RAGING BULL (Martin Scorsese, 1980)

You're killin' yourself, the way you eat, ya fat fuck!

Raging Bull ist kein klassischer Boxfilm, sondern ein faszinierendes Porträt eines Mannes, der selbst sein größter Gegner ist und sich immer wieder im Weg steht. Jake LaMotta ist ein Choleriker und neigt zu Gewaltausbrüchen. Seine mangelnde Selbstdisziplin führt wiederholt zu unkontrollierten Fressattacken und daraus resultierenden Gewichtsproblemen, seine eruptiven Wutausbrüche zerstören Freundschaften und Beziehungen, und seine krankhafte Eifersucht führt dazu, dass er selbst den Menschen misstraut, die ihm am nächsten stehen. 

Robert De Niro liefert hier eine phantastische Leistung ab, die zurecht mit einem Oscar ausgezeichnet wurde. Auch die übrigen Darsteller können überzeugen. Scorsese arbeitete hier erstmals mit Joe Pesci zusammen, mit dem er später noch drei weitere Filme drehen sollte. Das Zusammenspiel zwischen Pesci und De Niro ist einer der größten Schauwerte des Films. Zwei Hitzköpfe, die ihre Emotionen nicht im Griff haben und bei jeder Gelegenheit ausrasten. Geradezu angsteinflößend ist die Szene, in der Joey Salvy verprügelt und schließlich dessen Kopf mit einer Autotür malträtiert.

Die exzellente Kamerarbeit von Michael Chapman kann insbesondere bei den fesselnd inszenierten Kämpfen ihre Stärken ausspielen. Die stilvollen Schwarzweiß-Bilder sind effektvoll geschnitten und präzise montiert, die Aufnahmen innerhalb des Rings machen die Kämpfe für den Zuschauer beinahe physisch erfahrbar. Insbesondere bei der Niederlage des Weltmeisters LaMotta gegen Sugar Ray Robinson glaubt man, die Schläge selbst zu spüren, was den Kampf zu einer äußerst intensiven Erfahrung macht.

Doch auch der zwischenzeitliche Gewinn des Weltmeistertitels bringt LaMotta nicht den erhofften inneren Frieden. Seine Selbstzweifel, seine Eifersucht und seine Wutausbrüche bleiben bestehen und treiben ihn immer weiter in die Isolation. So wird aus der Geschichte eines erfolgreichen Boxers die Chronik eines persönlichen Niedergangs, die schließlich im Gefängnis ihren Tiefpunkt erreicht.

Raging Bull rangiert in meiner Bestenliste der Scorsese-Filme ganz weit oben. Ein formvollendetes Meisterwerk.

MEAN STRETS (Martin Scorsese, 1973)

Honorable men go with honorable men.

Mean Streets habe ich mittlerweile zum zweiten Mal gesehen. Auch wenn er mir diesmal etwas besser gefallen hat als bei der Erstsichtung, weist er doch eine Reihe von Schwächen auf, die man von Scorseses späteren Filmen nicht kennt. In erster Linie mangelt es dem Film an einem ausgereiften Drehbuch. Über weite Strecken besteht die Handlung aus lose aneinandergereihten Episoden, die erst relativ spät Fahrt aufnehmen und echte Spannung entwickeln.

Robert De Niro spielt hier den jungen Rebellen und Heißsporn Johnny, eine Rolle, die sich in ähnlicher Form den Filmen des New Yorker Regisseurs relativ häufig wiederfindet, dann aber meist mit Joe Pesci besetzt ist. Doch Johnny ist anders: Arbeiten hält er für überflüssig, Geld leiht er sich bei jedem, der nicht rechtzeitig das Weite sucht, und an eine Rückzahlung verschwendet er keinen Gedanken. Der Konflikt mit seinem Gläubiger Michael spitzt sich im Verlauf der Handlung immer weiter zu und steuert zwangsläufig auf eine Eskalation zu.

Sowohl die Handlung als auch viele Dialoge wirken häufig improvisiert und selten durchdacht, was kaum überrascht, da Scorsese zahlreiche eigene Erlebnisse und Beobachtungen in den Film einfließen ließ. Gerade die erste Hälfte zieht sich dadurch stellenweise etwas zäh dahin und mäandert oftmals scheinbar ziellos umher. Andererseits verleiht genau dies dem Film eine große Authentizität. Man hat zu jeder Zeit das Gefühl, echten Menschen bei ihrem Alltag zuzusehen und nicht Filmfiguren, die einem klassischen Handlungsbogen folgen müssen. Zusammen mit der Vielzahl zeitgenössischer Musikstücke entsteht so ein äußerst lebendiges und glaubwürdiges Bild des italienisch geprägten New Yorker Milieus der frühen 1970er Jahre. Was auch immer man Mean Streets vorwerfen mag, in Bezug auf Atmosphäre, Zeitkolorit und die Schilderung des Kleinganovenmilieus überzeugt der Film auf ganzer Linie. 

Dennoch würde ich ihn innerhalb von Scorseses Filmografie eher im unteren Drittel ansiedeln. Gut und durchaus unterhaltsam, aber noch weit entfernt von jener erzählerischen Präzision und Souveränität, die seine späteren Meisterwerke auszeichnen sollten. 

