich zerrissenen Mann, der die ihm zugedachte Rolle des Heiland nicht annehmen will und lieber ein normales Leben führen würde. Dennoch fühlt er sich dieser Rolle verpflichtet und veranlasst schließlich sogar Judas, ihn an die Römer zu verraten, damit seine Bestimmung sich erfüllen kann. 

Richtig mitgerissen wurde ich jedoch erst, als Jesus von Satan in Form eines blonden Mädchens vom Kreuz „gerettet" wird. Plötzlich bietet sich ihm die Gelegenheit, das Leben eines normalen Mannes zu führen, eine Familie zu haben, befreit von der Last, Erlöser der Menschheit zu sein. Und als sich ihm die Gelegenheit zu einem Seitensprung bietet, nutzt er sie, denn nach Aussage seines blonden „Schutzengels" gibt es ja nur eine Frau auf der Erde, jedoch mit vielen verschiedenen Gesichtern. Erst auf dem Sterbebett erkennt er schließlich seine wahre Bestimmung, die er über all die Jahre verdrängt hat, als Judas ihm die Augen öffnet und ihm zeigt, dass er in Wahrheit der Versuchung Satans erlegen ist.

Ein Film, den ich sicherlich nochmal sehen muss, um ihn abschließend beurteilen zu können. 

A PASSAGE TO INDIA (David Lean, 1984)

Leans letzter Film steht ganz in der Tradition seiner monumentalen Epen Lawrence Of Arabia oder Doctor Zhivago. Judy Davis spielt die junge Engländerin Adela Quested, die mit ihrer künftigen Schwiegermutter nach Indien reist, um ihren Verlobten zu ehelichen. 

Fasziniert von der exotischen Landschaft und der fremden Kultur, aber auch abgestoßen von der Arroganz, mit der die Kolonialherren den Einheimischen begegnen, fragt sie sich schon bald, ob ihr Verlobter, der Richter Ronny Heaslop, tatsächlich der Mann fürs Leben ist, zumal auch er die Inder herablassend behandelt und im übrigen keinerlei Anstalten macht, sich ihr körperlich zu nähern. Sie jedoch sehnt sich nach Zuneigung und körperlicher Liebe, was sich u.a. in ihren sehnsüchtigen Blicken auf die in Stein gemeißelten Skulpturen äußert oder auch in ihrem erwartungsvollen Blick in der Szene, als Heaslop an ihre Zimmertür klopft und ihr eine gute Nacht wünscht, ohne die Tür zu öffnen. Von ihren Gefühlen hin- und hergerissen, lässt sie sich von dem indischen Arzt Dr. Aziz zu einem Ausflug zu den Marabar-Höhlen überreden, bei dem es zu einem Vorfall kommt, der - auch für den Zuschauer - nie ganz aufgeklärt wird. Adela beschuldigt Dr. Aziz der versuchten Vergewaltigung, woraufhin dieser angeklagt und vor Gericht gestellt wird.

Lean versteht es sehr geschickt, die Rassenproblematik in die Story einzubinden, ohne dass man dies als Hauptthema des Films wahrnimmt - was sie auch nicht ist. Im Mittelpunkt steht vielmehr eine verunsicherte junge Frau und ihr Kampf mit sich selbst. Täuscht sie die versuchte Vergewaltigung vor, um Aufmerksamkeit zu erregen oder wünscht sie sich insgeheim Sex mit Dr. Aziz? Ihre Fragen nach seiner toten Frau und ihren körperlichen Kontakten während der Ehe könnten ein Indiz dafür sein. Lean lässt sogar die Möglichkeit offen, dass die Vergewaltigung tatsächlich stattgefunden hat, da nie gezeigt wird, was in der Höhle tatsächlich passierte und der Brief, in dem Dr. Aziz am Ende des Films Adela dafür dankt, ihn vor dem Gefängnis bewahrt zu haben, auch entsprechende Interpretationen zulässt - auch wenn dies zugegebenermaßen nicht sehr wahrscheinlich ist. In jedem Fall erhält der Film dadurch eine geheimnisvolle Note und lässt in gewisser Hinsicht Reminiszenzen an Peter Weirs Picnic At Hanging Rock anklingen.

A Passage To India ist ein geheimnisvoller, exotischer Trip nach Indien während der britischen Kolonialzeit mit in jeder Hinsicht überzeugenden Darstellern, phantastischen Aufnahmen und einer Atmosphäre, die einen schnell vergessen lässt, dass man zuhause auf dem Fernsehsessel sitzt. Eine mehr als würdige Abschlussarbeit eines der größten Regisseure des vergangenen Jahrhunderts. 