CASINO (Martin Scorsese, 1995)

There are three ways of doing things around here: the right way, the wrong way, and the way that I do it.

Casino wirkt über weite Strecken wie der kleine Bruder von GoodFellas und könnte im Grunde sogar als eine Art inoffizielle Fortsetzung durchgehen, wenn auch mit anderen Figuren und einem anderen Milieu. Das liegt nicht zuletzt an den beiden Hauptdarstellern Robert De Niro und Joe Pesci, die hier erneut in ähnlich gelagerten Rollen zu sehen sind. Anders als in Goodfellas teilen sie sich sogar die Voice-over-Kommentare, während diese dort weitgehend der Figur des Henry Hill vorbehalten blieben. Auch die übrigen Darsteller wissen zu überzeugen, allen voran James Woods und Sharon Stone, die in einer ebenso herausfordernden wie mitleiderregenden Rolle zu sehen ist. Selbst Scorseses Mutter absolviert wieder einen kurzen Auftritt.

Statt auf Michael Ballhaus griff Scorsese diesmal auf Oliver Stones Stammkameramann Robert Richardson zurück. Zwar erreicht dessen Arbeit für mein Empfinden nicht ganz die Virtuosität des Deutschen, dennoch liefert auch Casino eine Vielzahl beeindruckender Bilder. Hinzu kommt die gewohnt präzise Montage von Thelma Schoonmaker, die dem Film trotz seiner enormen Laufzeit ein hohes Tempo verleiht. Wie schon in Goodfellas entsteht so eine ungemein dichte Atmosphäre, wirkungsvoll unterstützt durch zahlreiche zeitgenössische Musikstücke.

Scorsese gewährt dem Zuschauer einen faszinierenden Einblick in den von Korruption, Gier und Gewalt geprägten Mikrokosmos des Las Vegas der 1970er- und frühen 1980er-Jahre sowie in die Mechanismen, die dieses System am Laufen halten. Mich persönlich hat allerdings schon immer die starke Fokussierung auf die von Sharon Stone verkörperte Ginger gestört. Andererseits ist sie eine zentrale Figur der Handlung, da ihr Verhalten maßgeblich zum Niedergang der Protagonisten beiträgt und letztlich die Ereignisse ins Rollen bringt, die das fragile Machtgefüge zum Einsturz bringen.

Stellenweise wirkt der Film etwas zu geschwätzig, insbesondere während der ausufernden Erläuterungen zu Beginn. Im weiteren Verlauf zieht Scorsese die Spannungsschraube jedoch immer weiter an und entwickelt aus dem Aufstieg und Fall seiner Figuren eine ebenso faszinierende wie tragische Geschichte. Nicht ganz so brillant wie GoodFellas, aber dennoch ein herausragender Gangsterfilm, der eindrucksvoll zeigt, warum Scorsese zu Recht als Meister des Genres gilt.

GOODFELLAS (Martin Scorsese, 1990)

Never rat on your friends and always keep your mouth shut.

Scorseses Porträt des Gangsters Henry Hill zählt neben Coppolas The Godfather zweifellos zu den großen Klassikern des Mafiafilms und setzte Maßstäbe für das Genre. Basierend auf den Erfahrungen des realen Mobsters Henry Hill zeichnet der Film ein außergewöhnlich realistisches Bild des organisierten Verbrechens und verzichtet weitgehend auf die romantisierende Verklärung, die viele Genrevertreter kennzeichnet. 

Einen wesentlichen Anteil an der Wirkung des Films haben die dynamische Inszenierung Scorseses, der hervorragend ausgewählte Einsatz zeitgenössischer Musik, die virtuose Kameraarbeit von Michael Ballhaus sowie die präzise Bildmontage. Höchst beeindruckend ist insbesondere die berühmte lange Sequenz ohne erkennbaren Schnitt, in der Henry und Karen durch den Hintereingang die Copacabana-Bar betreten und durch die Küche zu ihrem Tisch geleitet werden.

Auch darstellerisch bewegt sich GoodFellas auf höchstem Niveau. Der damals noch vergleichsweise unbekannte Ray Liotta überzeugt als Henry Hill, während vor allem Joe Pesci mit seiner unberechenbaren und angsteinflößenden Darstellung des Tommy DeVito in Erinnerung bleibt. Nicht ohne Grund wurde er für seine Leistung mit dem Oscar als bester Nebendarsteller ausgezeichnet.

Das über die gesamte Laufzeit eingesetzte Voice-over verleiht GoodFellas einen beinahe dokumentarischen Charakter und lässt die Erzählung noch authentischer wirken. Erscheint das Gangsterleben in der ersten Hälfte noch verlockend und glamourös, treten die Schattenseiten im weiteren Verlauf immer stärker zutage. Freundschaft und Loyalität weichen Misstrauen, Gier und Paranoia. Die Gewalt eskaliert zunehmend, ehemalige Weggefährten werden zu Feinden und die vermeintlich glanzvolle Welt des organisierten Verbrechens offenbart ihren zerstörerischen Kern. Nach seiner Verhaftung sieht Hill schließlich in der Kooperation mit den Behörden den einzigen Ausweg, da er sich weder innerhalb noch außerhalb des Gefängnisses seines Lebens sicher sein kann.

Mit seiner rasanten Inszenierung, den großartigen Darstellern und seinem ungeschönten Blick auf die Mafia zählt GoodFellas auch mehr als drei Jahrzehnte nach seiner Entstehung zu den besten Gangsterfilmen überhaupt. 

THE IRISHMAN (Martin Scorsese, 2019)

I heard you paint houses.

Ich habe mal irgendwo gelesen, The Irishman sei ein geriatrischer Gangsterfilm, und das trifft es tatsächlich ganz gut. Martin Scorsese versammelte eine beachtliche Riege alter Stars, angeführt vom zum Zeitpunkt der Dreharbeiten 75-jährigen Robert De Niro, kongenial ergänzt durch den gleichaltrigen Joe Pesci und den noch drei Jahre älteren Al Pacino.

Wie bei derartigen Filmen üblich spielt sich die Handlung auf mehreren Zeitebenen ab, zwischen denen ständig hin- und hergewechselt wird. Um das Aussehen der Darsteller den jeweiligen Lebensabschnitten anzupassen, setzte man nicht auf die klassische Lösung in Form von Make-up, sondern griff auf digitale Verjüngungseffekte zurück. Das Ergebnis ist durchaus gelungen, dennoch sieht man den Schauspielern ihr tatsächliches Alter häufig noch an ihren Bewegungen an. Vor allem De Niro wirkt oftmals etwas ungelenk, wenn er sich durch die Gegend bewegt. Das fällt besonders in den Szenen auf, die in den 1950er Jahren spielen und ihn als jungen Mann zeigen sollen.

Der titelgebende Irishman, Frank Sheeran, taugt nur bedingt als Identifikationsfigur, ist er doch ein skrupelloser Auftragsmörder, der selbst seinen besten Freund hinterrücks erschießt, wenn seine Auftraggeber es von ihm verlangen. Er führt jeden Befehl zuverlässig aus, was es ihm als Nichtitaliener ermöglicht, innerhalb der Hierarchie der Cosa Nostra weit aufzusteigen. Der Preis dafür ist die zunehmende Entfremdung von seiner Familie, insbesondere von seinen vier Töchtern. Am Ende bleibt ihm nichts anderes als ein einsames Dasein in einem Pflegeheim.

Über die stattliche Laufzeit von dreieinhalb Stunden entwirft der New Yorker Meisterregisseur eine faszinierende Biografie, die von einem durchgehend melancholischen Grundton geprägt ist. Die bewusst entschleunigte Erzählweise nimmt sich viel Zeit für Details und kleine Ausschmückungen. Die wundervolle Kameraarbeit des Mexikaners Rodrigo Prieto kleidet das Geschehen in ausnehmend schöne Bilder. Der präzise Schnitt seiner langjährigen Stamm-Cutterin Thelma Schoonmaker trägt sein Übriges dazu bei.

Die letzte halbe Stunde fällt allerdings merklich ab und ist für meinen Geschmack weitgehend entbehrlich. Statt das spätere Schicksal der Protagonisten lediglich anzudeuten, zumal die zahlreichen Texteinblendungen während des Films ohnehin bereits das Wesentliche verraten, hat man das zweifelhafte Vergnügen, einer Gruppe alter und schwerkranker Männer beim Boule-Spiel im Gefängnishof zuzusehen oder Frank Sheeran bei der Auswahl seines Sarges zu begleiten. Das unterstreicht zwar die Vergänglichkeit und Trostlosigkeit ihres Daseins, zieht die Handlung aber unnötig in die Länge. Den insgesamt hervorragenden Eindruck schmälert dies jedoch nur geringfügig.

The Irishman ist vermutlich Scorseses letztes großes Mafia-Epos mit einer grandiosen Besetzung, die in dieser Konstellation vermutlich nie wieder vor der Kamera stehen wird.

KILLERS OF THE FLOWER MOON (Martin Scorsese, 2023)

Money flows freely here now.

Martin Scorseses dreieinhalbstündige Verfilmung der Osage-Morde in den 1920er Jahren ist eine bewegende Aufarbeitung der Verbrechen, die dem indigenen Volk durch Kriminelle, Anwälte, Behörden und Ordnungshüter angetan wurden. Stellenweise mag man kaum glauben, dass die Geschichte wahr ist. Scorsese fokussiert sich auf die Täterperspektive, was Killers of the Flower Moon in die Nähe des Mafia-Films rückt: in ungewohntem Setting zwar und nicht unbedingt mit den üblichen Protagonisten, aber der von Robert De Niro verkörperte King Hale regiert im Osage-Land wie ein Pate. Er zieht im Hintergrund die Fäden, lässt Kleinkriminelle für sich arbeiten und beseitigt sie skrupellos, sobald sie zur Gefahr werden.

Die Tatsache, dass Scorsese die Geschehnisse hauptsächlich aus der Täterperspektive schildert bedeutet nicht, dass er die der Opfer vernachlässigt. Von Anfang an ist klar, dass für Menschen vom Schlag Hale nichts außer Geld wichtig ist. Nach außen hin tritt er großzügig als Freund und Gönner der Indianer auf, nur um sie nach Strich und Faden auszunehmen. Auch seine beiden Neffen sind dabei nur Werkzeuge. Eine solche Geschichte aus Sicht der Täter zu erzählen, ist sicher ungewohnt. Gerade das macht aber Killers of the Flower Moon zu einem so guten Film, weil die moralische Verkommenheit der Figuren dadurch umso deutlicher hervortritt.