POINT BLANK (John Boorman, 1967)

Ein äußerst zynischer Thriller von John Boorman, der mit einer für die damalige Zeit recht ungewöhnlichen Kameraarbeit und einer nichtlinearen Schnitttechnik aufwartet. Marvin spielt Walker als Wandler zwischen den Welten, noch nicht ganz tot, aber auch nicht mehr richtig lebendig, gequält von immer wiederkehrenden Flashbacks, Albträumen, Halluzinationen, angetrieben von einem einzigen Ziel: sich sein Geld zurückzuholen.

Herausragend für mich die Szene, in der sich Walker auf den Weg zu seiner Frau macht, man hört seine rhythmischen, bedrohlich näherkommenden Schritte, während man sie beim Schminken sieht, zwischendurch immer wieder Walker, wie er durch einen langen Korridor schreitet. Als die Schritte schließlich ganz nahe sind, tritt Walker die Tür ein und Bild und Ton finden wieder zueinander. 

Ein absolutes Highlight ist auch der kurze Dialog zwischen Marvin und Dickinson: "What's my last name?" - "What's my first name?" Göttlich! 

COLLATERAL (Michael Mann, 2004)

Collateral ist ein weiterer Beleg für die hervorragende Arbeit, die Michael Mann seit Jahren leistet. Ein auf Hochglanz polierter Thriller, um den Taxifahrer Max, der einen Profikiller zu seinen Opfern fahren und teilweise sogar hilflos mit ansehen muss, wie diese hingerichtet werden. 

Ich bin nicht gerade ein Fan von Tom Cruise, aber die Rolle des Killers Vincent scheint ihm wie auf den Leib geschneidert – obwohl diese im krassen Gegensatz zu den üblicherweise von ihm verkörperten Charakteren steht. Er spielt den Killer mit einem gewissen Charme, der sogar so etwas wie Sympathie für Max zu entwickeln scheint. Er hilft ihm mehrfach, indem er z. B. seinen Boss am Telefon zurechtweist, als dieser versucht, Max die Kosten für den Schaden am Taxi aufzuerlegen, er besucht mit ihm seine kranke Mutter und kauft ihr sogar Blumen, um schließlich Max in dem Club das Leben zu retten, indem er ihn in letzter Sekunde davor bewahrt, erschossen zu werden. Natürlich tut er dies alles nicht aus Menschenliebe, sondern in erster Linie weil er Max weiterhin braucht, um seinen Auftrag auszuführen. 

Manns Verdienst ist es, dass diese Aktionen keineswegs aufgesetzt wirken sondern im Gegenteil perfekt zu dem Bild des Menschen Vincent passen, das man sich im Laufe der Taxifahrt von ihm macht. Auf der anderen Seite wird aber auch nie versucht, Vincents Arbeit in irgendeiner Form zu rechtfertigen. I do this for a living sagt er mehrmals. Er ist ein intelligenter, eiskalt berechnender Killer, der dies nur macht, um damit sein Geld zu verdienen.

Inszenatorisch ist Collateral schlichtweg eine Wucht. Schon die ersten Bilder reißen den Zuschauer in einen Sog, der ihn bis zum Schluss nicht mehr loslässt. Dazu tragen neben den phantastischen Nachtaufnahmen der Stadt L.A., unterlegt von einem beeindruckenden Klangteppich, der diverse Musikrichtungen von Klassik über Jazz und Alternative bis hin zu modernen Disco-Rhythmen einbindet, vor allem die glaubwürdigen Charaktere und die hervorragenden Dialoge bei. 

So werden immer wieder philosophische Themen gestreift, ohne sich jedoch in akademischen Diskussionen zu verlieren. Die Dosierung passt. In wenigen Worten entlarvt Vincent Max Pläne von einem Limo-Service als das was sie sind: Tagträume ohne jede Substanz. Die angedeutete Romanze zwischen Max und der Staatsanwältin wirkt natürlich, auch wenn sie letztlich der Story dient und einen spannenden Showdown ermöglicht. Am Ende sitzt Vincent tot in der U-Bahn und niemand bemerkt es – ganz so wie der Mann, den er in der ersten Unterhaltung mit Max als Beleg für seinen Hass gegenüber L.A. anführt. 