Neben De Niro, der eine der niederträchtigsten Figuren seiner Karriere verkörpert, brilliert Leonardo DiCaprio als sein tumber, willfähriger Neffe Ernest Burkhart, der ohne mit der Wimper zu zucken jeden Auftrag seines Onkels ausführt und dabei den Eindruck vermittelt, nie das Gesamtbild im Blick zu haben. Hale verfolgt von Anfang an und über Jahre hinweg einen perfiden Plan, in dem Ernest eine entscheidende Rolle spielt, diese aber nie in Gänze und aller Konsequenz zu begreifen scheint. DiCaprio spielt das großartig und sorgt dafür, dass man seinen Charakter trotz der bösen Taten als noch nicht einmal unsympathisch wahrnimmt. Dessen ambivalenten Gefühle kommen auch gegenüber seiner indianischen Frau Mollie zum Ausdruck, die er einerseits zu lieben scheint und zu beschützen versucht, andererseits ihr aber täglich kaltblütig kleine Dosen eines ungenannten Gifts (vermutlich Strychnin) verabreicht, das sie in zunehmendem Maße dahinsiechen lässt. Lily Gladstone liefert eine beeindruckende Vorstellung und spielt die Rolle mit einer Mischung aus Demut gegenüber ihrem Mann und Ergebenheit in das ihr scheinbar vorbestimmte Schicksal. Obwohl sie schon beim ersten Treffen ahnt, dass Ernest in erster Linie auf ihr Geld aus ist ("Coyote wants money"), zeigt sie lange keinen echten Kampfeswillen, gegen das Unrecht aufzubegehren. Erst nachdem alle ihre Schwestern ermordet wurden, reist sie nach Washington, um den Präsidenten um Hilfe zu bitten. 

Neben den tollen Darstellern können die hervorragende Kamerarbeit des Mexikaners Rodrigo Prieto, mit dem Scorsese schon mehrfach zusammengearbeitet hat und die authentisch wirkenden Sets und Kostüme überzeugen. In Kombination mit dem effektvollen Score ergibt sich eine dichte Atmosphäre, die den Zuschauer 100 Jahre zurückversetzt.

Auch wenn Scorsese in erster Linie natürlich sein Publikum unterhalten will, deutet der ungewöhnliche Auftritt am Ende darauf hin, in dem die Zuschauer im Stile einer Live-Radio Bühnenschau über den weiteren Werdegang der Protagonisten aufgekärt werden, dass er zugleich eine Form der historischen Einordnung liefern möchte. Ganz am Schluss tritt er höchstselbst in Erscheinung, um über Mollies weitere Schicksal zu berichten, was dem Film einen stillen, respektvollen Abschluss verleiht.

Killers of the Flower Moon ist zwar nicht Scorseses bester, aber ohne Zweifel ein herausragend guter Film, der über die Spieldauer von 206 Minuten nie langweilig wird. Ein ebenso bewegendes wie mitreißendes Filmerlebnis. Bleibt angesichts des fortgeschrittenen Alters des New Yorker Meisterregisseurs zu hoffen, dass es nicht seine letzte Großtat war. 

SILENCE (Martin Scorsese, 2016)

Eine schwierige Sache, das mit Scorseses neuestem Werk. Dass das Projekt für den Katholiken Scorsese, der selbst in seiner Jugend eine Jesuitenschule besucht hat und ursprünglich plante, Priester zu werden, eine Herzensangelegenheit war, kann man sich gut vorstellen. Wenn jemand ein Projekt über 25 Jahre lang verfolgt, kann man schon von einer Art von Besessenheit sprechen. Mir hingegen fiel es schwer, als jemand, der mit Kirche und Religionen überhaupt nichts anzufangen weiß, Zugang zu dem Film zu finden.

     

Beeindrucken kann Silence vor allem mit den tollen Landschaftsaufnahmen, insbesondere der rauen Küste Taiwans, die hier das historische Japan abbilden soll. Verantwortlich für die grandiosen Bilder zeichnet der Mexikaner Rodrigo Prieto, mit dem Scorsese bereits bei The Wolf of Wall Street zusammengearbeitet hat. Wie der Filmtitel nahelegt, ist die musikalische Untermalung äußerst spärlich ausgefallen und meist kaum wahrnehmbar bis nicht vorhanden. Diesbezüglich vermisst man auch nichts, das starke Rauschen des Windes und das Peitschen der Wellen sind Soundkulisse genug. Auch Sets und Kostüme sind ohne Abstriche hervorragend und tragen ihren Teil dazu bei, dass die Atmosphäre während der japanischen Isolation perfekt eingefangen wurde.

Die Handlung als solche ist relativ belanglos: zwei jesuitische Pater reisen von Portugal nach Japan, um ihren Mentor Pater Ferreira zu finden, der seit geraumer Zeit verschwunden ist und Gerüchten zufolge dem Glauben entsagt haben soll. In Japan angekommen, sehen sie sich sofort der Verfolgung durch die Inquisitoren des Kaisers ausgesetzt und müssen sich wie Tiere verstecken.

Wie gesagt: mit Religionen kann ich nichts anfangen. Somit hatte ich von Beginn an Probleme, mich mit den Protagonisten zu identifizieren, zumal es sich um verblendete Spinner handelt, die – wie alle religiösen Fanantiker – den eigenen Glauben als den einzig wahren und seligmachenden ansehen. Dabei wird einer der beiden, Rodrigues (dem anderen wird irgendwann durch die Inquisition der Garaus gemacht), beinahe zur Jesusfigur stilisiert und dem angeblichen Sohn Gottes dabei auch optisch immer ähnlicher. Dadurch dass die Handlung aus seiner Sicht erzählt wird, ist der Blickwinkel auf den Konflikt sehr einseitig, und Scorsese tut über lange Zeit wenig, um diesen Eindruck zu korrigieren. Erst in der zweiten Hälfte des Films werden die Motive der Gegenseite thematisiert und dadurch Verständnis für ihren Standpunkt geweckt. Ganz abgesehen davon, dass auch die Inquisition der katholischen Kirche jahrhundertelang Andersgläubige verfolgte, folterte und tötete, was in dem Film natürlich mit keinem Wort erwähnt wird. Da verwundert es nicht, dass die Uraufführung im Vatikan stattfand und Scorsese sogar beim Papst vorsprechen durfte. Bessere Propaganda für die eigene Sache konnte man sich dort kaum wünschen.

Den rationalen Gegenpol zu dem besessenen Rodrigues bildet der durch die Inquisition geläuterte Pater Ferreira, der von Liam Neeson gewohnt charismatisch verkörpert wird. Diesem gelingt es schließlich, Rodrigues davon zu überzeugen, der Form halber von seinem Glauben abzulassen. Dass es sich dabei nur um ein Lippenbekenntnis handelt, belegt die letzte Szene, in der Rodrigues‘ Witwe dem Verstorbenen noch heimlich ein Kruzifix zusteckt, bevor er verbrannt wird. 
     

Silence hat – wie vorstehend beschrieben – durchaus seine Stärken. Als historisches Sittengemälde funktioniert er ganz ausgezeichnet. Inhaltlich hingegen hat er - zumindest für nicht religiöse Menschen - wenig zu bieten, zumal die Laufzeit mit rund 160 Minuten auch recht stattlich ausgefallen ist. Durchhaltevermögen ist gefragt. So bleibt unter dem Strich ein zwiespältiger Eindruck.

THE WOLF OF WALL STREET (Martin Scorsese, 2013)

I want you to deal with your problems by becoming rich!

Faszinierendes Porträt, das vom steilen Aufstieg und tiefen Fall eines skrupellosen Finanzhais erzählt, und eine wahrhaft phantastische Lebensgeschichte zur Vorlage hat. Auf den Altmeister ist nach wie vor Verlass. Drei Stunden lang schildert er Jordan Belfort als ebenso schillernde wie gewinnende Persönlichkeit, die es mit nur wenigen Worten schafft, praktisch jeden um den Finger zu wickeln. Nur bei den gegen ihn ermittelnden FBI-Beamten funktioniert seine Masche nicht. Leonardo DiCaprio gibt den Verführer derart überzeugend, dass ich schon nach 20 Minuten auf seiner Seite stand und bereit war, jedes Wort zu glauben, das er von sich gab. 

Dabei findet Scorsese genau die richtige Mischung zwischen detailversessener Biographie und mitreißendem Drama, variiert das Erzähltempo gefühlvoll und mit jenem feinen Gespür, dass ihn seit vielen Jahren auszeichnet. Trotz der stattlichen Spieldauer wird der Film zu keiner Zeit langweilig, andererseits hat man am Ende das Gefühl, allen wesentlichen Ereignissen beigewohnt und nichts verpasst zu haben. Für den Schnitt zeichnet wieder einmal Scorseses langjährige Weggefährtin Thelma Schoonmaker verantwortlich, mit der er seit mehr als 30 Jahren zusammenarbeitet. Erstmals hingegen griff er auf die Dienste des Kameramanns Rodrigo Prieto zurück, dessen Bilder mich schon bei Filmen wie Frida, Alexander oder zuletzt Argo begeistern konnte. 

The Wolf of Wall Street ist ein weiterer großartiger Film des italo-amerikanischen Meisterregisseurs, der ganz in der Tradition seiner epischen Gangsterfilme wie GoodFellas und Casino steht.

NEW YORK STORIES (Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Woody Allen, 1989)

Wenn sich drei große New Yorker Regisseure zusammentun, um einen Film über ihre Stadt zu machen, sind die Erwartungen sehr hoch. Das Ergebnis fällt letztlich ernüchternd aus. 

Scorseses Geschichte um den Maler Lionel Dobie ist noch die beste und kann mit beeindruckenden Bildern aufwarten. Zudem ist sie hochkarätig besetzt. Allerdings spielt sie sich fast vollständig innerhalb von Gebäuden ab, so dass der Bezug zu New York in erster Linie über die Einbindung der New Yorker Kunstszene, deren Teil Dobie ist, erfolgt. 