HOUSE OF USHER (Roger Corman, 1960)

Neben dem Gespann Fisher/Cushing(/Lee) faszinierten mich als Jugendlicher natürlich auch die Verwurstungen diverser Poe-Vorlagen durch Roger Corman mit Vincent Price in den Hauptrollen. House Of Usher ist zwar nicht der beste Film dieses Duos, aber derzeit der einzige, den ich auf DVD vorliegen habe, und sehenswert ist er allemal. 

Dafür sorgt alleine schon Vincent Price, für mich im Bereich des Horrorfilms bis heute der mit Abstand beste Darsteller überhaupt. Seine morbide Ausstrahlung dominiert praktisch jeden Film, in dem er mitspielt, und fängt den Geist Edgar Allan Poes (dessen Storys ich schon als Kind geliebt habe) auf ein so geniale Weise ein, dass ich überzeugt bin, Poe hätte seine Freude daran gehabt. Und selbst die Filme, die nicht auf einer Story Poes basieren, lässt er oft wie solche erscheinen – er POEsiert sie quasi.

Ansonsten setzt Corman hier auf das bewährte Rezept: ein schiefes, düsteres Haus mit dunklen Gängen, mitten im stets von Nebel umwaberten Sumpf, unheimliche Geräusche in der Nacht und von Todessehnsucht geprägte Bewohner, die unaufhaltsam ihrem Untergang entgegengehen. 

AFTER HOURS (Martin Scorsese, 1985)

Ein junger Mann trifft sich mit einer Frau, das Treffen läuft nicht so wie geplant, also will er wieder nach Hause. Er hat aber kein Geld, um die U-Bahn zu bezahlen und so stolpert er in eine Reihe bizarrer Vorfälle, die immer irsinniger werden um am Ende sogar sein Leben bedrohen, wenn er vom Mob durch die Straßen Sohos gejagt wird.

Dennoch ist After Hours weder ein Horrorfilm noch ein Thriller im herkömmlichen Sinne, dafür sind die einzelnen Ereignisse zu witzig. Scorsese ist eine äußerst faszinierende Mischung aus Comedy und surrealem Kunstfilm gelungen, getragen von einem überzeugenden Hauptdarsteller, mit dem man schon während des Dates mit der durchgeknallten Marcy Mitleid bekommt. Die Darsteller überzeugen allesamt durch die Bank. Linda Fiorentino ist sowieso immer ein Hingucker, obwohl ich sie hier fast gar nicht erkannt habe. Weitere Highlights sind die erstklassige Kameraarbeit von Michael Ballhaus und das gewohnt souveräne Editing von Scorseses langjähriger Weggefährtin Thelma Schoonmaker.

Ein erfrischend anderer Film von Scorsese, der nichtsdestotrotz das bei ihm übliche hohe Niveau erreicht und vielleicht sogar zu seinen besten Arbeiten zählt. 

THE INCREDIBLES (Brad Bird, 2004)

War ich bei meiner ersten Sichtung vor etwa 2 Jahren etwas enttäuscht, muss ich mein Urteil nun revidieren. Der Film hat mir (wie alle Pixars außer Toy Story 2) großen Spaß gemacht. 

Es ist schon erstaunlich, welch hohes Niveau Pixar seit Jahren hält, unabhängig davon, ob es in dem Film um Fische, Ameisen, Autos oder eben Superhelden geht. Dabei liegt der Unterschied zur Konkurrenz von Dream Works und Konsorten in der unglaublichen Detailverliebtheit, die sich in jeder Szene, ja in jedem einzelnen Bild offenbart. In jedem Pixarfilm gibt es so viele Dinge zu entdecken, dass eine Mehrfach-Sichtung einfach Pflicht ist, wobei The Incredibles der einzige Film des Studios ist, den ich nicht mindestens dreimal gesehen habe. Was mich damals so störte, kann ich heute gar nicht genau sagen, aber irgendwie übten die im Ruhestand befindlichen Superhelden nicht die gleiche Faszination auf mich aus wie die Figuren aus den Vorgängerfilmen.

Vielleicht lag es daran, dass The Incredibles einfach anders ist als die übrigen Pixars, so eine Art Comic-Version von James Bond. Bird lässt den Zuschauer knapp 2 Stunden lang kaum zur Ruhe kommen, es gibt Action nonstop. Die Figur des Syndrome ist zwar komplett lächerlich, aber selbst darüber sehe ich inzwischen hinweg.