Coppolas Beitrag Life without Zoe ist so schlecht, dass man kaum glauben mag, dass er etwas damit zu tun hat. Es braucht schon eine gehörige Portion Leidensfähigkeit, um dieses Stuss bis zum Ende zu ertragen. 

Woody Allens visuelle Verarbeitung des Ödipus-Komplexes ist originell und recht witzig, krankt aber an der dürftigen Umsetzung. Aus der Idee hätte man mehr machen können. 

Unter dem Strich bietet New York Stories nicht mehr als eine Ansammlung belangloser Geschichten, auf die man gut hätte verzichten können.

SHUTTER ISLAND (Martin Scorsese, 2010)

Which would be worse: to live as a monster or to die as a good man?

Passend zum Kinostart des neuen Scorsese-Films Hugo habe ich nun endlich den Vorgänger gesehen. Und was soll ich sagen? Scorseses filmische Umsetzung des Lehane-Romans hat mich schlichtweg weggeblasen. 

Die Story gewinnt sicherlich keinen Preis für Originalität und ist in sich nicht immer schlüssig, aber die großartige Inszenierung erstickt jeden aufkommenden Zweifel im Keim. In Sachen Bildregie griff Scorsese wieder einmal auf Robert Richardson zurück, mit dem er u. a. schon bei Casino, Bringing out the Dead oder The Aviator zusammengearbeitet hatte. Zielgenau unterstützt werden die überwältigenden Bilder durch den grandiosen Score von Robbie Robertson, der akzentuiert und pointiert das Geschehen untermalt. 

DiCaprio wird nicht mehr mein Lieblingsschauspieler, aber ich komme nicht umhin, ihm hier eine tadellose Leistung zu bescheinigen. Ben Kingsley und Max von Sydow sind natürlich immer eine Bank.

Nach langer Zeit endlich mal wieder ein Horror-Thriller, der mich in allen Belangen überzeugen konnte.  

BOXCAR BERTHA (Martin Scorsese, 1972)

I don't wanna sleep alone tonight.

Ein Frühwerk Scorseses aus der Corman-Schmiede, das stellenweise etwas unbeholfen wirkt, mir aber insbesondere aufgrund der tollen Atmosphäre und der Darsteller ausgesprochen gut gefallen hat. 

Die Dialoge sind für Scorsese-Verhältnisse äußerst zahm, die Bilder hingegen ganz und gar nicht. Insbesondere Bills Kreuzigung und die Schießerei am Ende sind harter Tobak. Scorseses später so markante Handschrift ist hier allerdings kaum zu erkennen, was sicherlich nicht zuletzt auf den Einfluss Cormans zurückzuführen ist. Obwohl der Film zur Zeit der Depression angesiedelt ist, versprüht er doch eher den Geist seiner Entstehungszeit, sprich: der 70er Jahre, wobei ich gerade diesen Gegensatz reizvoll fand. Das geringe Budget von 600.000 Dollar sieht man ihm nicht an. 

Boxcar Bertha ist ein kleiner ungeschliffener Rohdiamant, dem die Brillanz der späteren Scorsese-Werke abgeht, der aber dennoch einen wichtigen Punkt in der Entwicklung des Regisseurs markiert und daher unbedingt sehenswert ist.

NEW YORK, NEW YORK (Martin Scorsese, 1977)

Kein Musical im klassischen Sinne, aber ein Film, in dem die Musik eine tragende Rolle spielt. Eine Musik, die mir leider vollkommen fremd ist und meine Nerven auf eine harte Probe stellte. 

Darüber hinaus hat New York, New York nicht viel zu bieten. Eine belanglose Liebesgeschichte zwischen zwei Musikern inklusive Hochzeit und späterer Trennung. Der ein oder anderer interessante Ansatz geht im Strudel der Musik unter.  

ALICE DOESN’T LIVE HERE ANYMORE (Martin Scorsese, 1974)

Well, look at my face. I don't sing with my ass.

Zwischen Mean Streets und Taxi Driver drehte Scorsese diese krude Mischung aus Drama, Roadmovie und Komödie, in deren Mittelpunkt die frisch verwitwete Alice mit ihrem Sohn Tommy steht. 

Die Story an sich ist ja noch ganz nett, doch die unsympathischen Hauptdarsteller – allen voran Ellen Burstyn und Alfred Lutter – trübten das Filmvergnügen erheblich, und so war es mir nach einer dreiviertel Stunde vollkommen wurscht, was aus Alice und ihrem verzogenen Bengel wird. Als besonders enervierend empfand ich die auf lustig getrimmten frühreifen Sprüche des Jungen. Positiv sind in jedem Fall die Auftritte Kris Kristoffersens und vor allem Harvey Keitels zu erwähnen. Die beiden können den Film aber auch nicht vor der Mittelmäßigkeit retten.  

THE AGE OF INNOCENCE (Martin Scorsese, 1993)

I think we should look at reality, not dreams.

Großes Gefühlskino von Scorsese, ganz im Stile von David Lean. Auch thematisch würde der Film gut ins Œuvre des Briten passen, Erinnerungen an Brief Encounter werden wach. 

Die opulenten Sets und prachtvollen Kostüme - zu Recht oscarprämiert - können ihre Wirkung durch Michael Ballhaus exzellente Bildregie voll entfalten, zudem sind die Rollen erstklassig besetzt. Rundum gelungen.

THE COLOR OF MONEY (Martin Scorsese, 1986)

Money won is twice as sweet as money earned.

Nachdem ich vor einigen Monaten den großartigen The Hustler gesehen hatte, war ich natürlich gespannt auf Scorseses Fortsetzung, zu deren Sichtung ich leider erst gestern gekommen bin. Allerdings hat diese bis auf die Figur des Eddie Felson - in beiden Fällen verkörpert von Paul Newman - mit dem Vorgänger nicht viel gemein. War Rossens Film noch als komplexe Charakterstudie angelegt, kommt Scorseses Variante eher als Sportfilm daher. Die Figuren bleiben blass, die Story ist ebenso langweilig wie flach und Tom Cruise nervt wie Sau. 

Positiv zu erwähnen sind neben Newmans solider Performance die äußerst attraktive Mary Elizabeth Mastrantonio und Michael Ballhaus' hervorragende Kameraarbeit. Scorseses Handschrift suchte ich vergebens, und so ist The Color of Money ein ähnlich unpersönlicher Film wie der in meinen Augen völlig überschätzte Cape Fear. Scorsese kann's normalerweise besser.  

TAXI DRIVER (Martin Scorsese, 1976)

Someday a real rain will come and wash all this scum off the streets.

Scorseses verstörendes Porträt eines Mannes auf der Suche nach Erlösung aus seiner Einsamkeit zählt ohne Zweifel zu den faszinierendsten Filmen der 70er Jahre. 

 

Der bedrohliche Score von Bernard Herrmann - seine letzte Arbeit, er starb noch vor der Fertigstellung des Films - bildet die perfekte Untermalung der beinahe apokalyptischen Bilder Michael Chapmans. Robert De Niro zeigt hier eine der beeindruckendsten Leistungen seiner Karriere. Mit seiner Darstellung schafft er es, beim Zuschauer Sympathien für Travis Bickle zu wecken, trotz dessen extremer Ansichten und Taten. Wahrscheinlich hat sich jeder schon mal dabei ertappt, wie ihm ähnliche Gedanken wie die in dem oben verwendeten Zitat durch den Kopf gingen. 

Entscheidend für die Identifikation mit ihm ist auch die Tatsache, dass praktisch die gesamte Handlung aus seiner Sicht geschildert wird inklusive aus dem Off gesprochener Passagen seines Tagebuchs. Es gibt keine einzige Szene, in der de Niro nicht präsent ist, was gleichzeitig bezeichnend für seine Situation ist: außer ihm selbst gibt es niemanden in seinem Leben, wie er auch selbst sagt: Loneliness has followed me my whole life. Everywhere. In bars, in cars, sidewalks, stores, everywhere. There's no escape. I'm God's lonely man.

Meisterhaft!

BRINGING OUT THE DEAD (Martin Scorsese, 1999)

Normalerweise mag ich Nicolas Cage nicht, aber das hier ist natürlich eine Paraderolle für ihn. Ich kann mir wirklich niemanden vorstellen, der Frank Pierce glaubwürdiger verkörpert hätte. Der übliche Dackelblick wird einfach ergänzt um dicke Augenringe und eine wirre Frisur und fertig ist das perfekte Abbild des ruhelosen Rettungssanitäters, der unter Schlafstörungen leidet, von den Geistern seiner verstorbenen Patienten verfolgt wird und in dem ganzen Elend um ihn herum zu ersticken droht. Die nächtlichen Fahrten durch die Straßen New Yorks sind höchst beeindruckend in Szene gesetzt und vermitteln dem Zuschauer durch die unscharfen, überstrahlenden Lichter die an totale Erschöpfung grenzende Übermüdung des Protagonisten.

Über weite Strecken wirkt Bringing out the Dead wie eine Mischung aus Taxi Driver und After Hours. Letzterer deswegen, weil Pierce ähnlich wie Paul durch das nächtliche New York irrt und dabei von einer bizarren Situation in die nächste gerät. Aus Pierces Sichtweise scheinen alle dem Wahnsinn verfallen zu sein, wobei die Vorfälle – und da unterscheiden sich die beiden Filme – einfach nur den Alltag eines Rettungssanitäters wiederspiegeln und nicht wie eine Anhäufung merkwürdiger Zufälle wirken. Dennoch geben sie dem Film einen deutlich surrealen Anstrich, was sich auch in Pierces Drogentrip in der Wohnung des Dealers manifestiert.

Im Gegensatz zu Travis Bickle in Taxi Driver wird Frank Pierce von dem Wunsch getrieben, anderen Menschen zu helfen, Leben zu retten. Saving someone’s life is like falling in love. The best drug in the world sagt er einmal. Die Tatsache, dass er meist nicht mehr helfen kann, ist der Hauptgrund für seine Probleme. Bickle hingegen würden den ganzen „Abschaum“ am liebsten von der Straße spülen. So gesehen sind also die Parallelen zwischen den beiden Filmen nur oberflächlich, in den Motiven der Protagonisten unterscheiden sie sich grundlegend.

Trotz der traurigen Grundstimmung ist Bringing out the Dead aber auch recht lustig, insbesondere die Szene, in der Pierce dem verhinderten Selbstmörder genaue Anweisungen gibt, wie er sich die Pulsadern aufzuschneiden hat, ihm sein Taschenmesser anbietet und ihn dann zusammenscheißt, weil er nicht den Mut dazu hat, brachte mich zum Lachen. Für den ein oder anderen Schmunzler sorgen auch Pierces Kollegen, die mit ihm unterwegs sind, wobei mir vor allem Tom Sizemore gut gefiel. Patricia Arquette sah ganz anders aus als sonst und anfangs habe ich sie nur an ihrer Stimme erkannt. Erst ein Blick auf die Cover-Rückseite der DVD brachte Gewissheit.

Das Ende fand ich etwas flach, die Art und Weise, wie Pierce plötzlich mit dem Geist des Mädchens spricht und Erlösung findet, erinnerte mich stark an Schumachers Flatliners. Dann liegt er in Marys Armen und kann endlich schlafen, während draußen auf den Straßen der Wahnsinn weitergeht.           

THE LAST TEMPTATION OF CHRIST (Martin Scorsese, 1988)

Ich muss gestehen, dass der einzige Grund, warum ich mir den Film überhaupt angesehen habe, die Tatsache ist, dass Martin Scorsese Regie geführt hat. Als Atheist habe ich naturgemäß wenig Interesse am Leben Jesus Christus, obgleich mir Gibsons Film überraschend gut gefallen hat. Als zusätzliche Abschreckung wirkte die Wahl des Hauptdarstellers Willem Dafoe, den ich mir in dieser Rolle einfach nicht vorstellen konnte. Allerdings zeigte sich schnell, dass zumindest dieser Vorbehalt unbegründet war, denn Dafoe macht seine Sache außerordentlich gut. Weniger gefiel mir Harvey Keitel (den ich normalerweise sehr gerne sehe) in der Rolle des Judas; er wirkte einfach fehl am Platz.

Der Film selbst bietet zunächst nicht viel, was man in anderen Filmen zu diesem Thema nicht schon gesehen hat – abgesehen von einigen Provokationen wie die explizite Darstellung von Maria Magdalenas „Arbeit" oder die Tatsache, dass Jesus Kreuze für die Römer zimmert und dafür von seinen Landsleuten verachtet wird. Scorsese porträtiert Jesus als einen innerlich zerrissenen Mann, der die ihm zugedachte Rolle des Heiland nicht annehmen will und lieber ein normales Leben führen würde. Dennoch fühlt er sich dieser Rolle verpflichtet und veranlasst schließlich sogar Judas, ihn an die Römer zu verraten, damit seine Bestimmung sich erfüllen kann. 

Richtig mitgerissen wurde ich jedoch erst, als Jesus von Satan in Form eines blonden Mädchens vom Kreuz „gerettet" wird. Plötzlich bietet sich ihm die Gelegenheit, das Leben eines normalen Mannes zu führen, eine Familie zu haben, befreit von der Last, Erlöser der Menschheit zu sein. Und als sich ihm die Gelegenheit zu einem Seitensprung bietet, nutzt er sie, denn nach Aussage seines blonden „Schutzengels" gibt es ja nur eine Frau auf der Erde, jedoch mit vielen verschiedenen Gesichtern. Erst auf dem Sterbebett erkennt er schließlich seine wahre Bestimmung, die er über all die Jahre verdrängt hat, als Judas ihm die Augen öffnet und ihm zeigt, dass er in Wahrheit der Versuchung Satans erlegen ist.

Ein Film, den ich sicherlich nochmal sehen muss, um ihn abschließend beurteilen zu können. 

AFTER HOURS (Martin Scorsese, 1985)

Ein junger Mann trifft sich mit einer Frau, das Treffen läuft nicht so wie geplant, also will er wieder nach Hause. Er hat aber kein Geld, um die U-Bahn zu bezahlen und so stolpert er in eine Reihe bizarrer Vorfälle, die immer irsinniger werden um am Ende sogar sein Leben bedrohen, wenn er vom Mob durch die Straßen Sohos gejagt wird.

Dennoch ist After Hours weder ein Horrorfilm noch ein Thriller im herkömmlichen Sinne, dafür sind die einzelnen Ereignisse zu witzig. Scorsese ist eine äußerst faszinierende Mischung aus Comedy und surrealem Kunstfilm gelungen, getragen von einem überzeugenden Hauptdarsteller, mit dem man schon während des Dates mit der durchgeknallten Marcy Mitleid bekommt. Die Darsteller überzeugen allesamt durch die Bank. Linda Fiorentino ist sowieso immer ein Hingucker, obwohl ich sie hier fast gar nicht erkannt habe. Weitere Highlights sind die erstklassige Kameraarbeit von Michael Ballhaus und das gewohnt souveräne Editing von Scorseses langjähriger Weggefährtin Thelma Schoonmaker.

Ein erfrischend anderer Film von Scorsese, der nichtsdestotrotz das bei ihm übliche hohe Niveau erreicht und vielleicht sogar zu seinen besten Arbeiten zählt.